Mimic

Título Original: Mimic.
Género(s): Ciencia Ficción / Biopunk, Terror, Thriller.
Director: Guillermo del Toro.
Emisión: 1997.
Duración: 106 minutos.
Extras:

Mimic fue quizás la primera película que puso en el mapa de los grandes directores de Ficción a Guillermo del Toro. Basada en el libro de Donald A. Wollheim, el filme nos sumerge en una terrorífica travesía para tratar de contener a unos insectos mutantes, con bien pensados toques de violencia y una atmósfera de Thriller policíaco que con seguridad te mantendrá al borde del asiendo desde los primeros minutos.

La calidad de filme es asombrosa, pues a pesar de hacer uso de efectos digitales estos no lucen artificiales en ningún momento, además de que los efectos prácticos y los modelos reales complementan el realismo de la obra. La música es muy de temática policiaca y genera ese ambiente de terror que la hace más lúgubre de lo que podría parecer en un principio. Las actuaciones están bien aunque los personajes en realidad no son tan sobresalientes. Finalmente, el aspecto mejor logrado son los escenarios, pues nos adentran de manera sublime en los laberínticos túneles del metro de Nueva York y nos sitúan en escenarios oscuros que nunca demeritan la calidad visual, por el contrario, ayudan a disimular mejor los efectos especiales.

La historia toma lugar en Manhattan, donde una desconocida enfermedad se ha propagado rápidamente entre los infantes. Cientos de niños mueren a diario y no parece haber esperanza de encontrar una cura ni una vacuna. Sin embargo, los científicos han identificado a los portadores y tienen un plan para controlar la epidemia. Al parecer son las cucarachas quienes esparcen el patógeno, así que con ayuda de la ingeniería genética, la entomóloga Susan Tyler (Mira Sorvino) ha creado a unos híbridos con ADN de termita y mantis. Los Judas, como han llamado al nuevo insecto, liberan una sustancia que aniquila por completo a las cucarachas.

Tres años después, la letal enfermedad ha sido erradicada y los niños pueden jugar en las calles nuevamente. Pero una extraña silueta merodea por los callejones atacando a los incautos que tengan la mala fortuna de toparse con ella. Susan ha formado una familia, se ha casado con el Dr. Peter Mann (Jeremy Northman) y pretenden tener un hijo, pero el descubrimiento fortuito de unos niños hace pensar a Susan que el haber liberado a los insectos pudo no haber sido una buena idea. Los Judas eran estériles y morirían en poco más de cien días, pero al parecer la prisa por curar la enfermedad evitó que pensaran en las consecuencias de manipular el ADN. Los insectos han mutado en enormes criaturas, tienen el tamaño de un humano, son sumamente inteligentes y más fuertes y rápidos que nosotros.

Susan, Peter, un policía de la estación del metro y otro par de personajes terminan perdidos en los tunes que se extienden bajo la ciudad. A sabiendas de que esas criaturas no deben llegar a la superficie buscan una forma para escapar y evitar que los cientos de insectos a punto de nacer invadan a la humanidad. Susan sabe que deben encontrar el nido y matar al Judas macho, pues al morir las criaturas no podrán reproducirse más, sin embargo, su prioridad es mantenerse con vida mientras buscan como regresar a la superficie.

Si bien la historia no deja de ser la premisa básica del Biopunk, una especie creada por los humanos mediante la manipulación del ADN que escapa de su control, está contada de una forma que te cautiva al instante, pues si bien menciona cuestiones morales sobre manipular el ADN de otras especies, rápidamente se centra en la acción y la masacre que las criaturas desatan. Además de que retoma un error que la humanidad ha cometido desde hace mucho, la introducción de una especie ajena para que extermine una plaga, convirtiéndose aquella solución en la nueva plaga.

Como menciona uno de los personajes: “el mundo es un gran laboratorio” y aquellos seres de quienes tenías total control en un laboratorio responderán de manera inesperada en otro tipo de condiciones. Ya lo dijo el propio Ian Malcolm: “la vida se abre camino”. Sólo que esta vez, la nueva forma de vida tiene la capacidad para exterminarnos, bueno, de hecho casi siempre pasa así en el Biopunk.

El desarrollo de la historia es muy de la vieja escuela, pues va mostrando al monstruo poco a poco en la primera mitad del filme para después regalarnos encuentros de frente con las grotescas y voraces criaturas. Al principio la película parece como una obra policiaca y de hecho mantiene ese suspenso todo el tiempo, lo que ayuda a la ambientación. El final es algo débil y le resta un poco de gloria a las criaturas, pero la tensión que mantiene durante el resto de la obra compensa muy bien un final obvio.

La crítica inherente a los peligros de manipular la vida y el hecho de que ésta nunca estará por completo bajo nuestro control está allí como en toda obra Biopunk que se digne de serlo y de hecho me gusta mucho cómo es manejado todo este aspecto ético sobre si es o no correcto alterar la naturaleza para salvar a personas de una enfermedad. Constantemente la protagonista se cuestiona sobre si fue correcto crear al insecto, pero la trama no se enfoca en eso y da paso a lo que nos interesa, la acción y las criaturas.

La obra es una excelente recomendación para verla en Día de Brujas, sobre todo por apelar a uno de los miedos más ancestral de muchos humanos, los insectos, ya sean cucarachas, arañas, abejas u hormigas las personas siempre temerán que estos diminutos seres adquieran tamaños descomunales y amenacen su existencia. Además de que es un perfecto ejemplo de que, además de la Fantasía, Guillermo del Toro también lo hace bien con los géneros de miedo y sin dudad es uno de los clásicos de su repertorio que no te puedes perder si eres fan del director mexicano. Por cierto, dos secuelas se lanzaron directamente a DVD (Mimic 2 y Mimic 3) pero han recibido malas críticas y no considero recomendable verlas, al menos yo no creo hacerlo.

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Pandora

Título Original: 판도라 (Pandora).
Género(s): Ficción Especulativa, Drama.
Director: Park Jung-woo.
Emisión: 2016.
Duración: 136 minutos.
Extras:

Hay ocasiones en las que uno se entera de algunas producciones coreanas que parecen prometer mucho, un claro ejemplo de ello es Train to Busan, una película que si bien no hace un gran aporte al Survival-Horror es muy entretenida. Pandora, por su parte, fue la primera película surcoreana vendida a Netflix antes de su estreno, lo cual nos dice que el portal de streaming consideraba que podría tener éxito con la audiencia occidental, y no se equivocaron.

La calidad del filme es excelente, a primera vista no parece como las grandes producciones hollywoodenses, y no lo es, pero todos sus aspectos fueron muy bien cuidados y tiene un nivel más que aceptable. Algunos efectos digitales sí se hacen bastante notorios pero los escenarios no digitales, el vestuario, el maquillaje y la música sí están al nivel de cualquier gran producción.

La historia toma lugar en el pequeño pueblo de Hanbyul, asentado al lado de la planta nuclear. El poblado ha sufrido el constante abandono de sus habitantes desde que llegó la planta y la mayoría de quienes aún viven allí trabajan en sus instalaciones. Kang Jae-Hyeok es un joven trabajador, un simple obrero que detesta su empleo pues su padre y hermano murieron en un accidente años atrás. La mayoría de los pobladores dependen económicamente de los trabajos que les da la planta, pero muchos de ellos la detestan por los accidentes y las pérdidas humanas que han enfrentado en el pasado.

Jae-Hyeok y sus amigos de la infancia son los típicos perdedores, todos trabajan en la planta y tienen distintas perspectivas al respecto, Jae-Hyeok sobre todo se preocupa por el poco mantenimiento que recibe su lugar de trabajo y por la indiferencia de las autoridades ente las necesidades de los obreros. Durante su turno ocurre un fuerte terremoto que daña las instalaciones y provoca que se fugue el refrigerante del reactor. Jae-Hyeok les dice a sus amigos que deben escapar, pero los jefes los encierran para que nadie escape.

A la par de la situación dentro de la planta y el drama familiar del protagonista y sus amigos, vemos la parte burocrática. Al parecer la planta inició sus operaciones de manera apresurada con una inspección deficiente y nulo mantenimiento, lo cual provocó que el sismo le causara tantos daños. La razón para poner en marcha el reactor era la necesidad que el gobierno y los empresarios tenían de demostrar que la energía nuclear era segura a fin de que una ley fuese aprobada en su favor.

La parte política es algo lenta pero nunca le resta presencia al desastre, por el contrario las acciones del presidente, primer ministro y demás miembros del gabinete siempre están relacionadas con evitar el desastre por una parte, disminuir el daño a los civiles y, principalmente, evitar una crisis económica derivada del incidente. Al final, la necesidad de mantener la estabilidad económica puede más en las autoridades que su deber de salvar algunas vidas.

Desde el inicio vemos las dos posturas sobre el uso de la energía nuclear, por una parte es una de las mejores fuentes de energía, no contamina el ambiente y es segura, pero por otra parte, la seguridad y estabilidad de las plantas depende del trabajo humano que está sujeto a múltiples errores, incompetencia, falta de equipo, personal no capacitado, intereses políticos y económicos y sobre todo corrupción. Los propios habitantes del pueblo está divididos entre quienes quieren la planta pues es su fuente de empleo y quienes la detestan pues pone en riesgo a sus familias.

El inicio es un poco lento, pero no dura mucho y una vez que inicia la acción no para hasta el final. La película es muy larga pero nunca se hace aburrida y que una película logre mantener tu atención constante por más de dos horas es algo que debemos reconocer. Una vez el incidente inicia todo es trepidante, hay emoción, drama, tensión e incluso algo de crudeza cuando vemos a los heridos por la explosión, pero sobre todo está cargada de actos heroicos que si bien son cliché no dejan de ser emotivos.

El final es conmovedor y sumamente épico, los personajes no son del todo destacables pero se ganan tu corazón con sus actos heroicos y te invita a la reflexión sobre aquellas acciones que bomberos, rescatistas y trabajadores hicieron para evitar una fusión nuclear aún a costa de sus vidas. El envenenamiento por radiación se convierte en el mayor peligro y al ser un enemigo invisible permite mucha fluidez en la acción que vemos en pantalla.

Al final hay un claro mensaje sobre el uso de la energía nuclear, derivado por el accidente ocurrido en Fukushima en 2011. Aunque la película no toma una postura radical, pues muestra tanto el lado bueno como el malo de la energía nuclear, sí es una clara protesta a la gran cantidad de plantas nucleares que hay en Corea del Sur, el país con mayor densidad del mundo en este tipo de instalaciones. La película es grandiosa, emocionante y con seguridad te mantendrá pegado a la pantalla desde el inicio hasta el final, la perfecta recomendación para quien desee pasar la tarde con una película llena de emoción y desastres.

Annihilation

Título Original: Annihilation.
Género(s): Ciencia Ficción Psicológica.
Director: Alex Garland.
Emisión: 2018.
Duración: 115 minutos.
Extras:

2018 ha sido el año en el que muchas películas tanto de sagas reconocidas como protagonizadas por estrellas de renombre han preferido el Streaming como medio para su estreno internacional en lugar de la tradicional pantalla grande; The Cloverfield Paradox y la decepción que generó entre los fans es uno de esos ejemplos. Con un par de estrenos que no fueron tan impactantes como se esperaba tocó el turno de Aniquilación, una película que parecía prometer dejar a los espectadores con un buen sabor de boca.

El filme es bueno en cuanto a su calidad técnica, sobre todo por sus escenarios de ensueño en donde lo animal y lo vegetal parecen mezclarse como su estuvieran dentro de un caleidoscopio. Personalmente me agradó mucho la parte visual, y la música, si bien no fue tan sorprendente, tuvo un par de momentos muy destacables. Las actuaciones no están mal pero creo que la fama de Natalie Portman atrajo a más espectadores que la calidad de su actuación en esta película y no es que actuara mal, sino que ha tenido mejores interpretaciones.

La historia inicia cuando un extraño fenómeno empieza a cubrir el área alrededor de un faro. Una extraña anomalía a manera de campo de fuerza cubre la tierra y empieza a extenderse lentamente, militares y científicos envían numerosas expediciones pero nadie que haya entrado logra regresar. Kane (Oscar Isaac), el esposo de Lena (Natalie Portman) es enviado en una misión hacia el resplandor, nombre que ha recibido aquella anomalía, pero luego de un año nadie sabe nada sobre su equipo.

De forma repentina Kane aparece en la casa de Lena, quien lo creía muerto en acción. Lena trata de averiguar qué pasó en todo ese tiempo pero su esposo parece confundido y sufre un ataque. Camino al hospital son interceptados por el ejército, quienes llevan a ambos a unas instalaciones miliares, allí Lena conoce cuál fue la misión de su marido y la existencia de aquella extraña anomalía. Con la salud de su pareja deteriorándose decide unirse a la siguiente misión, integrada sólo por científicas para tratar de averiguar que origina aquel extraño suceso.

La Dra. Ventress, Psicóloga y líder de expedición; Josie Radek, Física; Cass Shepard, Geóloga; Anya Thorrensen, Paramédica, y Lena, Bióloga integran la doceava expedición que entrar al resplandor. Una vez dentro se percatan de que tienen dificultad para percibir el tiempo y no recuerdan muchas de las cosas que pasan al interior. Mientras se adentran en la anomalía descubren que tanto plantas como animales está sufriendo mutaciones, el ADN de ambos parece mezclarse indistintamente dando como resultado a bellos pero aterradores seres. Los peligros no se hacen esperar y poco a poco las científicas van sucumbiendo a las contingencias, pues además del miedo deben tratar con la locura que empieza a apoderarse de sus mentes.

Josie descubre por qué no hay señales que entren o salgan de la anomalía y por qué el ADN de las criaturas se está mezclando, al parecer el extraño resplandor actúa como un prisma y refleja absolutamente todo lo que hay en su interior, desordenándolo y acomodándolo de forma diferente. El equipo se reduce hasta que solo queda Lena, quien logra llegar al Faro, el centro donde todo inició. Allí descubre una presencia extraterrestre que al parecer es la causante de todo.

El filme tiene sus altibajos. Las escenas de acción y horror psicológico son muy buenas, pero las del trauma emocional de la protagonista y aquellos lugares comunes como las parte de diplomacia política y protocolar de los miliares son tediosas y realmente no aportan mucho. Los traumas personales de los personajes son muy predecibles y es obvio que todas tienen un pasado que las persiguen, aunque eso da juego para abordar un tema muy interesante con respecto a los fenómenos del suicidio y la autodestrucción. Muy pocas personas son suicidas, pero la mayoría de nosotros presentamos conductas autodestructivas, desde fumar o beber hasta arruinar nuestra relaciones personales.

La cuestión de la evolución, la genética, la conducta de los seres vivos en general son los tópicos principales, aunque nada termina de resolverse pues el final es muy ambiguo y te deja más confundido que al principio. Es un final abierto que permite múltiples interpretaciones, como lo hace 2001 Odisea de Espacio, pero la interpretación no depende de lo que concluyas al final, sino del camino que te haya interesado seguir en el transcurso de la historia. Si te atrajo lo genético esa va a ser tu interpretación final, pero bien pudiste interesarte en lo que respecta a la condición humana o a la propia presencia alienígena cuyas motivaciones no alcanzamos a comprender. Es una película buena e interesante pero no para todo público, aunque si te gusta la Ciencia Ficción densa y psicológica con toques de horror puede ser una buena recomendación para ti.

Gladiador del Futuro

Título Original: Rollerball.
Género(s): Distopía, Ciencia Ficción (Ficción Futurista).
Director: Norman Jewison.
Emisión: 1975.
Duración: 129 minutos.
Extras:

Debo aceptar que inicialmente vi esta película esperando una especie del futuro salvaje y postapocalíptico totalmente madmaxiano, donde las masas era distraída por un brutal deporte como en la época del Imperio Romano, pero en su lugar encontré una interesante distopía que es una obra perfecta para quienes desee empezar en este particular género.

La calidad de la obra es buena y para su tiempo los elementos tecnológicos debieron ser verdaderamente novedosos, ubicándola dentro de la Ciencia Ficción. Sin embargo, el tiempo ha sobrepasado por mucho los avances que dicha película nos muestra haciendo que actualmente luzca como algo totalmente vintage, sobre todo porque la historia trascurre en 2018.

La historia gira en torno a Jonathan E., el jugador estrella del equipo Houston de Rollerball, un juego similar el Roller Derby pero mucho más violento. En dicho deporte los jugadores usan patines y recorren una pista circular para tratar de anotar una bola de acero en la meta en periodos de 20 minutos, para ello se vale de la estrategia y la fuerza bruta, así como de motocicletas para darse propulsión. El juego es sangriento pero las reglas mantienen a un nivel aceptable los decesos y las lesiones.

Este deporte no es sólo una salida para la tensión de los aficionados ni un mero distractor, sino que es el sustituto de la guerra. Al parecer, luego de guerras militares, las corporaciones adquirieron el poder de las naciones y los políticos cedieron sus puestos a los ejecutivos. Los encuentros de Rollerball permitían que las corporaciones midieran fuerzas, pues en la sociedad actual ya no hay guerra, hambre, pobreza ni enfermedad, la sociedad es una utopía en toda regla, pero como toda utopía conlleva un costo y este es el de permitir que los corporativos lo decidan todo, desde cuanto debes retirarle del trabajo hasta quién será tu pareja.

Los ejecutivos presionan a Jonathan para que se retire, pues ven en él un peligro que podría desestabilizar el perfecto sistema social, en donde todo esfuerzo individual no debe ser el ejemplo a seguir, lo que un buen ciudadano debe hacer es trabajar en equipo y eso implica ceder todas las decisiones a las empresas. Jonathan se reúsa a retirarse y ahora deberá enfrentar un juego en donde las reglas han desaparecido y la muerte acecha en cada partido.

Las escenas de acción son muy buenas y van escalando en cuanto a la violencia que nos muestran, el final es totalmente sangriento y el encuentro deportivo se transforma en una verdadera masacre digna del coliseo. Aunque las escenas políticas son bastante lentas y pueden llegar a ser aburridas, son necesarias pues explican cómo funciona la sociedad tecnocrática que vemos en pantalla.

La obra es una distopía perfecta y totalmente pura, y está plagada de referencias orwellianas, huxleanas y bradburianas. Además, como toda distopía que se respete, el conflicto de la historia surge cuando un personaje inconforme le encuentra los distópico a la supuesta sociedad ideal. En este caso Jonathan odiaba el sistema, pues le quitó a su esposa y trató de obligarlo a retirarse cuando aún estaba en su mejor momento. El sistema, que es una tecnocracia pura y dura, trata de deshacerse del problema, que en este caso es nuestro protagonista.

El papel de la mujer es similar al que tiene en las obras de los autores mencionados, es un poco la provocadora de pasiones en el personajes principal, que siempre es un hombre, lo que implica obviamente un visión un tanto machista que ha sido recurrente en las obras distópica desde sus orígenes. Aquí las féminas tienen un marcado papel de objeto sexual y son intercambiadas entre los hombre según los ejecutivos decidan. A pesar de ello, Rollerball es una maravillosa película distópica con buenas dosis de acción y violencia, muy digerible y con todas las características que distinguen al género.

La Tortuga Roja

Título Original: La Tortue Rouge.
Género(s): Fantasía, Drama.
Director: Michaël Dudok de Wit.
Estudio: Wild Bunch, Studio Ghibli.
Emisión: 2016.
Duración: 80 minutos.
Extras:

Luego del retiro de Hayao Miyzaki y el aparente cierre de Studio Ghibli, muchos de sus fan quedaron con ganas de ver más de sus producciones. Cuando se anunció que el estudio estaba participando en la coproducción de una película animada francesa muchos se emocionaron y la fama de esta casa productora generó una expectativa muy alta en dicho filme, expectativa que La Tortuga Roja cumplió con creces.

La premisa es muy sencilla, un hombre naufraga hasta una isla desierta. Luego de algún tiempo construye una balsa e intenta escapar de aquel pedazo de tierra, pero una extraña tortuga roja frustra todos sus intentos. Harto de fracasar y cansado de la soledad mata a la tortuga en un arranque de ira. La muerte del animal le genera remordimientos, hasta que una mujer pelirroja aparece en la playa. La pareja se enamora y sobreviven juntos en aquella isla, tienen un hijo y pasan el resto de sus vidas en aquel desamparado lugar, lejos de la civilización pero felices.

Obviamente la historia no es nada original, pero el mensaje de fondo es sumamente hermoso. La tortuga es como una metáfora de la vida y aquella isla representa para el náufrago y su familia el desamparo, la tristeza, la felicidad, la alegría, todo. Siendo honesto no alcancé a comprender realmente el alcance del trasfondo, esa mezcla de fantasía y realidad que bien podríamos definir como realismo mágico fue algo confusa, pero, a pesar de que no puedo aclarar completamente los simbolismos de la obra, sí puedo decir que es una historia bellísima.

La calidad de animación es excelente, y si bien se nota el estilo de Ghibli el canon es en realidad el estilo francés, pues por momentos algunas escenas me recordaban a películas como Kiriku y la Hechicera o el clásico de René Laloux, Le Planete Savage. Los paisajes, el diseño simple pero adecuado de los personajes y la presencia de ciertos animales logran mantener tu atención y otorgan cierta emotividad aún ante la ausencia de diálogos, aunque la mejor parte de todo el filme es su apartado sonoro.

Tanto la música como los efectos de sonido son lo mejor que he escuchado en mucho tiempo. Las melodías son bellísimas y transmiten no sólo la emotividad que requiere cada escena, sino que disparan en el espectador una serie de recuerdos y emociones que terminan por otorgarle una carga aún más dramática. A pesar de su falta de diálogos, La Tortuga Roja es una película para escuchar más que para ver. En ocasiones ni siquiera es necesario ver a la pantalla para sentir las emociones que la película pretende transmitirte, la música por sí sola se encarga de ello.

La parte del realismo mágico sería muy difícil de explicar sin hacer un tremendo spoiler que arruinaría el filme a quien no la ha visto, así que omitiremos esa parte. La falta de diálogos, como ocurre siempre en este tipo de obras, ayuda a que cada espectador genere sus propias respuestas, explicaciones y conclusiones, pero por momentos, el mantener la historia sin que los personajes hablen, resulta algo forzado.

Además de la difícil-de-explicar metáfora sobre la vida que toda la película representa en su conjunto, también te invita a reflexionar sobre cómo en un lugar tan lejano de la civilización es posible encontrar todo un ecosistema que sobrevive aún ante tal aislamiento y que además tiene todo lo necesario para mantener vivo a un hombre y permitirle encontrar su felicidad. Es una película melancólica y emotiva, pero no triste, de hecho es bastante feliz, pero no de una felicidad que se grita, sino de esa felicidad que sienten en el corazón al ver un atardecer con una leve sonrisa en el rostro.

Visual y sonoramente la película es bellísima, aunque la historia se queda un poco corta pues con el pretexto de esa fantasía, que por momento no sabemos sí en realidad lo es, hace uso de escenas oníricas en las que nunca queda del todo claro qué fue lo que en realidad pasó, qué fue lo que el náufrago vivió durante su estadía en la isla. Al final todo se reduce a un desenlace que puede ser sumamente hermoso, melancólico o triste, todo dependerá de la lectura que cada quien haya hecho. No obstante, es una película que bien merece la pena verse, y sobre todo escucharse, más de una vez.

Escape de Nueva York

Título Original: Escape from New York.
Género(s): Ficción Futurista.
Director: John Carpenter.
Emisión: 1981.
Duración: 99 minutos.
Extras:

Ambientada en un futuro cercano (1997), Escape de Nueva York se desarrolla en mundo en donde el crimen se ha incrementado un 400%, provocando con ello que toda la isla de Manhattan sea convertida en una prisión de máxima seguridad. Adentro no hay policías y la ley del más fuerte impera en las calles, donde locos, asesinos y criminales dementes hacen suya la Gran Manzana.

La calidad del filme es bastante buena, aunque algunos efectos especiales ya lucen viejos, claro que en su momento debieron ser impactantes. La estética retoma el estilo madamaxiano y nos muestra a bárbaros criminales ataviados con cuero y demás accesorios estrafalarios. Las calles nos sumergen en un Nueva York no en ruinas, pero bastante desolado y peligroso, un poco como lo que veríamos años más tarde en el Tokyo de Akira, pero sin esa arquitectura visceral.

La historia empieza cuando un grupo de terroristas secuestran al presidente de los Estados Unidos y estrellan su avión contra Nueva York como protesta. El presidente logra salvarse pero ahora está atrapado en la prisión más peligrosa de todo el país. Rápidamente, los secuaces de un hombre llamado Duque, criminal y líder de la prisión, capturan al mandatario. Las fuerzas armadas acuden en su rescate pero les es imposible recuperar al presidente.

Ante las amenazas de los maleantes de matar al mandatario, el jefe de seguridad se ve obligado a pedir la ayuda de un reo para que encuentre y saque el presidente de ese infierno, antes de que la reunión entre China y Rusia termine, pues al parecer el país está en guerra y el líder de los Estados Unidos tiene en su poder secretos nucleares que les darán la ventaja. Serpiente Plissken, un ex militar y ahora afamado criminal acepta el trato a cambio de su libertad, pero para evitar correr riesgos los guardias le implantan explosivos en sus arterias que estallarán si no regresa a tiempo. Plissken inicia así una carrera contra reloj para salvar al presidente.

Dentro de la cárcel todo es como cabría esperar, con malos rondando por las calles y un séquito de maleantes bajo las órdenes de Duque. Allí Serpiente (Kurt Russell) parece contar con mucha fama y rápidamente recibe ayuda de un taxista y un viejo amigo suyo que trabaja para Duque haciendo gasolina. Duque y su banda planean usar al presidente como boleto para salir de la isla, así que no dejarán que Plissken cumpla su misión tan fácilmente. El resto de la historia no es más que persecuciones y peleas en un escenario madmaxiano.

Serpiente Plissken es el estereotipo del antihéroe (que en ese tiempo no era tan estereotipo) que a pesar de ser un criminal termina por hacer algo bueno, y aunque logra su cometido no sale limpio de los enfrentamientos evitando con ello el cliché del típico héroe americano lleno de patriotismo, de hecho Plissken es un traidor. Ninguno de los otros personajes es realmente entrañable y aunque las actuaciones no son malas son la estética y la premisa de la ciudad-prisión lo que realmente enganchan.

Algunos elementos tecnológicos son un poco rebuscados, propio de la ficción ochentera, pero que no dejan de ser entretenidos y hasta interesantes. Otros aspectos, como los “locos” que viven en los drenajes y salen en la noche para cazar humanos están muy desaprovechados. Aunque, por otra parte, debemos admitir que entre todas las exageraciones hay muchas acciones inteligentes en el actuar de Plissken.

La ambientación musical está muy bien, no es algo extraordinario pero cumple perfectamente. Los escenarios son fabulosos para quienes gusten de este tipo de obras, la trama es sencilla y el personaje principal es un antihéroe sin pretensiones que logra atrapar tu atención y que además funciona adecuadamente en ese tipo de ambientes. Tampoco podemos decir que es la gran obra y algunos de sus elementos pudieron ser mejor explotados, como la prisión y sus criminales, pero en general es una grandiosa película que se volvió de culto entre los fans de la Serie B.

Trollhunter

Título Original: Trolljegeren.
Género(s): Mockumentary, Fantasía, Found Footage, Terror, Kaiju.
Director: André Øvredal.
Emisión: 2010.
Duración: 103 minutos.
Extras:

Es por todos conocido que el género de los grandes monstruos (Kaiju) es principalmente de hechura japonesa, Godzilla es sin duda alguna el mejor ejemplo de ello, aunque la competencia Americana no ha dejado pasar la oportunidad ya sea de americanizar al kaiju por excelencia o de crear sus propios monstruos, siendo Cloverfield y Pacific Rim las sagas más exitosa de los últimos años. Sin embargo, el cine europeo también tiene algunos ejemplos donde las bestias titánicas arremeten en contra de los humanos, y Trollhunter es la película noruega más famosa sobre este género en todo el mundo.

Cuando pensamos en Noruega nos viene a la mente su bello paisaje invernal, los fiordos y algunos aspectos muy generales de su cultura. Siendo un país tan lejano no es muy común que en Latinoamérica consumamos el cine que ellos producen fuera del cine de arte, aunque anteriormente ya había reseñado Bølgen, una película de acción sobre desastres naturales. Trollhunter retoma a uno de los seres míticos más populares del país nórdico, los Troles, esos monstruos gigantes y tontos que viven bajo los puentes y, a partir del folclore escandinavo, desarrolla una película estupenda.

Trollhunter pertenece a los géneros hermanos del Falso Documental (Mockumentary) y el metraje encontrado (Found Footage), y a partir de la cámara en mano nos adentra en la búsqueda de Thomas, Johanna y Kelle, tres estudiantes de la universidad de Volda, quienes están tratando de entrevistar a Hans, un cazador ilegal que ha estado matando osos. Sin embargo, parece que dicho cazador y el director de la Junta Asesora para la Vida Silvestre ocultan algo más que simples ataques de la fauna salvaje.

Tras las negativas de Hans, los jóvenes deciden seguirlo en secreto para documentar lo que hace, pero al hacerlo descubren que lo que aquel extraño hombre está cazando no son osos, sino Troles. Ante la insistencia de los documentalistas, Hans acepta llevarlos consigo para que documenten su trabajo. Al parecer el hombre es miembro de una organización gubernamental secreta cuya responsabilidad es mantener bajo control a los Troles y matar a aquellos que salgan de su territorio, para evitar que las personas se enteren de su existencia.

Los chicos se unen a la cacería y poco a poco van descubriendo una amplia e interesante fauna trol. El cazador les explica que existen dos clases de troles, los de bosque y los de montaña, y que estos a su vez se dividen en cinco especies: Raglefant, Tusseladd, Rimtusse, Dovregubben y Harding. Además les explican cosas sobre la biología de los mismos, como su ciclo y esperanza de vida, el periodo de gestación o su capacidad para oler la sangre de los cristianos. Con forme avanza la historia también conocemos acerca de la solitaria y difícil vida del Hans.

El retomar un elemento de la mitología noruega y convertirlo en una película llena de acción y basada en el metraje encontrado fue sin duda una apuesta riesgosa, pero al parecer funcionó perfectamente, pues Trollhunter se ha convertido actualmente en una película de culto, pues además de permitirnos conocer un poco sobre esos seres míticos, también nos deja ver el folclore que envuelve su existencia y el hecho de que no son monstruos, sino una especie más de animales que tienen derecho a vivir y habitar su territorio, el cazador únicamente los mantenía a raya para la seguridad de las personas.

La película tiene un ritmo muy bueno, la acción se mantiene constante y podemos ver prácticamente todas las especies de troles que existen, desde los pequeños de tres o cuatro metros hasta aquellos que son tan grandes como montañas. El mezclar la intriga política que encubre la existencia de estas criaturas le da un bueno toque al falso documental y el profundizar, por poco que sea, en la vida de Hans, hace que dicho personaje adquiera un papel mucho más humano de lo que su profesión podría hacernos pensar de él.

Si bien hay varios aspectos débiles en la cinta y que le restan credibilidad me parece una extraordinaria recomendación para quienes quieran ver una película de grandes monstruos diferente, fuera de lo que el cine estadounidense o el japonés han popularizado en todo el mundo y donde, a diferencia de los anteriores, las criaturas tengan una base cultural que justifique su existencia y no la ya trillada escusa de la radioactividad o los extraterrestres.