El Juego de Ender

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Título Original: Ender’s Game.
Director: Gavin Hood.
Género(s): Ciencia Ficción.
Emisión: 2013.
Duración: 114 minutos.
Extras:

Al hablar de una película basada en un libro, siempre encontraremos que la adaptación cinematográfica se queda muy lejos de abordar todo el contenido de la novela. Pocas obras han logrado hacer la suficiente justicia a los escritos de los cuales se inspiran, pero si tomamos en cuenta que una obra audiovisual tiene necesidades y formas narrativas muy diferentes a las de un texto, entonces podemos analizar y comentar un filme sin la tediosa necesidad de compararla con la obra literaria original.

El Juego de Ender se basa en la novela homónima de Orson Scott Card, que corresponde a la primera entrega de una saga de cuatro novelas conocida como la Saga de Ender. La obra de Orson ganó múltiples premios, como el Ignotus, el Hugo y el Nébula. Su adaptación al cine estuvo planeada desde principios de la década de los 2000, pero fue hasta 2012 que inició su rodaje.

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A nivel técnico la película es formidable, todas y cada una de las escenas en el espacio y la cero gravedad son fabulosas. El cgi es usado con maestría y tanto el vestuario como los pulcros escenarios tan refinados y antisépticos se adaptan perfectamente con la estética general del filme. Y si bien los efectos no son tan geniales como en Gravity, si superan algunas escenas de otras superproducciones más recientes, pues nunca se ven falsas, como ocurre por momentos en El Hobbit.

La historia gira en torno a Andrew Ender Wiggin, un niño prodigio que estudia en una escuela donde se entrena a jovencitos para pelear en la guerra contra los Insectores, una raza alienígena que tiempo atrás intentó invadir la tierra. Para que un desastre como ese no vuelva a ocurrir, la Escuela de Batalla pone todas sus esperanzas en los pequeños, quienes deberán enfrentar al enemigo antes de que éste tenga la fuerza suficiente como para iniciar una nueva invasión.

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Las habilidades de Ender lo llevan rápidamente a destacar de entre todos su compañeros, así que termina comandando al Escuadrón Dragón. Con su nuevo equipo de combate tendrá que enfrentar a otros escuadrones de la escuela en un juego de batalla. Las estrategias de Ender hacer triunfar a los suyos y son elegidos para ir al puesto de avanzada donde completaran su entrenamiento antes de enfrentar al enemigo real. Sin embargo, las simulaciones que pretenden prepararlos para la guerra no son lo que aparentan.

Algo que me encanta de esta película es la construcción de personajes a nivel psicológico, sobre todo del personaje principal, cuya inteligencia, audacia y poco respeto frente a las figuras de autoridad lo hace un líder ecuánime, pero también le permiten entender que su enemigo merece la oportunidad de ser escuchado y no exterminado solamente porque no lo comprendemos.

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El mensaje en este rublo y la cantidad de cosas que podemos analizar de él son innumerables. En primera tenemos una academia que usa niños para la batalla, algo que hemos visto hasta el cansancio en obras de todo tipo, también tenemos la temática extraterrestre usada como trasfondo para una historia que se enfoca en mostrar parte de la naturaleza humana frente al enemigo, sin olvidar la cuestión ética de los medios que usamos para ganar y las razones por las cuales buscamos sobresalir. Abordar cada tópico requiere profundizar mucho más y de momento no es la intención de esta entrada.

La calidad actoral, si bien no es maravillosa, es buena. Y aunque algunos elementos que tienen más importancia en la novela aquí carecen de toda fuerza, de manera general es una formidable película (si la vemos separada del libro) que lamentablemente no recibió el apoyo mediático que otras superproducciones sí recibieron, pese a ser mucho mejor que varias de ellas, por ejemplo: Los Juegos del Hambre.

Lluvia de Hamburguesas

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Título Original: Cloudy with a Chance of Meatballs.
Director: Chris Miller y Phil Lord.
Género(s): Comedia, Ciencia Ficción.
Estudio: Sony Pictures Animation.
Emisión: 2009.
Duración: 90 minutos.
Extras:

Con un nombre que ya nos evoca algo cómico y curioso, Lluvia de hamburguesas ha logrado abrirse paso entre los filmes animados de los últimos años y se ha colocado en el gusto del público de manera decorosa, tanto que el año pasado se entrenó la segunda parte, la cual pasó sin pena ni gloria si la comparamos con otras segundas partes (Cómo Entrenar a tu Dragón) estrenadas también en los últimos años.

La calidad de animación y el diseño de escenarios son buenos, los personajes se estereotipan no porque caigan en cliché o estén mal construidos, sino porque responden a las necesidades de la historia, que por momentos requiere seguir una fórmula de fracaso-amor-superación muy trabajada en las grandes producciones pero que finalmente da resultados. La música es agradable y atinada, no sobresale mucho pero cumple perfecto en la ambientación.

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La historia gira en torno a Flint Loco, un joven inventor que desde niño a tratado de crear algo que ayude a las personas y le permita a su padre estar orgulloso de él, pero lo único que ha conseguido son una serie de experimentos fallidos. Cuando parece que su vida estará destinada al fracaso, su más reciente creación, una máquina que crea comida usando agua, causa una catástrofe que destruye el más reciente proyecto para salvar al pueblo de la miseria. Sin embargo, la máquina de Flint termina en la estratósfera y desde allí crea precipitaciones de comida, lo que resulta la forma perfecta para que la economía del pueblo se levante.

Los habitantes de Isla Mascabocado y su alcalde no paran de pedir variados menús a Flink para que los haga llover, mientras que la reportera del clima, Sam Chispas, difunde la noticia por televisión. El pueblo adquiere fama a nivel internacional y Flink logra el respeto de todo el pueblo, excepto de su padre. Para su mala fortuna, la máquina se sobrecaliente y la comida muta en una súpertormenta de alimentos que amenaza con destruir la isla entera. Ahora será misión de Flint, Sam, la celebridad local “Baby” Brent y el camarógrafo Manny, apagar la maquina antes de que destruya al mundo entero.

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La historia es sumamente fantástica y tanto los argumentos como el diseño en general están enfocados para un público infantil al que trata de dejarle un mensaje de superación. No obstante, lo más destacable es que no se trata de aceptar a los otros, sino aceptarnos a nosotros mismos. Todos los personajes en algún momento tienen que afrontar su realidad y eso hace que terminen por superar sus defectos y errores, en otras palabras, vemos un genial crecimiento en todos ellos.

Además del obvio mensaje de autosuperación, tenemos varias críticas sociales. Una de ellas nos muestra que la presión social puede llegar a alejarnos de nuestros sueños cuando estos son menospreciados o mal entendidos. También está la avaricia de las autoridades que buscan su enriquecimiento a costa del pueblo al que supuestamente deben servir, no en balde esa genial analogía del político gordo. Finalmente, hay un guiño a la cultura del desperdicio que impera en Estados Unidos y que va de la mano con el mal manejo que se hace con los desechos.

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En otra ocasión ya había hablado del “cameo latino”, que no es otra cosa sino la presencia de personajes latinoamericanos en obras de ciencia ficción estadounidense debido a que los inmigrantes ilegales están presentes en cada vez más rublos laborales. Aquí tenemos a Manny, un médico y copiloto guatemalteco que dejó su patria por buscar el sueño americano como camarógrafo de noticias.

La película es para niños, pero como muchas cosas destinadas al público infantil, tiene un trasfondo un poco más complejo que entretendrá a los adultos, aunque en lo personal no creo que sea tan recomendable para aquellos adultos serios que reniegan de ver animación, para quienes sí nos gusta ver caricaturas, es una excelente opción.

Zombieland

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Título Original: Zombieland
Director: Ruben Fleisher.
Género(s): Comedia, Surviva-Horror.
Emisión: 2009.
Duración: 88 minutos.
Extras:

Fusionando la comedia y el horror de forma magistral, Zombieland retoma el tan popular tema de los muertos vivientes y nos sumerge en un apocalipsis zombi de la forma más hilarante que podamos imaginar; porque tratar de sobrevivir al fin de la humanidad no tiene que dejar de ser irónico y divertido.

La calidad general del filme es buena aunque no sobresaliente, pues en realidad se recurre a locaciones muy sencillas, varias escenas dentro de autos y alguna que otra autopista abandona. La música ambienta de manera adecuada y la caracterización de los zombis nos muestra caníbales deseosos de carne fresca y no engendros risibles como podríamos esperar. Por su parte, el reparto fue más que atinado, pues  gracias a la capacidad histriónica de Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Emma Stone y Abigail Breslin la película logra sostenerse sin la necesidad de más personajes.

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La historia gira en torno a Columbus, un chico introvertido y solitario que viaja hacía Columbus, Ohio, con la esperanza de encontrar a sus padres. Durante su viaje conocerá a Tallahassee, un tipo rudo que ama matar zombis y está obsesionado con los Twinkies de crema. Su viaje continúa sin muchos percances hasta que son estafados por dos intrépidas hermanas, la sexy y manipuladora Wichita y la pequeña pero decidida Little Rock, quienes roban su auto y sus armas en más de una ocasión.

Una vez que las diferencias son superadas, deciden viajar todos juntos y empiezan a crecer entre ellos sentimientos de hermandad y cariño. Luego de algunos días de descanso en la mansión de Bill Murray, las hermanas deciden abandonar a los chicos y seguir su camino hasta Pacific Playland, un conocido parque de diversiones. No obstante, los sentimientos que Columbus tiene por Wichita le obligan a salir en su búsqueda acompañado por Tallahassee llegando justo a tiempo para rescatarlas de los voraces muertos viviente.

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Algo que da mucha originalidad al filme son las reglas que Columbus nos va explicando a lo largo de la historia y con las que según él garantizamos nuestra supervivencia. También el origen de la infección es muy gracioso, porque hay que decir que se trata de infectados y no de zombis, ya que el mal de las vacas locas a través de una hamburguesa infectada es lo que desata todo el holocausto.

Los gags usados para romper la tensión dramática son geniales, pues se burlan del horror y nos hacen reír de algo que en esencia es espantoso, y el hecho de que los zombis estén diseñados para una película de miedo pero que el manejo de la historia logre que nos diviertan rompe con el paradigma de todo lo que se ha visto en los últimos años.

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Corpse Party TS

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Título Original: コープスパーティー (Kôpusu Pâti).
Director: Ajira Iwanaga.
Género(s): Sobrenatural, Gore, Terror, Ecchi, Seinen.
Estudio: Asread.
Emisión: 2013.
Duración: 4 episodios.
Extras: Corpse Party MF.

Corpse Party: Tortured Souls son una serie de ova basadas en la franquicia de videojuegos del mismos nombre, de los que existen siete historias diferentes y cinco mangas, además de otro pequeño ova de 11 minutos lanzado en 2012 titulado Corpse Party: Missing Footage, que nos muestra una serie de escenas con mucho fan-service y que sirven de previo para la historia que posteriormente veremos en TS.

El diseño de personajes es bueno aunque el estilo no resulta diferente al de las animaciones comerciales de los últimos años. La personalidad de los protagonistas muestra una enorme variedad algo estereotípica pero que da juego para que los terroríficos sucesos puedan desarrollarse. Tanto el diseño de escenarios como la banda sonora son muy buenos y logran una ambientación que te sumerge dentro de una escuela embrujada llena de espíritus sedientos de venganza.

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La historia gira en torno a nueve protagonistas, sietes estudiantes de la academia Kisaragi, una profesora de esa misma escuela y la hermana pequeña del héroe principal. Sus problemas comienzas cuando hacen el ritual de Sachiko por siempre, con el que pretenden sellar su amistad ya que una de sus amigas está por mudarse de ciudad. Para su mala fortuna, algo sale mal y son trasportados a Heavenly Host, una lúgubre escuela del pasado plagada de fantasmas de niños asesinados.

Mientras buscan una salida, nuestros personajes deben enfrentar a los enfurecidos espíritus, lidiar con el terror que se apodera de sus mentes hasta llevarlos a la locura y evitar morir de una forma horrible. Mientras luchan por su vida, descubren pistas sobre lo que en realidad pasó hace varios años en ese lugar y la forma en que pueden regresar a su mundo, para ello deberán apaciguar el alma de los muertos, regresarles sus lenguas mutiladas y obligar al asesino a confesar su crimen.

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La historia tiene muy buenos giros argumentales que logran sorprender al espectador, pero uno de los puntos más interesantes es el manejo de los multiversos fantasmagóricos a los que llegan los protagonistas. Al parecer existen diferentes realidades en esa escuela embrujada y eso evita que los personajes interactúen de forma directa. No obstante, el manejo narrativo va superponiendo los sucesos y poco a poco entenderemos que algunos de los eventos que no tuvieron explicación en la historia de un par de personajes son porque ocurrieron en el contexto de otros personajes que están en un espacio diferente.

La historia puede ser un poco compleja al principio pero rápidamente entenderemos porque pasaron cosas que en un principio no tuvieron sentido. Además, cabe aclarar que como en toda historia de terror con muchos protagonistas, estos van muriendo paulatinamente, pero sus muertes están perfectamente dosificadas y llegan en el momento menos esperado.

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La historia va in crescendo con forme pasan los capítulos, y aunque al principio puede parecer algo lenta, una vez que nos hemos dejado envolver por la atmósfera de terror y permitimos que las escenas sugestionen nuestra mente, tendremos un espeluznante espectáculo frente a nosotros. El manejo del terror, eso sí, es muy japonés, pero para los fanáticos del anime acostumbrados a los patrones culturales nipones, funcionará perfectamente.

Un elemento clave en la construcción del terror y que es un recurso básico en las obras orientales, es el uso de niños. En este anime los fantasma son infantes asesinados, y el máximo exponente lo tenemos en Sachiko, una niñita atormentada que desata toda su maldad contra los protagonistas. A diferencia de occidente, donde los niños aparecen la mayoría de las veces como víctimas, en oriente son ellos lo que nos producen miedo.

ParaNorman

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Título Original: ParaNorman.
Director: Chris Butler y Sam Fell.
Género(s): Sobrenatural, Comedia, Terror.
Estudio: Laika.
Emisión: 2012.
Duración: 92 minutos.
Extras:

ParaNorman es, en mi opinión, una de las dos mejores películas animadas en Stop Motion de todos los tiempos, la otra es, para regocijo del estudio Laika, Coraline. Argumentalmente ambas historias son del mismo nivel, quizás Coraline es mejor por momentos, pero visualmente y en cuanto a nivel de detalle creo que ParaNorman tiene el primer lugar, pues su estética mezcla la modernidad del mundo actual con un dejo de nostalgia que nos remite por ahí de los años 70, cuando el cine de terror Serie B dominada la gran pantalla.

La calidad visual es impactante, súper realista e impecable, y el hecho de saber que fue animada cuadro por cuadro incrementa aún más su calidad. Los pequeños y cuasi imperceptibles detalles en los escenarios son un verdadero deleite para el cinéfilo más exigente y esos cambios en la cromática que enfatizan el ambiente de terror son perfectos. La música es muy buena, pero incluso ella se ve opacada con la calidad visual. Los personajes están diseñados de manera grandiosa, pues retoman a un grupo muy diverso de jóvenes cuyas habilidades conjuntas les harán salir adelante, y aunque suena a cliché, su construcción tiene la suficiente originalidad para no serlo.

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La historia gira en torno a Norman Badcock, un solitario niño que tiene la habilidad de ver y hablar con fantasmas. Norman vive la desgracia del rechazo por parte de sus vecinos y compañeros ya que lo consideran raro, incluso sus padres no logran entenderlo. A pesar de ello entabla amistad con un simpático y regordete chico, Neil Down, a quien la capacidad sobrenatural de Norman le parece fascinante. Para desgracias de Norman, su tío, que posee la misma habilidad, muere inesperadamente, pero antes de dejar este mundo le encomienda la misión de proteger al pueblo de la maldición de la bruja mediante un ritual especial que deberá realizar esa misma tarde.

Durante el resto de la película veremos como Norman, su hermana Courtney, Alvin (el chico malo), Neil y su hermano mayor Mitch, se enfrentan a los zombis y tratan de revertir la maldición de Agatha, una bruja ejecutada 300 años antes en esa ciudad y que sólo planea vengarse de quienes la juzgaron.

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En apariencia pareciera que el argumento abusa del tema del chico que es molestado simplemente por ser diferente a fin dar un mensaje de superación, algo que hemos visto innumerables veces, pues siempre es el introvertido quien es puesto en una peripecia que lo convertirá en héroe. Para nuestra fortuna, la trama va más allá y nos deja ver las atrocidades que somos capaces de hacer por miedo a lo que no entendemos.

Con forme la historia avanza, nos alejamos del cliché del chico buleado y nos centramos en un pasado oscuro y una venganza de ultratumba que mantiene maldito al pueblo, un poco como Silent Hill. La intención es obvia, darnos una enseñanza moral matizada con bien pensados giros argumentales que incrementan la tensión y nos sitúan en un torbellino de acción, terror y un diseño artístico impresionante.

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Durante todo el filme vemos numerosos guiños a los clásicos de terror como Jason Voorhees, las obras de Geroge A. Romero, Psicosis y Poltergeist. No bastando con todas esas referencias, al final vemos un breve pero contundente mensaje sobre la diversidad sexual que es obviamente necesario y debería ser natural en películas ya sean para adultos o para niños. De hecho, durante todo el filme, lo que se busca es precisamente exponer un mensaje sobre la aceptación de todo aquello que es diferente.

ParaNorman es la adaptación perfecta del cine de Zombis y el terror en general para el público infantil, pues no sólo retoma la esencia más pura del género, sino que la combina con un mensaje sobre aceptación, diversidad y tolerancia que es muy necesario en la infancia de hoy en día.

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Azarkant

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Título Original: Azarkant.
Director: Andrey Klimov.
Género(s): Ciencia Ficción.
Estudio: [Animada íntegramente por Andrey Klimiov].
Emisión: 2013.
Duración: 8:26 minutos.
Extras:

Hace poco más de un mes, Jack Moreno publicó en su blog el cortometraje Azarkant, un corto ruso de Ciencia Ficción con una calidad visual impactante. El diseño de escenarios y los detalles que contienen son fabulosos, tanto que por momentos uno duda si lo que vemos en pantalla es cgi o imagen real. Y no sólo en el aspecto visual está bien diseñada, también la música está perfectamente seleccionada para generar esa ambientación de misterio y suspenso un poco como se hacía en los años 70.

El corto nos muestra a un astronauta que explora el espacio toparse con una extraña nave espacial en apariencia abandonada, al entrar en la desconocida nave se debe enfrentar con un robot enemigo que no duda en atacarlo, cuando al fin lo vence, descubre que aquel desolado lugar guarda un enorme secreto.

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La estética del corto se inspira en la arquitectura industrial del Cyberpunk, los pasillos de la nave nos remiten al Nostromo de Ridley Scott, mientras que los grandes espacios lucen como la Zion de los Wachowski. El manejo de la tensión y el andar por la nave sin saber qué esperar obviamente nos recuerda a Dead Space, mientras que el diseño de personajes es prácticamente un calco de Halo.

Sin duda un interesante cortometraje con una calidad sobresaliente que se alimenta de grandes clásicos de la Ciencia Ficción de terror. La historia queda un tanto trunca en la parte final, lo cual podría hacernos pensar en un una posible continuación, que, dada la calidad de esta primera entrega, valdría mucho la pena. Habrá que seguir de cerca a su director y estar pendientes de la información que publica en su blog.

Cloverfield

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Título Original: Cloverfield.
Director: Matt Reeves.
Género(s): Found Footage, Monstruos, Survival-Horror.
Emisión: 2008.
Duración: 92 minutos.

En 1999 El Proyecto de la Bruja de Blair puso al género del Found Footage (o metraje encontrado) en el mapa de la teoría de géneros, a pesar de no ser la primera cinta en ese formato. A partir de entonces, muchos filmes han retomado el mismo estilo narrativo con mayor o menor fortuna. En 2008 llegó el éxito más reciente de la cámara en mano, Cloverfield, que sin duda demostró que estas producciones, nacidas de los bajos presupuestos, también pueden desbordar impactantes efectos visuales.

La calidad técnica es muy buena para el género al que pertenece, pero tampoco tiene los efectos especiales súper impactantes, son buenos y la cromática usada en cada momento de tención es atinada. La banda sonora se compone de simples canciones de la cultura pop contemporánea, pero el sonido ambiental es estupendo, te envuelve y te pone justo en el centro de la acción.

Cloverfield 2

La historia nos sitúa en Nueva York, como cualquier película no japonesa de grandes monstruos que se respete, y nos cuenta el drama amoroso de dos jóvenes y sus amigos durante una fiesta. Mientras los jóvenes neoyorkinos festejan, un extraño temblor los pone en alerta, antes de saber lo que pasa, la cabeza de la estatua de la libertad rueda por las calles y los edificios se derrumban sin explicación.

Luego de una introducción demasiado larga, aunque necesaria para los fines del filme, veremos, gracias a que uno de los protagonistas —sin importar la situación— se niega a dejar de filmar, cómo nuestros personajes corren y se ocultan por las calles de Manhattan mientras tratan de llegar el edificio donde vive el gran amor de nuestro héroe principal. Como es de esperar, los menos indispensables van muriendo mientras los principales logran resolver sus encrucijadas gracias a no muy creíbles eventos.

Cloverfield 5

La película es buena, entretenida y desde que inicia la acción no para hasta el final, claro que la va dosificando. La introducción, antes de los eventos emocionantes, es lenta pero no del todo aburrida, aunque lamentablemente resulta necesaria para generar el conflicto que lleva a los protagonistas a intentar sobrevivir en lugar de escapar desde el principio. Sin el planteamiento emocional que se proyecta al inicio, la película entera no tendría razón de ser, lo cual es tonto, pues el ataque de un monstruo gigante debería ser suficiente y no necesitar de un trasfondo amoroso para dar paso a la acción

En mi opinión la parte inicial se alarga demasiado y eso hace que toda la obra se vea muy trabajada, lo cual rompe con la esencia del metraje encontrado. Y la motivación de salvar al gran amor no me parece una razón de peso para enfrentarse al apocalipsis. Además, en más de una ocasión, se abusa del Deus Ex Machina que resuelve sin más los problemas de los protagonistas y les permite seguir avanzando.

Cloverfield 3

En cuanto a la calidad actoral, podemos decir que los actores lo hacen bien, pero la esencia de sus personajes deja muchos que desear. Digo, sus personalidades son creíbles y hasta cierto punto realistas pero no dejan de actuar estúpidamente y eso resulta molesto. Sobre el monstruo, pues nunca se revela su origen, y eso sí es un gran acierto, se hacen pequeñas hipótesis a lo largo de la obra pero ninguna explica en realidad nada de él, lo cual muchas veces es mejor.

Algo que me gusta mucho y vale la pena destacar es la forma en que este filme se puede compaginar con otros clásicos del género de los Kaiju y que se estrenaron tiempo después, lo que nos habla del impacto de esta película. En una diálogo, uno de los personajes dice que la criatura pudo haber salido de una grieta oceánica, lo que da material para que quienes gustan de teorizar sobre los universos ficticios disciernan sobre si el monstruo de Cloverfield es un kaiju nivel uno del universo de Pacific Rim o por el contrario, es uno de los mutos que Godzilla enfrentó en su más reciente entrega.

Chatarrismo y Scrappunk

Chatarrismo en el Polyforum
Movimiento Polimatérico en el Polyforum, México

En 1971 se inauguró en la Ciudad de México el Polyforum Cultural Siqueiros, construcción que destaca por su forma de dodecaedro y los numerosos murales que rodean el recinto. Uno de estos está localizado sobre la barda perimetral, sobre la que podemos ver figuras humanas estilizadas en la parte alta y padecería de metal en la parte baja. Esta obra es considerada como el antecedente del Movimiento Polimatérico o Chatarrismo en México, una corriente artística caracterizada por el uso de desperdicios como materia prima.

Existen muchos subgéneros de la Ciencia Ficción. Dentro de la literatura, los subgéneros nacen por el uso de una temática específica o la introducción de un estilo narrativo nuevo. Sin embargo, en los medios audiovisuales los subgéneros pueden ser temáticos-ideológicos, estético-parafernálicos o tecnológico-científicos. Los punks retrofuturistas son una excelente prueba de ello, pues tienen un sentido estético específico y una tecnología basada en un combustible en particular que los diferencia del resto. Pero estos elementos siempre son retomados de algún lugar, como la vestimenta victoriana en el Steampunk. El Scrappunk, como parte de estos subgéneros, tiene su antecedente en un movimiento artístico.

Si bien inicié hablando sobre el chatarrismo, no fue el movimiento mexicano lo que dio origen al género. De hecho, como los lectores habituales sabrán, actualmente soy el único bloguero que lo ha usado dentro de la Ciencia Ficción. No puedo decir que yo haya inventado el término, pero sí fui el primero en usarlo como género cinematográfico y en establecer sus características como tal, y ahora hablaré del bagaje artístico que le da legitimidad, pues a diferencia de muchas personas que le ponen el sufijo punk a cualquier palabra e inventan su propio subgénero, yo planeo hacerlo con argumentos sólidos.

El Movimiento Polimatérico se basaba en hacer arte usando como materia prima desechos de metal, pero alrededor del mundo muchos artistas plásticos, profesionales y amateur, han realizado esculturas con todo tipo de basura, siendo el metal el material más común. Para los angloparlantes el término era scrap art (arte con desechos) y empezó a verse no sólo en la plástica, sino en ilustraciones que mostraban artefactos y maquinarias construidos con chatarra; de allí dio el paso a la Ciencia Ficción. Más tarde, cuando el filme animado 9 llegó a la pantalla exhibiendo su propio subgénero, el Stitchpunk, fue cuando noté que cierto tipo de películas de Ciencia Ficción han usado los desechos como materia prima para el desarrollo de su tecnología, idea inspirada en el movimiento artístico y en filmes como Mad Max (George Miller, 1981), que si bien es un derivado del Cyberpunk, hace uso de muchas cosas dentro de su parafernalia que podríamos denominar basura.

También la literatura se ha nutrido un poco de esta peculiar forma de reciclaje, pero sin lograr dar el salto como subgénero en el arte escrito, pues sus características implican principalmente el aspecto visual. Novelas como Ready Player One de Ernest Cline nos narran torres habitacionales de varios pisos de alto construidas con casas rodantes que se apilaban unas sobre otras. Esta reminiscencia arquitectónica retoma obviamente el diseño neobrutalista de Cyberpunk que esta inspirado en la ya destruida ciudad de Kowloon, Hong Kong.

El uso de desechos por parte de las sociedades que protagonizas las obras Scrappunk responde no a una moda ni a un medio de expresión como ocurre en el movimiento artístico, sino a una necesidad surgida de un evento generalmente apocalíptico que acabó con toda la tecnología, la ciencia o las materia primas nuevas, obligando a los supervivientes a usar los desperdicios a su alcance. Es justamente esa visión pesimista y en ocasiones anárquica lo que permite derivar este subgénero del Cyberpunk, pues en esencia aborda los mismos temas pero con tecnología hecha a partir de desperdicios. En otras palabras, el Scrappunk no es otra cosa que el Cyberpunk de la basura.

Dareka No Manazashi

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Título Original: だれか の まなざし (Dareka no Manazashi).
Director: Makoto Shinkai.
Género(s): Drama, Ficción futurista.
Estudio: TripleA.
Emisión: 2013.
Duración: 7 minutos.
Extras:

Con forme pasa el tiempo, la calidad de Makoto Shinkai va creciendo, desde aquellos primeros cortos de pocos minutos hasta sus más recientes largometrajes podemos apreciar la enorme e inigualable calidad que tiene para construir hermosos escenarios, diseñas entrañables personajes e inventar fabulosas y dramáticas historias capaces de hacernos llorar.

En los últimos años, muchos han llamado a Shinkai el nuevo Miyasaki, yo creo que aún está lejos de esa capacidad, pero si alguien puede heredar su puesto es él. Sus obras, que a quienes nos les gusta el drama les parecerán sosas y repetitivas, siempre logran generar en el espectador ese entrañable sentimiento de añoranza y nostalgia que muy pocos directores pueden provocar.

Dareka No Manazashi 1

Su cortometraje más reciente es Dareka No Manazashi, que nos narra las desventuras de un padre y su hija, quienes, a pesar de estar en constante comunicación, se han separado sentimentalmente durante los últimos años, dejando un profundo sentimiento de soledad en los dos. Una desafortunada noche, un querido miembro de la familia muere y los recuerdos desatados por dicha pérdida hacen que padre e hija se vuelvan a sentir unidos.

La animación usa una voz en off para narrar la historia, algo que muchos cinéfilos consideran de baja calidad, pero yo creo que bien usada puede acentuar el tono dramático de una obra. Otro aspecto a destacar es la ambientación, pues si bien los personajes, los escenarios y la música mantienen el estilo que ya estamos acostumbrados a ver de él, la tecnología futurista le da un toque de frescura muy necesario y sitúa a la historia en un contexto temporal cercano a Hoshi no Koe, aunque argumentalmente hablando retoma muchos elementos de sus cortos Kanojo to Kanojo no Neko y Egao, que anclan a la historia dentro del mismo universo en que se desarrollan el resto de sus obras.

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Como en todas las animaciones de Makoto, sus fetiches simbólicos siempre están presentes, los trenes, los cerezos, los cielos nublados y los gatos son parte del desarrollo de la historia. Sin embargo, los años no pasan en vano y ahora la relación padre e hija es lo que permea en sus trabajos más recientes, a diferencia del amor y la amistad que veíamos en sus primeras producciones.

El paso del amor juvenil e infantil de la primera etapa de su carrera al ámbito familiar que ahora nos presenta, no sólo hace de sus obras algo mucho más nostálgico, sino que reflejan, a mi forma de ver, la madurez que está alcanzando este formidable director al que todavía le falta mucho por mostrar.

Pio Films

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Hace unos tres años tuve la intención de hacer una serie de entradas sobre el proceso de animación a partir de la experiencia de un estudio dedicado a ello. En mi búsqueda descubrí que una chica de mi escuela estaba haciendo un cortometraje en Stop Motion. Gracias a ella conocí indirectamente la ardua, larga y laboriosa tarea que implica hacer un trabajo de este tipo. Lamentablemente (o quizás afortunadamente) deseche la idea de hacer esos reportajes para centrarme en algo que me apasionaba aún más, la teoría de género y la Ciencia Ficción, pero seguí de cerca el proceso de animación a través de la página de Facebook del estudio.

Hace pocas semanas, y luego de varios años desde que el estudio iniciara con su primer cortometraje, estrenaron su primer corto, Iluminado. Su proyecto original sigue sin terminarse por diversas complicaciones, pero me da gusto que Pio Films se empiece a dar a conocer el en medio con trabajos, que si bien son más sencillos que el proyecto principal, no dejan de significar una ardua tarea para las integrantes del estudio.

El hecho de poder ver cómo nace un estudio de animación con personas realmente apasionadas por ese arte que pese a todo lo que les ha costado siguen firmes en su propósito de dedicarse a ello es algo que debemos admirar, pero también debemos estar conscientes de las pocas oportunidades que existen para que una persona pueda no sólo dedicarse a hacer animación, sino vivir de ello.

Esta primera estrega tiene algunas fallas menores en cuanto al mensaje que intenta dar, pues está sobre exhibido en la parte final, pero dado que es la opera prima me aparece que cumple muy bien. Esperemos que pronto podamos ver más proyectos de este estudio mexicano independiente, al menos aquí les seguiremos la pista en los próximos trabajos que hagan. Si quieren observar de cerca todo lo que implica el proceso de animación, no olviden visitar la página de Facebook y el perfil, donde podrán encontrar fotografías sobre sus trabajos en proceso, elaboración de sets, información y demás cosas curiosas. Sin más que agregar, les dejo una jocosa (por decir lo menos) entrevista que hace tiempo les hicieron a las chicas de Pio Films y posteriormente su cortometraje.