Mi época de Oro

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Entre 1999 y 2001 tuve un periodo en el que me volví un tanto fan de ver películas de la época de oro del cine mexicano, siendo Al son de la Marimba y Macario dos de mis favoritas, y de las que ya había hablado en mi topo de películas mexicanas. Pero además de esos dos títulos hubo varios más que me gustaba ver, de hecho tenía yo una buena cantidad de películas en VHS de esa época. Una de las que más me gustaron y que recuerdo con cierto aprecio fue El Charro Negro.

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Dicho filme retoma el típico cliché del héroe que es considerado villano y que persigue a los verdaderos forajidos en su caballo mientras oculta su identidad. La película es muy simple y hasta corta, pero en su momento me gustó mucho y de hecho en mi memoria quedó cincelada parte del corrido que le componen al charro, lo suficiente para ayudarme a encontrar de nuevo tal filme cuando me puse a buscarlo en internet. Aquella tonada que dice así: “señores, para cantar, pido licencia primero, pues yo les voy a contar la historia del charro negro…”. Esa película fue de mis preferidas y tiene mucho de esa esencia de vaqueros del cine estadounidense y cuya versión mexicana a la postre sería conocida como Enchilada Western.

Otras de mis películas favoritas fueron aquellas en donde aparecieran Sara García, Fernando Soler y Joaquín Pardavé. La primera ampliamente conocida como la abuelita de México, Fernando el hermano mayor de la dinastía Soler y Pardavé es uno de los actores más completos que haya tenido México. Recuerdo que mi abuelo solía decir, que si los ingleses presumían de tener a Charles Chaplin, nosotros podríamos presumir a Pardavé pues fue actor, director, guionista y compositor, sin duda un hombre muy completo y cuyas actuaciones, junto a los dos antes mencionados, son excelentes.

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Hubieron otras que en su momento identificaba pero que o no vi o no me llamaron la atención porque era muy joven (en el 2000 tenía diez años), pero años más tarde al verlas pude apreciar lo excelentes que son. Entre ellas tenemos La Perla, protagonizada por Pedro Armendáriz (quién hace mancuerna con Raúl de Anda quien interpreta al Charro Negro en la cinta mencionada al principio de este post) y Nazarín de Luis Buñuel, otro grande de la época. De quien nunca fui fan fue de Pedro Infante, por mucho que sea querido como un grande del cine mexicano a mí nunca me gustaron sus películas en realidad, prefería más las de Germán Valdés “Tin Tán”, y si bien el Pachuco de Oro tenía un gran humor y vi muchas de sus películas porque eran las que pasaban en televisión abierta, tampoco fue de mis predilectos. De quien sí disfrutaba más sus cintas, sobre todo en la época del blanco y negro, fue de Cantinflas, antes de que el color lo hiciera protagonizar historias que intentaban congraciarse con la política mexicana.

Cantinflas

Ya en tiempos más modernos, puedo retomar a La India María, es aquellos años de mi niñez durante un tiempo también fui fan de sus películas, obras como Tonta tonta pero no tanto, La señora presidenta o El miedo no anda en burro era parte de mi colección de VHS. Y claro, como olvidar a quien me ha dado uno de las entradas más visitadas en este blog, la gran Evita Muñoz “Chachita” y su proverbial personaje de Hermelinda Linda, así como una interpretación en otra película de ella que me gusta mucho llamada Día de madres.Tonta tonta

En fin, que entre mi abuelo materno (en mínima medida porque vivíamos en diferentes estados en ese tiempo y casi no lo veía), mi papá, un poco mi mamá y yo mismo, hicieron que durante un tiempo de mi infancia fuera muy afecto a las películas mexicanas de la época de oro. Ese cine nacional que nos llenaba de orgullo en todas las latitudes y que desgraciadamente se ha perdido. Dicho gusto es algo que recuerdo con cariño pero que pensándolo bien era algo raro, no creo que sea muy común que un niño de diez años gustara de películas en blanco y negro filmadas más de 50 años atrás, pero así era y la verdad creo que es momento de darme un tiempo para volver a ver aquellas películas de antaño que, por alguna misteriosa razón, se convirtieron en parte de mi infancia.

Afer The Rain

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Título Original: 恋は雨上がりのように(Koi wa ameagari no you ni)
Género(s): Drama, Romance, Slice of Life, Chick-Flick.
Director: Ayumu Watanabe.
Estudio: Wit Studios.
Emisión: 2018.
Duración: 12 episodios.
Extras:

Revisando el catálogo de anime en Prime Video descubrí esta pequeña joya. Cuando me enteré hace años de que se adaptaría la historia del manga de Jun Mayuzuki y leí la sinopsis de la historia me interesó de inmediato, pues no es muy común que se aborden relaciones románticas ente chicas de 17 años y hombres de 45, así que con esa simple premisa la anoté en mi lista de “animes que espero ver algún día”, y cuando la encontré en el mentado servicio de streaming no dude en verla de inmediato.

La serie me dejó un muy agradable sabor de boca y de hecho me gustó tanto que se ganó un lugar en mi top 10 de anime favoritos, pues si bien en una historia de romance con toques de chick-flick y con formato Slice of Life, nos muestra personajes muy agradables que viven un momento difícil en sus vidas y con un pasado cuyo peso les hace sentirse perdidos, pero el vago romance que se perfila entre ambos es suficiente para darles un aliciente para salir adelante. Siendo honesto pensaba que la historia explotaría más el morbo de la diferencia de edad, pero de hecho es una historia muy tierna y limpia, que aboga a los sentimientos puros e inexpertos de la protagonista, pero que logra dar un vuelco para mostrarnos también la vida y problemas del su contraparte masculina.

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La historia gira en torno a Akira Tachibana, una chica de 17 que formaba parte del equipo de atletismo en su preparatoria, el cual tuvo que abandonar cuando sufrió una lesión en el tendón de Aquiles que la incapacito para correr. Sintiéndose desanimada por dejar el equipo y sobre todo porque era la mejor y tenía el record más rápido entre sus compañeras, decide refugiarse en el trabajo y se incorpora como mesera en un pequeño restaurante familiar a cargo del señor Masami Kôndo, un hombre de 45 años divorciado y con un hijo.

Tachibana termina por enamorarse del señor Kôndo y termina por declararle sus sentimientos. Su jefe al tomar en cuenta que es mucho menor no le da entrada pero acepta tener una cita con ella, lo cual desencadena una amistad entre ambos y su mutua compañía y apoyo les ayuda a salir adelante, Tachiba adquiere la fuerza para afrontar su lesión y el señor Kôndo recupera el coraje y la motivación para retomar su sueño, ser escritor. Así, sin elementos sexuales ni eróticos vemos cómo el amor tierno e inocente se convierte en el apoyo vital de ambos personajes y eso para mí fue lo más hermoso de la serie.

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Se pueden discutir varias cosas sobre el anime, de hecho da para hacerlo a pesar de que en apariencia no es tan profundo, pero eso lo dejo para otra ocasión pues la serie me gustó tanto que sin duda pienso hablar de ella de nuevo aquí en el blog y quizás en algún momento también en el podcast. Pero una de la cosas que sí puedo mencionar es que si bien la protagonista es una menor de edad la serie logra un mejor enchanche con un público mayor, entres 25 y 35 años, pues ya con esa edad es posible empatizar con ambos personajes, con la idílica atracción de Tachibana por su jefe causada en parte como mecanismo para sobrellevar su depresión producto de su lesión y con la desesperanza y perdida de esos deseos de juventud del señor Kôndo, quien llegó a una edad en la que decidió simplemente olvidar sus sueños y vivir el día a día en la monotonía de la rutina y el trabajo.

Una de las cosas que más me gustaron fue justo que si bien Tachibana siente algo muy intensó por su jefe al grado de que es ella quien da el paso de declararle sus sentimiento lo hace de una forma torpe y espera que ser correspondida de una forma en delata su inmadurez, algo que todos hemos pasado, pues cuando jóvenes creemos que las relaciones románticas deben ser de cierta forma y cuando crecemos nos damos cuenta de que no, además de que las necesidades afectivas cambian con la edad, por eso me gustó la serie, porque esa sola presencia y cercanía de ambos personajes es suficiente para cambiarlos, sin apelar a nada romántico ni sexual, aunque no deja de haber ciertas menciones muy discretas al respecto.

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También es importante mencionar cómo al principio todo se enfoca en Tachibana, pero luego se da el tiempo suficiente para que también conozcamos al señor Kôndo y entender cómo es su vida, por qué acabó como gerente en lugar de perseguir su sueño y cómo el paso de los años y la perdida de la juventud puede empezar a pesar tanto que te hacen entrar en una espira depresiva. Y aunque la serie no es deprimente para nada, ninguno de los dos personajes está realmente feliz y es esa búsqueda de la felicidad lo que se aborda en la historia, que como buen Slice of life nos muestra una etapa difícil en ambos protagonista, quienes empiezan a cambiar gracias el encuentro entre ambos.

Cambe mencionar que la animación me gustó mucho, el diseño de personajes cae en lo genérico del anime actual pero le va muy bien, los escenario cumplen y ese juego de representar las emociones con el clima lluvioso le da un toque adecuado de sentimentalismo medio simbólico que resulta agradable, además de que las escenas de lluvia y cielos con nubes personalmente me suelen gustar. Y hablando de los aspectos técnicos, la música es maravillosa, hace mucho tiempo que no me gustaba tanto un ending y aunque el opening no se queda atrás, es Ref:rain de Aimer como canción de cierre la que más me gustó, tanto que no he podido dejar de escucharla desde que empecerá ver la serie, incluso me ayudó a superar la adicción a One Last Kiss de Utada Hikaru. Sin duda una historia grandiosa que recomiendo a todos a quienes les gusten los animes de romance ligero con un leve trasfondo triste y una poco convencional relación entre una chica de 17 años y un hombre de 45.

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Terminé The Office US

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Luego de la depresión que era de esperarse al por fin ver Rebuild of Evangelion 3.0+1.0: Thice Upon a Time, necesitaba ver algo que me alegrar un poco y ya que tenía que aprovechar en mes gratis de Prime Video y notando que dicho servicio de streaming tenía la serie complete de The Office pues decidí que era el mejor momento para al fin ver la última temporada, pues esa nunca la subieron a Netflix en donde hace ya varios años había visto las otras ocho. Y si bien ya había visto como el 70% de la temporada a base de puros clips que el canal oficial de la serie en YouTube (quien sea que se encargue de ese canal ha hecho un estupendo trabajo) me agradó por fin darle un cierre definitivo a la que considero una de mis tres series de acción real favoritas.

Luego de la salida de Steve Carell como protagonista de la serie interpretando a Michael Scott, el jefe de Dunder Mifflin, el nivel de comedia bajó un poco, no tanto como ocurre en las temporadas cuatro y cinco en Community pero si fue notoria su ausencia, y más que nada, me desagradó mucho tener que lidiar con un constante ir y venir de generantes regionales, pues vimos desfilar a una gran cantidad de personajes y ninguno de ellos fue lo suficientemente carismático, pero en la última temporada ya no hay nada de eso, sólo los viejos trabajadores de la oficina con quienes por nueve años ya nos habíamos encariñado.

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La serie tiene un gran final, nostálgico y emotivo que hace justicia a todos sus personajes, la comedia es buena y en general la temporada recupera mucho de esa vieja esencia, además de que rompe por momentos con la aparente cuarta pared mostrando interacción entre los trabajadores de la oficina y las personas que filman el documental y eso me resultó un gran toque. El regreso de viejos personajes que había estado ausentes toda la temporada también ayuda a dar un cierre, aun cuando fuese mediante cameos del último episodio.

The Office US es una de mis series favoritas, pues quién diría que en un aburrido trabajo de oficina en una empresa que vende papel pudiesen vivirse momentos tan divertidos a manos de sus excéntricos, locos y muchas veces raros trabajadores. La serie duró tanto tiempo que uno como espectador se encariño tanto con los personajes y los vio crecer, madurar, reír, llorar, formar una familia, tener logros y pérdidas, arruinar relaciones o recuperarlas, en fin, todo lo que una vida entera es capaz de ofrecer, con comedia constante y un humor que resultó innovador en su tiempo, dejando la fórmula del sitcom noventero con risas enlatadas en cámara fija, pues aquí la cámara al hombro so pretexto de ser un documental le dio una vividez enorme que en parte fue una de las razones de éxito de la serie. Pero ya será a futuro cuando hable a fondo de tan entrañable comedia.

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Al fin vi Tengen Toppa Gurren-Lagann

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Van tres animes que veo y por los cuales esperé mucho tiempo, series icónica que se han ganado un lugar importante entre los fans de la animación japonesa y que por dicha razón el hype que tenía por verlas era mucho, pero que por el tiempo en que las vi y lo mucho que esperaba de ellas terminé por no encontrarlas tan geniales como debería o como lo habría hecho si las hubiese visto cuando era más joven. La primera de ellas fue Your Name, de Makoto Shinkai, la película me gustó y es muy buena, pero me sigo quedando con 5 centímetros por segundo como mi favorita, la segunda fue Madoka, una serie grandioso y que sí me gustó mucho, pero de la que estoy totalmente convencido que hubiese disfrutado mucho más de haberla visto cuando era adolescente, los mismo que la tercera, Tengen Toppa Gurren-Lagann, que de las tres que acabo de mencionar es la que menos me gustó.

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Y no hay que confundirnos, Gurren-Lagaan es muy buena, es un excelente Shônen que no me extraña sea el favorito de muchos, de haberla visto cuando iba en la prepa me habría fascinado, pero resulta que la empecé a ver después de The Midnight Gospel y si bien me pareció entretenida no la terminé de corrido, Rebuild of Evangelion 3.0+1.0 se atravesó y sin duda le quitó mucha de esa magia. Gurren-Lagann es el clásico ejemplo del Shônen donde los protagonistas empiezan abajo y van incrementando su poder hasta un nivel inconmensurable que está más allá de lo que cualquier otro anime mecha haya mostrado, con robots del tamaño de universos que pelean entre dimensiones, cosa de que adolescente me habría atrapado, pero ya estoy en un edad en donde Thrice Upon a Time (como cierre de la franquicia más grande entre los animes de robots gigantes) tiene más para ofrecerme que un simple despliegue de poder cada ver más poderoso que el anterior.

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La importancia de Tengen Toppa también está en que si bien es un anime de Gainax, fue el parteaguas para los animadores y directores que años después conformaron Studio Trigger, cuyas obras de hecho me han gustado más que la mentada serie de robots, como Little Witch Academia. En fin, si hay alguna serie que deseen ver háganlo y no espere ni se tarden tantos años como yo, si almacenan esa emoción por mucho tiempo sus expectativas podrían terminar por arruinarles una obra que si hubiesen visto en el momento adecuado de su vida habrían podido disfrutar muchísimo.

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El juego del Calamar

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Título Original: 오징어 게임 (Ojingeo Geim).
Género(s): Drama, Suspenso.
Creador: Hwang Dong-hyuk.
Emisión: 2021.
Duración: 9 episodios.
Extras:

Tuve que ver dos veces la serie antes de escribir sobre ella, y no fue tanto porque fuese difícil de entender o en extremo profunda, a pesar de que aborda temas socioeconómicos muy particulares de los cuales podemos hablar largo y tendido, sino por lo genial que es, lo mucho que se disfruta y la excelente forma de generar esa atmósfera entre aterradora y emocionante, porque si bien partir de la idea de jugar juegos mortales a cambio de una fortuna es algo que ya de entrada te atrapa, el suspenso de poder morir antes el menor error logra darle un toque aterrador aún a pesar de la cromática circense que muestra.

Y si bien el tema no es algo nuevo, pues ya en obras famosas como Los Juegos del Hambre vemos a personas competir por la gloria eterna en enfrentamientos a muerte o en la un poco menos conocida obra japonesa Kami-sama no Iu Tôri donde un grupo de escolares se ve obligados a jugar juegos infantiles con resultados letales, la peculiaridad de El Juego del Calamar es hacer un excelente manejo de un tema ya visto y darle un giro lo suficientemente diferente para sentirse original, sin olvidar el aspecto de que mezcla juegos inocentes con violencia extrema, muy adecuados toque de Gore y un trasfondo socioeconómico muy denso que refleja parte de la realidad surcoreana en torno a los problemas económicos y el endeudamiento.

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La historia sigue a Seong Gi-hu, a quien conoceremos mejor como el jugador 456, un chofer fracasado que vive con su madre luego de divorciarse y cuya adicción a las apuestas lo ha llevado a la bancarrota. Con las deudas hasta el cuello y su propia seguridad física en manos de sus acreedores, es invitado a participar en una competencia donde jugará algunos juegos infantiles, si pierde será eliminado, si gana podrá llevarse una fortuna tan grande que no volverá a tener problemas económicas en toda la vida. Seong no se interesa en los juegos hasta que la diabetes de su madre se agrava y decide participar pues con el dinero podrá pagarle su tratamiento.

Seong es llevado por un hombre ataviado con un misterioso traje rosa, es sedado y trasportado hasta una isla donde él y otras 455 personas son obligadas a jugar juegos de su infancia. Lo que no saber y pronto descubrirán con horror, es que aquellos que pierdan o no signan las reglas del juego serán asesinaos a sangre fría. Por cada muerto el premio acumulado crece, así que sí desean salir de allí como millonarios deberán salir con vida y vencer al resto. Sin embargo, jugar sólo es más difícil y pronto los grupos se empiezan a formar.

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Junto a nuestro protagonista están Oh Il-nam, el jugador número 1, es más anciano de todo y que tras ser diagnosticado con un tumor cerebral decide jugar su suerte en aquel juego, Cho Snag-woo, el jugador 218, amigo de la infancia de Seong, un hombre muy listo pero arruinado por malversación de fondos, el inmigrante pakistaní Abdul Ali, jugador 199, un hombre honesto, noble y físicamente muy fuerte, y finalmente la desertora norcoreana Kang Soe-byeok, jugadora 67, quien quiere el dinero para sacar a su familia de Corea del Norte y darles una mejor vida.

Justo conforman un equipo muy balanceado, pues tienen liderazgo, inteligencia, experiencia y fuerza, habilidades que les servirán en mayor o menos manera en los diferentes juegos. Los juegos, por su parte, son cosas que los niños surcoreanos solían jugar en el pasado, así que no son para nada difíciles ni complicados, pero dado que no todos pueden ganar, cada nuevo juego es un enfrentamiento a muerte, donde deberán jugar sólo o en equipo. Aunque el peligro de morir no sólo está en la arena de juego, sino en el propio dormitorio, pues Jang Deok-su, jugador 101, y su grupo de mafiosos, saber que mientras más personas maten en los dormitorios, más posibilidades de ganar tendrán en los juegos, así que la estancia en aquel lugar se transforma en una lucha por sobrevivir en todo momento.

El Juego del Calamar 4

Además de los juegos, cuyo peculiar morbo ya es de por si atractivo, pues esa combinación de inocencia infantil con las brutales y sangrientas muertes que tienen algunos le da un toque que te engancha de inmediato a la pantalla, tenemos un doble trasfondo en la historia. Por una parte, el intento de un policía por infiltrarse en aquella isla y descubrir quién está detrás de esos juegos siniestros y, más importantes aún, dónde está su hermano, quien recibiera una invitación para participar. La parte del policía infiltrado es emocionante y permite ir debelando cosas sobre el ameno de los juegos, como la jerarquía de quienes trabajan allí, el tiempo que llevan haciendo eso, las personas que financian todo e incluso lo que pasa con los muertos, aunque termina un poco abruptamente y deja una sanción de que Hwang Jun-ho, el policía infiltrado, tenía algo más pada dar.

El otro trasfondo está el quienes financian los juegos, los llamados VIP, personas extremadamente adineradas que pagan por ver los juegos e incluso por asistir y presenciarlos en vivo. Millonarios sin escrúpulos cuyo poder les permite jugar con la vida de las personas como si aportarán con cualquier cosa. Y de aquí es donde podemos empezar de desentrañar parte de las críticas sociales que hace la serie. Por ejemplo, es especula con el tráfico de órganos que recuperan de los muertos, se habla de esas necesidades perversas que los millonarios buscan satisfacer y que surgen justamente debido a que como sus fortunas pueden darles todo, cada vez requieres de satisfacer nuevos y enfermizos fetiches para no sentirse aburridos. Tenemos obviamente la lucha por sobrevivir por parte de los jugadores y el tema de la empatía, donde a veces tendrás que matar a tus allegados para sobrevivir tú y otras ayudarlos para sobrevivir ambos.

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No quiero extenderme en esta parte de los temas que la obra aborda, pues me encantaría hacerlo en un podcast a futuro donde podemos hablar abiertamente con spoilers, pero una de las cosas que me hiso pensar este juego fue ¿a dónde y qué hace con todas esas personas que desaparecen y luego encuentran muertos en países como México? En realmente el feminicidio un acto de matar por el simplemente hecho de hacerlo o hay alguna otra utilidad que le den a esas víctimas. Tráfico de órganos, explotación sexual, canibalismo, entre muchas otras perversiones son las que series como esta no invitan a reflexionar, pues si hay alguien deseoso de hacer algo y con el poder para pagarlo, seguro habrá alguien dispuesto a satisfacer sus más retorcidas fantasías.

El tema de la crítica a los problemas económicos de los surcoreanos creo es que es súper obvia, el endeudamiento obviamente obliga a las personas a hacer cosas que no desearían, a vender sus cuerpos, su tiempo o su dignidad a cambio de unas monedas. Eso es justamente de lo que los millonarios se aprovechan al darles, aparentemente, la oportunidad de decidir cambiar su vida, pero en realidad los están usando para su propio beneficio como carne que es útil en tanto satisface las necesidades de sus jefes, pero descartable cuando deje de ser útil, tal cual hace el capitalismo con la clase trabajadora. Sin duda una serie grandiosa, pues además de los temas ya mencionados tiene una excelente calidad en cuanto a su producción, geniales escenarios, grandes actuaciones y una muy buena banda sonora, sin duda una de las mejores series del año que no se deberían perder.

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The Midnight Gospel

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Título Original: The Midnight Gospel.
Género(s): Podcast, Ciencia Ficción Psicodélica
Director: Pendleton Ward.
Emisión: 2020.
Duración: 8 episodios.
Extras:

Había escuchado interesantes comentarios sobre esta serie, en su mayoría decían que era muy buena aunque estaba pachequísima. Y en efecto, luego de decidirme a verla pude constatar que sí, es una serie rara que se pone a divagar hablando diversos temas que van desde el uso de drogas, la muerte, la magia, lo espiritual y la vida en general, desde una perspectiva un tanto filosófica pero más que nada introspectiva. Aunque si hay que ser honesto, The Midnight Gospel no es una serie de televisión, es un podcast animado.

La serie se basa en las entrevistas hechas por Duncan Trussell en su propio podcast a una serie de personalidad que se han dedicado a temas como la magia negra o que han defendido ideas como la legalización de las drogas o la eutanasia, incluso la propia madre de Duncan es parte del programa y habla sobre su propia experiencia enfrentando un cáncer terminal. Duncan además da voz al personaje principal, un spacecaster llamado Clancy Gilroy, quien con ayuda de su simulador viaja a diferentes mundos psicodélicos en donde vive aventuras al lado del personaje en turno al que le toca entrevistar.

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La idea de viajar a estos mundos e fabulosa y de la justo ese toque extraño, pues los mundos me recuerdan a las obras de Moebius o a las historias de la revista Metal Hurlan, pero con colores pastel súper llamativos y el diseño clásico de Pendleton Ward creador de Hora de Aventura. Que justamente, al ver su nombre en los créditos me interesó ver la serie, además de que su estilo es inconfundible y dado que Hora de Aventura me gustó mucho sabía que una serie para adultos creada por él no me iba a decepcionar. Aunque Ward no fue la personalidad que más llamó mi atención, sino la de Chris Prinosky, productor ejecutivo, quien para quienes no lo sepan es el creador y director de mi seria favorita de toda la vida, la inigualable Downtown de MTV. Con esa triada de personalidades participando la seria no podía sino ser buena.

La forma en que los personajes hablar sobre sus temas de interés en cuestión es sumamente interesante y no siempre va del todo acorde a lo que vemos en pantalla, incluso podríamos decir que la serie se puede leer de dos formas, como podcast, simplemente escuchando de aquello de lo que hablan sin la necesidad de ver la animación, y como obra animada en la que podemos enfocarnos en las aventuras que viven, las cuales cambian en cada episodio porque son mundos y personajes distintos, y en la que incluso podemos dejar de lado el tema que se discute, aunque la dupla de ambos elementos es sin duda lo que le da esa esencia tan loca pero atractiva a la obra.

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He escuchado que algunos consideran que la obra no es realmente profunda o cuestionan sobre si es verdad lo es o sólo lo aparenta, pero desde mis perspectiva eso ni siquiera debería importar, no necesitas saber si la obra es realmente profunda o si los personajes sólo hablar intricadamente para parecer complejos e intelectuales, lo importante es lo que los diálogos y la animación en conjunto te hacen sentir, a mí por ejemplo no me gustaron todos los temas, algunos no me interesaron en lo más mínimo y otro sí, algunos temas me parecieron muy interesante pero la animación no logró atraparme y otros pocos pe fascinaron por ambos aspectos. Y sin duda aquellos temas relacionados con la muerte, como la eutanasia o el cáncer, me fascinaron, me hicieron sentir relajado y cómo escuchando hablar del tema como si de una charla de tanatología se tratase.

Para mí esa fue la parte más importante de la serie, hablar con naturalidad de la muerte lo suficiente como para permitirse sentir cómo y tranquilo con la idea de que eventualmente perderás a algunos de tus seres queridos o que tú mismo podría llegar a enfrentar una enfermedad terminal, estar en paz con esos aspectos inevitables de la vida no harán estar más tranquilos cual el momento llegue y considero que la serie podría ayudar a quienes pasar por algún duelo. Y justo cuando leí alguna reseña donde decían que el personaje entrevistaba a su mamá enferma de cáncer terminal fue que me decidí a verla. La serie me gustó tanto visual como auditivamente, sea su profundidad falsa y honesta lo importante es disfrutarle a los invitados divagar con el tema, no todos te va a interesar justo como en un podcast, pero si algún te sirve toma aquello que te sea de utilidad.

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Pacific Rim: Tierra de Nadie

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Título Original: パシフィック・リム: 暗黒の大陸 (Pashifikku Rimu Ankoku no Tairiku)
Género(s): Mecha, Kaijus, Ciencia Ficción.
Director: Hiroyuki Hayashi.
Estudio: Polygon Pictures.
Emisión: 2021.
Duración: 7 episodios.
Extras:

Cuando se entrenó Pacific Rim fue un gran éxito, amantes de la Ciencia Ficción, el cine de grandes monstruos y el anime Mecha disfrutamos la maravillosa obra dirigida por Guillermo del Toro. El estándar que el mexicano puse con respecto a la calidad en este tipo de obra fue tan alto que ninguna de las posteriores obras de la misma franquicia ha logrado igualar. Ni la secuela Uprising y mucho menos la versión animada. No obstante, la fama de la obra primigenia es tal que es casi seguro que va a garantizar un interés en la audiencia para ver cualquier obra que vuelva a enfrentar a Kaijus y Jeagers.

Tierra de nadie es la versión animada de la obra y nos sitúa en Australia, lugar que por su ubicación el en cintura de fuego de Pacífico (el Pacific Rim en inglés) es muy susceptible a los ataques de los Kaijus, como es posible ver desde la primer obra. En la isla las cosas salen tan mal que gran parte de la población es exterminada y las gigantescas bestias deambulan por el asolado país del sur. Un grupo de niños y adolescentes son rescatados por uno de los últimos Jeager en acción, cuyos pilotos son los padres de Hayley y Taylor. Ambos hermanos justo a los otros sobrevivientes son dejados en un lugar aislado ocultos de las amenazas, donde viven por años esperando el regreso de sus padres.

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Hayley descubre que aquel lugar donde se oculta está sobre una base de entrenamiento, en donde encuentra un Jeager llamado Atlas Destroyer, que ella y su hermano activan por error llamando la atención de un Kaiju que llega y destruye su refugio, matando al resto de sobreviviente que se ocultaba allí, Hayley y su hermano se ven obligado a salir al desolado exterior para buscar a sus padres, pero lo que encuentran en un mundo hostil donde no sólo las titánicas bestias son una amenaza, sino los grupos humanos que deambulan por los devastados parajes australianos.

Si bien me parecía interesante la idea de una adaptación animada de Pacific Rim, la verdad es que para nada me convenció esta serie. La premisa hace de lado a los monstruos y termina por centrarse en los grupos humanos rivales y sus intenciones secretas de experimentar con los Kaijus al grado de que los que en realidad queremos ver, los monstruos gigantes destruyendo y batallando con los robots, pasa a segundo plano y eso para mí es un grave error, pus incluso Uprising tiene más acción en batalla aunque la premisa, actuación y dirección no sean buenas.

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La ambientación madamaxianda donde las gente se ha vuelto ruda para sobrevivir al entorno tampoco me convenció, de hecho me costó algo de trabajo terminar de ver la serie y no me llama la atención ver la segunda temporada que ya se anunció. Este tipo de obras, como Godzilla nos ha enseñado, no necesitan de grandes y complejas elucubraciones por parte de los personajes humanos, son los monstruos y los robots lo que importa, incluso en obras donde sí se profundiza en la psique de los humanos como en Evangelion, nunca se hacen de lado a los bestiales enemigos ni a las armas robóticas que creamos para defendernos, y que es justo lo que vemos en Pacific Rim, un poco de drama en los personajes pero los robots y los monstruos invasores van por delante todo el tiempo.

La música y la animación tampoco me convencieron, digo, no es que estén del todo mal, simplemente que no es el estilo que suele gustarme, de hecho si el desarrollo de la historia y la construcción de los personajes fuese mejor no habría importante tanto la calidad técnica. Y en lo que respecta a los personajes se resultaron muy planos y sin un gran aporte. En general la obra no aporta nada nuevo al mundo del Pacific Rim, aunque en la segunda temporada seguro incluya cosas nuevas nunca vistas, pero esas cosas que podría incluir seguro no serán del agrada de los fieles seguidores de la obra original. Si no les gustó Uprising menos les va a gustar esta serie, pero si la secuela de cines no les molestó podrían darle una oportunidad a la adaptación animada.

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Las formas antiguas

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Título Original: The Old Ways.
Género(s): Sobrenatural.
Director: Christopher Alender.
Emisión: 2020.
Duración: 130 minutos.
Extras:

Inspirada en la tradición de brujos de Catemaco en el estado de Veracruz, México, Las formas antiguas es una película sobre posesiones, donde un demonio entra en el cuerpo de una chica luego de que visitara una cueva conocida como La Boca, lugar maldito y prohibido por los lugareños. Y si bien las películas sobre demonios que secuestran el alma de un pobre desafortunado son muy comunes en la actualidad, la novedad es mostrar este tema desde la perspectiva del folclore mexicano, visto desde el lento de un estadounidense, claro está.

La película es muy buena en el aspecto técnico, personalmente me gustó la fotografía y los efectos especiales que mantienen ese toque sobrenatural y místico de la tradición mexicana. La música y en general todo el apartado sonoro hacen un trabajo excelente y logran evocar ese aire aterrador por momentos, que lamentablemente la trama y actuación no saber potenciar, pus si bien la actriz que encarna a la bruja da perfectamente el toque de madre mexicana, el resto de actores se sienten más con esa esencia de latinos de Miami, lo que le resta algo de credibilidad a la aparente tradición de Catemaco que tratan de emular.

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La historia gira en torno a Cristina, una periodista que regresa a su pueblo de origen luego de muchos años en Los Ángeles. Cristina visita una cueva maldita conocida como La Boca a pesar de las advertencias de su prima Miranda, luego de eso termina en la casa de una extraña señora y su hijo, quienes mantienen a la joven secuestrada pues al parecer un demonio vive dentro de ella. Al principio Cristina no les cree nada y cree que están loco o son secuestradores, pero con forme avanzan los días las manifestaciones de aquel demonio se hacen más fuertes, tanto que ella termina por creer y le pide a Luz, la anciana bruja que lleve a cabo el ritual definitivo para librarla del ente maligno.

El filme juega por momento con la idea de confundirnos entre si todo es real o los captores están drogando secretamente a Cristina para hacerla ver visiones, no obstante, todo resulta cierto y Postehki, el demonio, termina manifestándose ante ellos y luchando contra Luz por el alma de Cristina regalándonos una grandiosa escena donde la bruja y el demonio se enfrentan.

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La película es regular, tiene algunos momentos muy bueno como el enfrentamiento entre la bruja y el demonio y otros algo mediocres que no aportan nada y son mero relleno. El inicio se siente mucho con esa esencia gringa al hacernos dudar de si lo sobrenatural es real o no, pero la segunda mitad explota el folclore mexicano de una mejor manera. Por algunas cuantas escenas vale la pena pero tampoco es la gran maravilla, aunque no la considero una película mala pues si tomamos en cuenta el género y sobre todo el tema de las posesiones, creo que la mayoría de películas sobre eso son de regulares a pésimas.

Algo que sí debemos destacar es que no es un documental que intente difundir la cultura ni tradiciones del pueblo de Catemaco, toma el lugar y la tradición de sus brujos como inspiración pero nada más, es una película estadounidense, de director, escritores y actores que no son mexicanos, que tiene ascendencia latina sí, pero ni siquiera fue filmada en nuestro país, sino el Puerto Rico. Con eso en consideración no veo por qué criticar la los errores al mostrar la tradiciones y el misticismo del mandato pueblo de Veracruz, es obvio que todo es una interpretación desde una perspectiva anglosajona, eso se nota desde el principio.

The Old Ways 2

Lo que sí considero rescatable e importante de destacar es que el hecho de retomar el misticismo de un lugar en México como inspiración para el desarrollo de la historia es algún que personalmente considero positivo, pues la mayoría de ese tipo de películas siempre lo hace desde un tradición medieval europea sobre demonios y brujas, que se empiece a abordar desde el folclore latinoamericano o africano sería novedoso y muy rico si tomamos en cuenta lo extensas que son ambas regiones en cuento a ese tipo de expresiones culturales.

En conclusión, la película está bien, personalmente incluso diría que es buena a secas, el exotismo que le da ver a los demonios y brujas desde la tradición de Catemaco es novedoso y me agrada, y mientras no confundamos esto con un documental antropológico y nos quede claro que es ficción (y ni siquiera ficción Mexicana como para exigirle ser fiel a las expresiones culturales de la región) no habría por qué quejarnos de los errores que podría tener en cuanto a lo bien o mal que esté representados los brujos veracruzanos. Tiene algunas escenas buenas, el ritual que la bruja hace cuando se enfrente a Postehki me gustó y puede resultar una recomendación atractiva si les gusta el género y quieren ver algo que no sea de la franquicia de Annabelle.

The Old Ways 5

Dawn of the Dead

Down of the Dead 0

Título Original: Down of the Dead.
Género(s): Survival-Horror.
Director: Zack Snyder.
Emisión: 2004.
Duración: 100 minutos.
Extras:

Basada en la obra homónima que George A. Romero dirigió en 1978, El Amanecer de los Muertos es una de las cintas sobre zombis más populares de principios de siglo y que a pesar de no ser súper profunda se ha ganado un lugar entre los fans del género, pues si bien retoma muchos de los clichés más conocidos en este tipo de obras, es lo suficientemente entretenida para disfrutar en estas épocas donde la muerte y el terror están de moda.

La serie tiene un buen nivel técnico, nada de que asombrarse pero todo funciona bien. Las actuaciones cumple de manera adecuada y el diseño de los zombis responde a lo que eran común en esa época y que fue popularizado por cintas como 28 Days Later, aunque aquí por momentos lucen un poco más como una parodia cómica. La música no es algo que destaque pero tampoco está mal y aunque apoya a generar el ambiente de tensión y miedo en ningún momento la cinta logra impactarnos de tal modo que nos de miedo, es más que nada una obra survival-horror que apela más a la acción.

Down of the Dead 6

La historia sigue a un grupo de sobreviviente luego de que un apocalipsis zombi iniciará sin previo aviso. En una noche la ciudad se vuelve un caos y miles de personas mueren a causa de una infección desconocida para luego renacer como zombis. Cinco extraños se encuentran en la calle mientras huyen de los muertos que atestan la ciudad. Para su fortuna logran entrar a un centro comercial donde se refugian y se encuentran a más sobrevivientes.

Los días pasan y la vida empieza a tornase rutinaria, pues si bien están atrapados dentro del centro tienen comida y todo tipo de cosas para distraerse. No obstante, saben que no pueden permanecer allí para siempre además de que no parece que la ayuda vaya a llegar nunca, por lo que idean un plan para salir de allí y llegar hasta el puerto, donde tomarán el yate de uno de ellos y zarparan a mar abierto en busca de una isla libre de la plaga. Para ello refuerzan dos camiones y los convierten en acorazados.

Down of the Dead 5

Pero antes de poner su plan en macha deben ayudar a su amigo Andy, un tipo dueño de una armería que está enfrente del centro comercial, sin embargo, un mar de zombis les impide rescatarlo. Dado que Andy es un miembro importante y necesitan sus armas idean un plan para ayudarlo y evitar que muera de hambre, pero las cosas se complican y deben apresurar su escape cuando la plaga de muertos viviente entra al centro comercial.

La historia es simple, tiene tensión y acción aunque no mucho terror, quizás al principio sí logra un poco ese ambiente cuando la plaga inicia y no sabemos nada, aunque como recurre a todos los estereotipos ya conocidos, como la infección mediante mordidas, no hay nada que nos sorprenda y todo lo que acurre es de esperarse. Aunque la historia de Andy, un extra incluido en el DVD donde vemos su lucha personal por sobrevivir, es más envolvente ya que ver al hombre sólo genera un ambiente de más tensión. El resto de la película es entretenida y una buena opción para pasar la tarde sin mayor pretensión que ver algo de zombis aunque no sea de lo más aterrador.

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Algo de lo que podemos comentar es la diversidad de personalidades entre los personajes, que también es ya una herramienta muy usada en este tipo de cintas donde hay un reparto amplio y donde desde el inicio sabemos que muchos van a morir, aun así logran balancear muy bien las cosas, pues nos dan a los personajes racionales, a la que sabe algo de medicina, al policía, a los tipos malos, a los torpes y tontos, al insoportable, al líder y a los que no aportan nada y serán los primeros en morir. Todo muy de fórmula pero que no resulta molesto al ver en pantalla.

Es una historia ligera que no aporta nada nuevo al género, predecible, con más acción que terror y que por momentos pareciera una película que busca satirizar de manera cómica este tipo de historias pero sin realmente serlo, sino que al ser tan tibia da esa impresión, aunque como una película palomera para pasar la tarde y poner de fondo cuando queramos algo con un leve toque de terror no está mal. Incluso para iniciar a quienes no soportan este tipo de películas pues les dan mucho miedo me parece una buena opción, a los amantes y conocedores más exigentes del género seguro no va a gustarles tanto.

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Dorohedoro (Podcast)

Dorohedoro 2

Aprovechando que hoy es Halloween, les dejamos el podcast de este mes que se trata sobre Dorohedoro, una serie donde los hechiceros entran al mundo humano para practicar su magia, dejando a los humanos con terribles secuelas. Demonios, hechiceros, magia y una estética Cyberpunk es lo que nos regala este anime, así que guiados por Caiman, un hombre con cabeza de lagarto, sumerjámonos en Hole, la ciudad asolada por el humo mágico.

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