Reseñas

Inuyasha

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Título Original: 戦国御伽草子 犬夜叉. (Sengoku Otogizōshi InuYasha)
Género(s): Aventura, Romance, Drama, Fantasía, Comedia.
Director: Masashi Ikeda y Yasunao Aoki.
Estudio: Sunrise.
Emisión: 16 de octubre de 2000 – 29 de marzo de 2010
Duración: 193 episodios, divididos en dos temporadas.
Extras: Cuatro películas y un OVA.

La repentina expansión del anime en nuestro país a finales del siglo pasado nos permitió disfrutar de varias series icónicas que terminaron por dejar su marca en nuestra cultura, como el legendario Dragon Ball, Digimon Adventure y los Caballeros del Zodiaco. Existió otra obra intitulada Ranma ½, que más bien era una comedia con tintes románticos cuyo extravagante argumento no tuvo el mismo impacto en los televidentes.

El auge de la animación japonesa en televisión abierta culminó con la llegada del nuevo milenio, reduciendo las trasmisiones a fugaces maratones en fin de semana con horarios inconsistentes. Un buen día, mientras cambiaba rápidamente los canales sin propósito alguno terminé por sintonizar el malsano Canal 7, que para mi sorpresa trasmitía en ese momento una serie de anime con un estilo muy parecido al de Ranma ½. La serie cuenta la historia de un ser híbrido mitad demonio llamado Inuyasha.

Él busca obtener la Perla de Shikon, una poderosa reliquia que otorga poderes sobrenaturales a su portador, para convertirse en un demonio completo. La joya atrae criaturas malignas, por tanto es custodiada por la sacerdotisa Kikyo. Ambos comienzan un romance secreto, pero caen en una terrible trampa ideada por otro demonio. Inuyasha termina durmiendo eternamente debido a un conjuro, y su amada muere, llevándose la Perla consigo al otro mundo.

Quinientos años después, Ahome Higurashi es transportada por el ataque de la Mujer Ciempiés a la “época feudal” a través de un pozo en el templo familiar; allí encuentra a Inuyasha y le libera del encantamiento. Ahome descubre que ella es la reencarnación de Kikyo y debido a su intervención, la Perla de Shikon reaparece cincuenta años después de aquél fatídico incidente, junto con el despertar de muchos demonios que buscan obtener la joya.

Uno de tantos espectros consigue robar la Perla y en un rápido giro de eventos, se rompe en múltiples fragmentos que se esparcen por toda la región. Ahome decide quedarse en el pasado y unir fuerzas con Inuyasha para localizar todos los fragmentos. En su viaje conocen nuevos aliados y enemigos, cuyos destinos están siempre entrelazados por la reliquia. Además de la dura travesía, la protagonista debe regresar regularmente a su propia época para continuar con su vida normal de estudiante.

La trasmisión de la serie no duró más de dos semanas antes de desaparecer para siempre. Cuando al fin tuve la posibilidad de ver televisión por cable descubrí que de hecho ya tenía un buen rato al aire, en el entonces clásico horario nocturno. Logré ver un par de episodios al azar hasta que el bloque de anime desapareció también. Entonces me olvidé de sus existencia hasta hace unos meses, cuando me decidí a conocer el final de ésta historia de una vez por todas.

Yōkai

Inuyasha es la adaptación del manga homónimo creado por Rumiko Takahashi, reconocida artista en el medio y también autora de Ranma ½. La serie tiene esa calidad propia del anime a finales de los noventas, con un estilo  de dibujo dinámico, limpio y con gran calidad en cuanto a banda sonora. Pero lo que en un principio me enganchó al ver esos pocos episodios sueltos hace ya un buen tiempo fueron las voces dobladas a nuestro idioma.

El trabajo de doblaje en Inuyasha es espectacular, realizado indudablemente en México con un elenco de verdaderos profesionales. Son todas esas voces con las que crecimos en los noventas. El doblaje se dejó incompleto en un principio, faltando los últimos siete episodios y los capítulos especiales. Los 26 episodios que conforman la última temporada se terminaron de doblar hace un par de meses este mismo año y probablemente estén disponibles mediante trasmisión on-demand.

Por otro lado, como muchas series de la época que se estrenaron paralelas a la publicación del manga original, la duración del anime es colosal, con casi doscientos episodios, películas, OVAs y especiales. Y es precisamente aquí donde Inuyasha encuentra uno de sus puntos más débiles, el temible relleno. 40 de los 167 episodios originales son relleno en estado puro, con personajes sacados de la manga y pequeñas sub-tramas que no permiten avanzar en la historia.

El principal problema de la primera parte es que la historia es extremadamente repetitiva. Si añadimos más relleno y especiales dobles enfocados en un par de personajes que no representan avance alguno obtenemos una horrible mezcla cuyo principal efecto consiste en sofocar al espectador hasta aburrirlo, en especial cuando nos esperan más de 150 episodios adicionales. El relleno se enfoca en comedia o romance, es aceptable al principio, pero representa un verdadero fastidio más adelante.

Los primeros episodios son magníficos. El mundo en donde se desarrolla está lleno de oscuridad, misterio y leyendas. Se enfocan en reunir a todos los protagonistas así como explicarnos sus motivaciones. A la facción de Inuyasha se suman Shippo, un pequeño zorro demonio, el monje pervertido Miroku y Sango, la exterminadora de monstruos. Kikyo es revivida para seguir con su propia agenda; Koga, un lobo demoníaco y Sesshoumaru, el hermano de Inuyasha buscan volverse más fuertes.

Todos ellos comparten un fuerte resentimiento contra Naraku, principal antagonista de las series. Un demonio con poderes oscuros cuyo único propósito es ver arder al mundo. Conforme cada bando adquiere fragmentos de la poderosa perla, van ganando habilidades para hacerse más fuertes. Naraku termina por obtener la mayor parte y la capacidad de crear nuevos seres que siguen sus órdenes. A su grupo se suman Kanna y Kagura, así como el hermano de Sango, Kohaku, revivido por la Perla.

Aquí comienza un ciclo repetitivo. Naraku obtiene más poder y barre el suelo con los héroes, éstos a su vez se vuelven más fuertes hasta quedar iguales de nuevo. Sango trata de recuperar a Kohaku, pero por alguna razón no lo consigue, Ahome e Inuyasha se vuelven más cercanos, pero Kikyo interfiere en su romance. De vez en cuando ataca otro enemigo sin afiliación, pero rara vez representa una amenaza para los protagonistas y es despachado rápidamente.

Es en estos momentos que otros personajes alejados del conflicto principal aparecen para sacarnos de la pasividad. Sesshoumaru en particular atraviesa un viaje más interesante, donde pasa de antagonista a aliado, sin perder jamás los rasgos que le caracterizan e incluso formando su propia facción que se suma a la incansable cacería de Naraku por sus propios motivos, haciendo alianzas ocasionales con los demás héroes.

Luego de empatar nuevamente con Naraku, el grupo protagonista pierde su rastro y entra a escena un nuevo equipo de villanos: Los Siete Guerreros, malvados mercenarios revividos por la Perla de Shikon. Estos zombis mágicos frenan el avance de Inuyasha y devuelven la frescura a la serie, robando el protagonismo en varias ocasiones con sus personalidades tan variadas. Todos los personajes conocidos desempeñan un buen papel en esta etapa y es muy divertido verlos crecer.

Tras la derrota de Los Siete Guerreros se descubre que también trabajaban para Naraku y que éste se ha vuelto más fuerte tras permanecer oculto durante todo este tiempo. Inicia un segundo ciclo de historia repetida. A la facción rival se suma Hakudoshi, un niño siniestro creado por Naraku que es más fuerte que todo lo visto anteriormente, pero por alguna razón jamás puede acabar con los héroes, a pesar de sus malignas conspiraciones.

En esta etapa es más divertido olvidarse de los protagonistas originales y seguir la interacción entre villanos que resulta ser más interesante por mucho. Kagura y Hakudoshi buscan deshacerse de Naraku, su creador, a la vez que simulan seguir sus órdenes. Se hace evidente que los antagonistas no son una amenaza, pero son ellos quienes realmente mueven la historia. Resulta interesante averiguar cuál será su siguiente plan aunque seguro fracase.

Naraku realiza una serie de experimentos retorcidos para eliminar toda debilidad en su cuerpo, desechando partes que no necesita u obteniendo otras más fuertes. Separa su corazón, que toma forma de niño, y lo oculta con un artefacto mágico. Lleva a los protagonistas a otra de sus excesivamente elaboradas trampas donde la fuerza conjunta de Inuyasha y Ahome termina por superarlo, sin otra opción más que escapar (otra vez). La serie original concluye sin un ganador definitivo.

El Acto Final

La emisión original del anime en Japón terminó en 2004 sin un final en toda regla. En 2008, la autora termina el manga y gracias al apoyo de los fans, un año después se animan los volúmenes restantes de la historia bajo el nombre Inuyasha Kanketsu-hen (犬夜叉 完結編), compuesta por 26 episodios. Por un lado, el argumento soluciona sus principales fallas (repetitivo y muy largo). Irónicamente, a cambio se vuelve confuso en un breve lapso de tiempo.

Kanketsu-hen es como ver un anime completamente diferente. Los grandes adelantos en la industria de la animación se hacen patentes con cada segundo que transcurre en la pantalla. La animación está a la par con series del nuevo milenio y el apartado técnico es de primer nivel. Varios personajes obtienen un diseño más estilizado y actualizado. La mayoría de los involucrados en la serie original vuelven para terminar lo ya empezado.

La historia avanza rápidamente. Las facciones en esta guerra terminan por definirse. Por un lado están el grupo de Inuyasha (compuesto por él mismo, Aome, Shippo, Sango, Miroku y ocasionalmente Koga), Kikyo, Sesshoumaru y Kohaku, quienes forman breves alianzas o siguen por su cuenta, y por otro está la facción de Naraku y sus sirvientes. Todos ellos van coleccionando sus últimos power-ups hasta el momento de la batalla final.

Kanna, Kagura, Hakudoshi y el Corazón de Naraku dentro del Infante son destruidos uno a uno, reemplazados por un último esbirro: Byakuya de los Sueños. Por otra parte, Kikyo es eliminada definitivamente y Koga abandona el conflicto al verse superado. Kohaku y Sesshoumaru hacen una alianza final con los héroes para enfrentar a Naraku, quien usa la Perla para asumir su forma final. Logran vencerle para ganar un merecido final feliz.

Valoración

Inuyasha posee un par de fallas críticas, pero luego de terminar de verla es fácil descubrir porqué al día de hoy conserva su bien merecido séquito de fans, sobre todo en nuestro continente. A pesar de su tremenda duración, cada género que la compone tiene su momento memorable y están en perfecto balance. El romance meloso no desplaza a la aventura, el drama o la acción en ningún momento, sino que logran coexistir en una divertida mezcla.

Es interesante descubrir al final del día que cada personaje tiene razones sólidas para seguir su propio camino, la mayoría de ellos atormentados por la tragedia o el rencor. La comedia no está nada mal, en especial durante las secciones ubicadas en la época actual. El estilo del dibujo es hermoso a la vista y la calidad de animación se mantiene luego de 190 episodios. La música es magnífica, con un tema propio de cada personaje, aunque puede volverse un tanto tediosa en la recta final.

Debido a lo repetitivo del argumento, no es una serie que pueda verse en largas sesiones maratónicas como es común hoy en día, al menos desde mi punto de vista. En cambio, es ideal disfrutarla en dosis diferidas más digeribles aunque nos lleve más tiempo. Gracias a que jamás llega a excesos de violencia o erotismo, también funciona como primer acercamiento al ámbito de la animación japonesa para un público de todas las edades.

Inuyasha es otro clásico contemporáneo proveniente de aquella época en que nuestro país decidió abrirse a nuevos contenidos. Ubicada en un mundo fantástico lleno de vida, cuyos profundos personajes nos hacen partícipes de un viaje memorable, sobre todo los antagonistas, pero al cual debemos proceder con la suficiente paciencia para atravesar (o saltar) todo ese relleno y argumento reciclado que pueden desalentar rápidamente a más de uno.

Persépolis

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Título Original: Persepolis.
Género(s): Drama, Biopic.
Director: Vincent Paronnaud y Marjane Satrapi.
Estudio: Sony Pictures Classics.
Emisión: 2007.
Duración: 95 minutos.
Extras: –

Basada en la novela gráfica de Marjane Satrapi, que a su vez está inspirada en su vida real, ganadora en el festival de Cannes en 2007 y nominada a Mejor Animación en el Oscar de ese mismo año, Persepolis es una película brutal que nos relata la infancia y juventud de una chica Iraní en los años ochenta y noventa, cuando la revolución y la posterior guerra contra Irak asolaron al país.

El estilo de animación no es muy atractivo a primera vista, es simple, serio y con un aire de mucha adultez, lo que inmediatamente genera un sesgo demográfico, pues si bien la historia es sobre una niña, el desarrollo y los temas no son precisamente para el público infantil. Aunque por otra parte, la narrativa que tiene está película debería ser la forma en la que se enseñara historia en las escuelas, pues uno se sumerge en el filme y presta tal atención al contexto sociopolítico de Irán que termina aprendiendo algo de historia, y de una historia que no se enseña en este lado del mundo, la de medio oriente.

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La historia gira en torno a Marjane Satrapi, una niña de 9 años muy impresionable que vive con sus papás en el Irán de finales de los 70, década en la que el país estaba sometido a la tiranía del Sah Muhammad Reza, emperador que llegó al poder gracia a la intervención de los Ingleses, quienes encumbraron a su padre a cambio de petróleo. Si bien su padre fue un tirano, al menos modernizó al país y le dio un gran impuso, cosa que la política opresora de su heredero vino a derrumbar, al grado de hartar al pueblo, que poco a poco incrementaba las protestas contra el régimen alimentado por las ideas comunistas venidas de Rusia y de las teorías Marxistas-Leninistas.

Ese Irán previo a los 80 que retrata el filme es un Irán que difícilmente podemos imaginar en países latinoamericanos, donde la propaganda norteamericana se ha encargado de hacernos creer que desde siempre los pueblos del antiguo Imperio Persa han sido una horda de salvajes terroristas, pero que en realidad tienen un historia más similar a la nuestra que los propios Estados Unidos. Ver cómo era ese país antes de la república islámica y ver cómo nos hacen creer que siempre ha sido me recuerda mucho al manejo de las relaciones con los enemigos que podemos ver en clásico orwelliano 1984.

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Con el pueblo harto por la represión del Sah, las protestas se intensifican y Marjane empieza a interesarse por el comunismo, los presos políticos, las protestas estudiantiles y la exigencia del pueblo por vivir en libertad y democracia. Las redadas se intensificar como medio para que el régimen mantenga el poder y todos aquellos con ideas liberales son encarcelados; eventualmente la revolución parece triunfar. Lamentablemente, cuanto atacas a un gobierno sólo hay dos resultados posibles, o lo quitas del poder o este se endurece y se hace eterno.

Mientras veía los actos de protesta que muestra el filme no podía hacer otra cosa que recordar las innumerables marchas que vivimos día a día en nuestro país y que no hacen otra cosa más que exigir justicia. Cuando la revolución Iraní parecía triunfar un evento externo vino a arruinarlo todo, Saddam atacó Irán y se desató una cruenta y larga guerra entre ellos e Irak. Para hacerle frente a la guerra, el régimen del Sah intensificó su represión con ayuda de la religión; la gente cambió y los velos hoy característicos de las mujeres musulmanas se hicieron presentes.

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Esta parte de la película me parece fascinante, en primera porque vemos el paso de un país medianamente prospero pero con muchos conflictos internos, como el nuestro, a un país en guerra, donde los productos empiezan a escasear, la represión religiosa hacia las mujeres se intensifica y los bombardeos se hacen parte del paisaje cotidiano. El cine está repleto de películas que retratar el holocausto, tanto desde la visión alemana, como desde las visiones estadounidense y japonesa por igual, pero creo que nos hace mucha falta cine que trate sobre las guerras y revoluciones en medio oriente, por la simple razón que están más cercanas a nuestro tiempo.

Las mujeres tuvieron que cubrir su cuerpo por cuestiones religiosas y todas aquellas ideas y productos —ropa, vino, música, entre muchos otros— venidos de occidente eran sencillamente prohibidos. Asistir a una fiesta era arriesgarse a una detención. Las autoridades empezaron a ver en los presos políticos una amenaza, así que para evitar cualquier futuro conflicto las detenciones terminaron e iniciaron los fusilamientos. Cuando combinas el poder militar de un gobierno tirano con el control manipulador de una religión, tienes el régimen más brutalmente opresor que pudieras imaginar.

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El trasfondo sociopolítico del filme es aterrador, pero la forma en la que nos los muestra lo hace totalmente digerible sin dejar de ser crudo. Los picos de comedia seguidos por abismos de desolación están muy bien diseñados, al igual que la animación de sombras inspirada en el expresionismo alemán, que facilita exponer acciones atroces sin volverlas viscerales. Ahora bien, sin importar que tan crudas sean las cosas la vida siempre tratará de seguir su curso.

Debido a las ideas comunistas de la familia de Marjane y a los peligros de la guerra, sus padres deciden mandarla a estudiar a Viena. Su llegada a Europa suaviza un poco el tono de la película y se centra por unos minutos en la vida personal de la protagonista. Lejos de los peligros bélicos tendrá que enfrentar la soledad y el hecho de que sin importan cuanto entienda a esa nueva cultura occidental, siempre será una extranjera. Luego de algunos años sin lograr adaptarse, Marjane regresa a su país, sólo para descubrir que no sólo es una extraña fuera de su nación, sino que ahora que las cosas han cambiado tanto en Irán, también lo es en su propia casa.

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Con el regreso de Marjane a su país vemos la opresión que las mujeres han sufrido a causa del régimen y que a pesar de que la guerra con Irak terminó, al país le constará mucho recuperarse y alcanzar su libertad. El miedo a la guerra borró de la memoria de los jóvenes los ideales por los cuales lucharon sus padres y los hizo querer buscar una felicidad más inmediata y directa en lugar de una libertad permanente. Como bien lo dijo la abuela de Marjane: “el miedo nos duerme la conciencia y nos convierte en cobardes”.

Muchos aspectos de la historia iraní de las últimas dos décadas del siglo pasado me recordaron mucho al contexto social que se vivía en la España de Franco, pero peor aún, me recuerda la realidad actual de mi país, que se encuentra azolado por un enemigo interno y cuyas voces de protesta, denuncia y exigencia de justicia se van apagando ante el miedo a la opresión, los asesinatos o los tantos y tanto desaparecidos. Y aunque el trasfondo político es importante, no debemos olvidar que la película no es otra cosa que la historia de una adolescente siendo adolescente y viviendo esa hermosa aunque conflictiva etapa de la vida.

Daria

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Título Original: Daria.
Género(s): Sitcom.
Director: Glenn Eichler y Susie Lewis Lynn.
Estudio: MTV.
Emisión: Marzo 1997 – Enero 2002.
Duración: 5 Temporadas.
Extras: Is It Fall Yet?, Is It Collage Yet?

Ya lo he mencionado en varias ocasiones, la razón por la que me gusta tanto consumir ficción es por esa emoción que me provocan los finales, cuando sientes ese cansancio físico y emocional como si tú hubieses recorrido el mismo camino que el protagonista. Cuando llego a sentir eso después de ver una serie o película es cuando sé que fue una gran obra, y la última vez que lo sentí fue hace poco, cuando terminé de ver Daria por primera vez.

Ver en un par de días u horas el transcurso de una vida o al menos de una etapa importante siempre me ha resultado muy emocionante, sobre todo porque las emociones de la vida real pasan muy lento y muchas veces no sabemos apreciarlas sino hasta pasados los años al verlas en retrospectiva, o al menos así me pasa a mí. Ver el crecimiento de la sarcástica, asocial e inteligente Daria me trajo viejos recuerdo y varias emociones.

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Como nunca tuve televisión de paga cuando era niño, me perdí la oportunidad de disfrutar de ese viejo y ahora extinto MTV, el que pasaba buena música y series animadas increíbles, soeces, sarcásticas, políticamente incorrectas y grandiosas. Quién de los que pudieron disfrutas del MTV de los 90 no recuerda a Beavis and Butthead, Aeon Flux, Downtown y a quizás la más emblemática de todas, Daria.

Mi primer acercamiento con la serie fue a finales de los 90 principios del 2000, cuando por alguna razón la televisaron en el Canal 4 de Televisa, mucho antes de que se convirtiera en el canal de noticias que es hoy en día. Llegué a ver algunos capítulos de entre la primera y segunda temporada, esos viejos capítulos en español latino que aún traducían de forma literal expresiones como “fresco” en lugar de “cool”, anglicismo que se terminó colando en el habla cotidiana de los mexicanos. Realmente no comprendía mucho de lo que trataba la serie, pero me gustaba, lo cual era un poco raro tomando en cuenta que la serie no estaba dirigida para niños de 10 años.

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Un día cuando ya estaba en la preparatoria, tuve acceso por un par de horas a televisión de paga y casualmente me topé con Daria, así que ya con acceso a internet me puse a buscar los capítulos hasta que, luego de una larga y ardua búsqueda, logré obtenerlos todos, las cinco temporadas y las dos películas, aunque algunas en inglés y otras en español latino. La mezcla de idiomas no me importó, de hecho sigo considerándolo todo un logro, pues la mayoría de episodios todavía los descargué de Ares.

Tuvieron que pasar muchos años para que por fin me decidiera a verla. En mi primer intento sólo llegué hasta la cuarta temporada y luego perdí el interés, pero en estos últimos meses, a falta de otra cosa —y sobre todo de acceso a internet— me decidí a verla de nuevo y me atrapó como nunca lo había hecho. Terminé de ver las cinco temporadas completas por primera vez y las dos películas, y puedo decir que, junto a Malcolm in the Middle, es una de las series que mejor retrata el crecimiento de los personajes de todos los sitcom que he tenido la oportunidad de ver y cuyo final es tan sólido como emotivo (el final de la segunda película, que es el final real).

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La razón por la que me gustaba esta serie es sencilla, me identifiqué a plenitud con el personaje principal, una persona inteligente algo marginada, sarcástica y con pocas aptitudes para socializar con otras personas, pocas aptitudes y poco interés además. Por muchos años desee incluso poder ser tan sarcástico como ella, actualmente creo que lo soy aunque no lo uso tanto. Esa visión cínica y hostil de mundo, ese actuar honesto y la lucha constante por no convertirse en parte del montón siempre me parecieron muy interesantes.

Si bien fue la personalidad de Daria lo que me atrapó cuando niño, no fue lo que me resultó más interesante ya de adulto. Ahora que tuve oportunidad de ver por completo toda la serie pude notar el increíble crecimiento y desenvolvimiento que lograron con la protagonista. De ser una niña huraña y sin amigos, se convirtió en una joven con ciertas aptitudes sociales y férrea convicción e incluso la capacidad para entablar un noviazgo. Las últimas dos temporadas me parecieron fascinantes por ese hecho, ver cómo Daria logró evolucionar al grado de permitirse experimentar e incluso disfrutas de ciertas emociones que en los primero capítulos nunca hubiésemos creído que pudiera apreciar. Y no sólo es en la cuestión personal de noviazgo o amistades en donde crece el personaje, también en su visión del mundo adulto y la forma en que este nos obliga a actuar para lograr nuestras metas, lo que muchas vece conlleva traicionar nuestros ideales.

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Otro aspecto que me encantó fue su relación con Queen. Su frívola y hueca hermana menor siempre le hizo la vida imposible, sumergida en el mundo de la moda, la popularidad y las citas nunca creí que pudiera crecer tanto. En los últimos capítulos vemos que en realidad no era tan hueca ni superficie como parecía, y esos guiños de amor entre hermanas que son apreciables por las pequeñas acciones que hacen la una por la otra son sencillamente maravillosos. Aunque les duela admitirlo a ambas, en el fondo se tenían un gran cariño.

Está de más hablar de la amista y el resto de elementos que representan cada uno de los personajes, desde el psicótico profesor DiMartino o los peculiares padre de familia, hasta la perfecta y servicial Jodie, cada uno aporta un toque esencial para la historia y además cada uno de ellos madura y avanza, ninguno se queda estático, salvo quizás el poco favorecido en intelecto Kevin. Pero sin duda quien se lleva las palmas y da mucho juego a Daria es su mejor amiga Jane. A mí en lo personal me encanta está amistad, pues deja en claro que no importa que tan raro y marginado seas, siempre habrá otro loco como tú con quien puedas entablar amistad para tratar de sobrevivir a un mundo que preferirías no enfrentar.

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Daria es como muchos fuimos durante de adolescencia y creo que eso es lo la hace tan entretenida para algunos. La vida diaria de una chica poco común retratada de una forma bastante común. No creo que haga falta describir de qué se trata, Daria es un icono de los 90 y un grato recuerdo de lo que alguna vez fue MTV. Y como muchas series de ese canal, además del reflejar el vasto universo de los adolescentes, Daria hace varias críticas a la corrupción, al sistema educativo estadounidense, al poder de las empresas, al gobierno, a las diferencias raciales y entre clases sociales, a la monotonía, a la superficialidad y a muchos problemas más que quizás no puedan solucionarse nunca, pero que con forme crezcamos y maduremos aprenderemos a sobrellevar.

En esta ocasión no quise hacer una reseña tradicional, creo que está de más hacerlo con una serie tan vieja y conocida como esta. Por muchos años estuve postergando esta entrada, no creía realmente que valiera la pena escribir de algo que ya ni siquiera está vigente, pero luego de ver la serie de corrido puedo decir que Daria es algo atemporal —al menos para quienes nacimos en los 90— y que refleja una etapa de la vida que seguramente muchos no supimos disfrutamos en su momento, pero que ahora, con la seguridad de los años que nos separan de aquella época, podemos decir: “vaya, mi preparatoria no fue tan mala”.

Altered

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Título Original: Altered.
Género(s): Terror, Ciencia Ficción, Gore.
Director: Eduardo Sánchez.
Emisión: 2006.
Duración: 88 minutos.
Extras: –

Dirigida por uno de los codirectores de The Blair Witch Project (1999), Altered es una de esas pequeñas joyas de terror que suelen pasar desapercibidas para el público en general pero que tienen todo para convertirse en obra de culto entre los amantes del género. Además, pone en la mesa la otra cara de la moneda de las abducciones extraterrestres, esto es, la venganza de aquellas personas que fueron secuestradas y torturadas por seres de otro mundo.

La calidad del filme es muy buena, aunque en apariencia luce como una película Serie B de baja calidad más parecida al VideoHome que a las grandes producciones Hollywoodenses, pero eso cambia cuando llega el momento de disfrutar de los buenos efectos y la excelente caracterización de los personajes, sobre todo con ese muy adecuado uso del gore, que está en la medida perfecta para asustarte y no para generarte nauseas, como suele ocurrir cuando se sobre explota el género sin dar el salto al Splatter. La ambientación musical también es fabulosa, te mete miedo y te deja al filo del asiento listo para saltar en la siguiente escena sorpresiva. La actuación es quizás el punto más débil, pero al menos tres de los personajes tienen un buen nivel de actuación que salva al resto.

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La historia gira en torno a cinco amigos que fueron víctimas de una abducción extraterrestre quince años atrás. Uno de ellos falleció a causa de la tortura perpetrada por los aliens, mientras que el resto sobrevivieron con terribles secuelas. Uno de ellos, Wyatt parece tener cierta habilidad a las que los extraterrestres temen, por lo que decide separarse de sus amigos y ocultarse en el bosque viviendo en la paranoia constante. Los tres amigos restantes deciden tomar venganza y capturar a una de las criaturas que los atormentó años atrás.

El filme inicia justo en el momento en que los tres amigos atrapan al alienígena y lo llevan a casa de Wyatt para que los ayude a esconderse. Los cuatro saben que si matan al alien su especie tomara venganza y exterminarán a la raza humana. Sin embargo, Cody, el hermano del chico fallecido, decide que tomará venganza a toda costa, sus amigos intentan detenerlo pero en el forcejeo el extraterrestre logra escapar. A partir de ese momento el filme se convierte en una cacería constante, los cuatro amigos tendrán que lidiar con la criatura mientras esta trata de aniquilarlos y llamar a los suyos.

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La permisa de la historia es muy simple, nunca se explica mucho de los extraterrestres y sólo conocemos el pasado de los personajes por meros diálogos, lo que en mi opinión es un gran acierto pues mantiene el halo de suspenso y hace que nos enfoquemos en el terror que acontece en ese momento. Prácticamente toda la película transcurre dentro de la casa de Wyatt, lo que genera un leve ambiente claustrofóbico sin llegar a la magnificencia de otras películas como REC. Y si bien recurre a las escenas sorpresivas para asustar al espectador, considero que para este caso es muy válido su uso pues el miedo generado se va trabajando desde momentos antes con la ambientación sonora y la trama en sí.

El extraterrestre es fabuloso, tiene mucha fuerza, poderes hipnóticos, implantes biorgánicos y un diseño que en verdad da miedo, sin olvidar su inherente sadismo. Las escenas gore también son muy buenas, son pocas pero suficiente para darle el toque tétrico y brutal que el encuentro con un alienígena asesino requieren. Además de eso el toque del virus comer carne le da un cierto juego a la historia, aunque es algo exagerado siendo honestos. Igualmente, ese deseo de lastimar y hacer sufrir al alien, deseo que es recíproco por parte de la criatura, genera un ambiente tenso que va muy bien con la historia.

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Puede que la trama no sea la mejor del mundo, ni la más original y que algunas escenas dramáticas estén de más, así como la falta de explicación de algunas otras, pero a pesar de ello es una película entretenida, bien lograda y que asusta. La primera vez que la vi me causó un gran impacto, sobre todo por ese odio enfermo por parte del extraterrestre y ese deseo y aparente disfrute que tenía por hacer sufrir a los humanos. La escena de los intestinos es sencillamente gloriosa y una de mis escenas gore favoritas de todas las que he visto. Es una de las películas que realmente me ha dado miedo.

El uso de marionetas, trajes y maquillaje por encima del CGI es la mejor parte, hace que todo se vea más real, más visceral y crudo, que es justo como una película de terror necesita verse. Las heridas, las torturas y la criatura conservan ese realismo precisamente por no recurrir a la animación por computadora. Simple, sencilla y sin demasiadas pretensiones, Altered es una excelente recomendación para ver en estas fechas de muertos y fantasmas, pues no tiene complejos trasfondos y salta casi de inmediato directo a la acción.

Gremlins

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Título Original: Gremlins.
Género(s): Terror, Comedia.
Director: Joe Dante.
Emisión: 1984.
Duración: 106 minutos.
Extras: –

Dudé un poco sobre si poner esta reseña para Día de Muertos o para Navidad, pero al final consideré que era una mejor opción para estas fechas llenas de terror y monstruos, aunque en esencia Gremlins es una película navideña de terror. Así es, no todo tiene que ser Tim Allen salvando la navidad, también podemos disfrutar de una Noche Buena huyendo de viciosa criaturas que sólo quieren causar caos, muerte y destrucción.

Gremlins no es la gran película de terror, seamos sinceros, pero es un clásico innegable y un referente indiscutible de la cultura pop, sin olvidar que es un filme obligado para todos aquellos amantes del género. Además, fue uno de los primero filmes que conjuntaron el terror y la comedia en una obra irreverente y muy entretenida.

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La historia gira en torno a Billy Peltzer, un joven que trabaja como cajero en un banco y es hijo de un inventor cuyas invenciones siempre resultan ser un fracaso. Durante uno de sus viajes, Randall, el padre de Billy, llega hasta una extraña tienda en Chinatown, allí encuentra una pequeña y tierna criatura llamada Mogwai. Randall insiste al tendero para que se le venda, pero este se niega argumentando que criar a esa simpática criatura requiere de mucha responsabilidad. Al final, el nieto del tendero vende al Mogwai sin que su abuelo se entere. Randall regresa a casa con el regalo perfecto para su hijo y tres sencillas reglas que debe seguir: no exponer a la criatura a la luz, nunca mojarlo y por ningún motivo darle de comer pasada la media noche.

Al regresar a casa Randall da el regalo a su hijo, quien se encariña de inmediato con el Mogwai, a quien ahora llaman Gizmo. El pequeño Gizmo vive feliz con su nueva familia, pero accidentalmente es mojado por Pete, un amigo de Billy. A causa del agua cinco entrañas bolas de pelo salen de su cuerpo y crecen hasta convertirse en nuevos Mogwai, pero su temperamento es muy distinto, pues gustan de hacer travesuras y son más agresivos. Uno de los nuevos Mogwai, el líder, engaña a Billy para que les dé de comer después de media noche y como consecuencia las cinco criaturas se convierten en crisálidas, de las que salen unos viciosos monstruos que empiezan a causar destrozos, la madre de Billy logra exterminarlos pero el líder llega hasta una piscina y crea a toda una horda de gremlins que amenazan la ciudad entera. Billy y su novia Kate deberán de tratar de salvar sus vidas mientras buscan cómo destruir a las criaturas.

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Debemos admitir que la trama y los personajes están llenos de clichés, aunque quizás no era tan estereotípicos en aquel entonces. Además, la película tiene todo el sello de las producciones de Steve Spielberg, pues vemos la típica publicidad por emplazamiento y un retrato muy fiel de la vida cotidiana en estados unidos en la etapa posterior a la guerra fría, donde se favorecía a los productos locales sobre los productos extranjeros. No es casualidad que el coche de Billy sea un Volkswagen (auto alemán) y no funcione. También vemos roles de género muy marcados y numerosas referencia tanto a otras obras cinematográficas como a géneros y elementos de la cultura pop, sobre todo en la escena donde los gremlins están en el bar.

Según la mitología anglosajona, un gremlin es una criatura malévola que se dedica a sabotear maquinarias. Errores de imprenta o fallos en los motores sueles ser atribuidos a estos seres. Partiendo del origen mitológico, los gremlins de la película realmente hacen honor a su nombre, sabotean autos y otros artefactos causando caos e incluso muertes, pero no son precisamente sanguinarios como los Critters, por ejemplo, son más bien traviesos a un punto que resulta letal. Y eso, aunado a los elementos exagerados que rayan en lo ridículo hace que la película sea muy divertida, aterradora y sobre todo entretenida.

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Algo muy importante que no debemos olvidar es que a pesar de lo ridículos que pueden llegar a ser estos engendros, estuvieron perfectamente diseñados. Tienen una etapa infantil, un periodo de crisálida y finalmente una metamorfosis que los convierte en las maniacas criaturas que vemos en pantalla. Para ser un filme de culto pero sin grandes estándares en cuanto a su complejidad argumental y que apela a un retorcido sentido del humor, el diseño de estos seres me parece magnífico, sobre todo porque nunca explican su origen.

Otro elemento aunado al anterior es la calidad técnica. Tomando en cuenta la barrera del tiempo, su calidad es impresionante. Tan sólo el uso de animatronic y stop-motion que debieron requerir escenas como el ataque en las calles, la juerga en el bar o la ida al cine es abrumadora. Actualmente con el uso de CGI y pantallas verdes pueden lograrse resultados extraordinarios, que para un ojo medianamente educado, nunca dejarán de verse falsos. Pero en Gremlins nunca pasa eso, y si bien hay escenas en las que el stop-motion es más que obvio, eso no reduce en lo más mínimo la calidad lograda por el filme, la cual se extiende también al aspecto sonoro, dejando como punto más débil la actuación pero permitiendo que la película se convierta en un clásico obligado por más que sólo la demencia de estas peculiares criaturas.

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Kakurenbo

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Título Original: カクレンボ (Kakurenbo).
Género(s): Terror, Survival-Horror.
Director: Shûhei Morita.
Estudio: CoMixWave Films.
Emisión: 2004.
Duración: 25 minutos.
Extras: –

Kakurenbo es el nombre que recibe el juego del escondite en Japón, el cual tiene diferentes modalidades de juego, cada uno con un nombre distinto. El Otokoyo es una de esas modalidades. Según la leyenda urbana, es un juego que debe ser jugado por siete niños con máscaras de zorro en una ciudad abandonada conocida como Ciudad Oscura, una laberíntica y desolada ciudad donde habitan los demonios. Dicen que todo aquel que juega nunca regresa.

La premisa del OVA es simple, un juego del escondite jugando por siete niños que deberán enfrentar demonios y obstáculos en una ciudad llena de escombros, tuberías y cables retorcidos. A primera vista parece otra obra más donde los niños asumen el papel de víctimas y un inocente juego se convierte en una pesadilla, trama que hemos visto numerosas veces en animes, películas y series desde hace mucho. No obstante, la forma en que los asiáticos manejan el uso de infantes en el terror y los elementos propios del folclor japonés le dan algunos toques de originalidad.

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La calidad de animación no es precisamente mala pero a mí en lo personal no me gustó, algunas escenas se ven por demás artificiales y el CGI se queda muy por debajo de lo que debería estar, La música, por otro lado, es muy buena, logra una ambientación excelente y es lo único que logra generar una pequeña atmósfera de miedo pues la historia en sí no es del todo aterradora. Los personajes tienen muchos clichés y además se limita a correr y esconderse. Afortunadamente hay un aspecto que sobresale mucho, sobre todo para un amante del Cyberpunk como yo, los escenarios. La ciudad en donde juegan los niños es un deleite visual, con casas y departamentos derruidos y hacinados, pasillos laberínticos y oscuros, tuberías y cables retorcidos por doquier.

Los escenarios son espectaculares, la ambientación musical es buena y la premisa de la historia de hecho no es tan mala si nos empapamos del folclor japonés sobre los demonios y las leyendas urbanas. Con todo esto no importaría que la animación fuese mala y los personajes simples estereotipos, el problema es que no logra explotar sus puntos buenos y termina por ser un filme plano y a lo más algo entretenido. Una buena forma de hacerlo más aterrador pudo haber sido poniéndole una buena dosis de gore.

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La historia gira en torno Hiroka, un niño que decide participar en el juego para buscar a su hermana, quien desapareció en el juego anterior. Además de él hay otros siete niños que no tienen mayor relevancia pues sólo sirven de presas para los demonios. Los cinco demonios representan a un demonio en particular de la tradición japonesa, y si bien su diseño no es del todo atemorizante se basa en el referente cultural que tiene Japón de este tipo de seres. Lamentablemente sus habilidades tampoco se explotan y no vemos todos los horrores que en teoría serían capaces de desatar.

En mi opinión el OVA es entretenido aunque está muy lejos de ser la gran obra de terror que su potencial le hubiese permitidos ser y creo que el principal problema es que no logra generar esa atmósfera de miedo en el espectador como si lo hacen obras de corta duración como Nekogaroshi-hen, aunque el miedo que produce está cimentado en la serie de Higurashi, pero aun así es un poco más tenebroso que este corto. Yo espero ver algún día algo mejor logrado en esos espectaculares escenarios, inspirando a todas luces en la extinta ciudad de Kowloon. Por cierto el final está más o menos rescatable.

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Black★Rock Shooter (2012)

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Título Original: ブラック★ロックシューター (Burakku Rokku Shuutaa)
Género(s): Drama, Acción, Psicológico, Fantasía.
Director: Shinobu Yoshioka.
Estudio: Ordet.
Emisión: 2 Febrero 2012.
Duración: 8 Episodios.
Extras: OVA

Dos años después de aquel OVA vacío aparece una segunda versión animada ambientada en el mundo de Black Rock Shooter. Más adelante se haría patente que cada adaptación del personaje arranca desde cero con su propio universo o personajes secundarios; pero para esta ocasión, muchas de las personas responsables de la creación de la primera aventura regresan bajo el mismo estudio para probar suerte una segunda vez.

La versión de 2012 es una serie animada de ocho episodios de media hora que intenta rescatar el argumento flojo de la OVA al ampliarlo lo mejor posible. El resultado es una historia un poco más coherente y profunda, enriquecida con impresionantes secuencias de acción. Todos los personajes que ya conocemos regresan con un aspecto actualizado; aquellos que aparecieron por breves instantes reciben un papel más prominente y se suman nuevos elementos al elenco.

Mientras que el punto focal del argumento continúa siendo la amistad entre Mato Kuroi y Yomi Takanashi, a su alrededor se teje una serie de historias paralelas que involucran a los demás personajes. Existe una narrativa por arcos donde Mato conoce a nuevas personas, surge un pequeño conflicto y Black Rock Shooter termina por resolverlo en ese otro mundo extraño de la forma más violenta posible. Los protagonistas humanos son básicamente idénticos a los del trabajo original.

Black Rock Shooter recibe una actualización de estilo más que bienvenida y se muestran varias facetas de su personalidad, inexistente en el OVA. Su rival, Dead Master, tiene un cambio radical en apariencia más en línea con el argumento y Black Gold Saw pasa de un simple cameo a un interesante papel neutral en los episodios finales. Se suman dos nuevas rivales con ese atractivo estilo propio del autor, además de añadir un trasfondo a ese peculiar mundo que habitan todas ellas.

Sin embargo, a pesar de la buenas intenciones los segmentos de vida escolar siguen siendo extremadamente aburridos, con un enfoque en el drama aún más forzado, a tal grado que resulta cómico en varias ocasiones. La trama es confusa por momentos y además los dos últimos episodios dan un par de giros un tanto desconcertantes. Afortunadamente, hacen un buen trabajo al cerrar la historia y en esta ocasión existe al menos un final definitivo, aunque poco original.

De nuevo se alterna entre protagonistas, mientras Mato atraviesa el drama de la realidad, Black Rock Shooter se encarga de aniquilar todo a su paso. Los saltos entre secuencias están mejor logrados, de nuevo son fugaces y la mayoría carece de diálogos, pero se complementan entre sí de forma aceptable. Existe un marcado aumento en la calidad de animación, los cambios a modelos tridimensionales son casi imperceptibles y el ritmo de la acción se mantiene en todo momento.

Black★Rock Shooter de 2012 es un trabajo peculiar. Trataron de pulir sus ideas para aumentar la calidad lo mejor posible. En cierta medida lo consiguieron: el apartado técnico es impecable, las batallas son magníficas, la banda sonora es muy buena, el nuevo diseño de muchos personajes agrega frescura, los actores de voz son de primer nivel y el flujo de la trama mejora de forma considerable. Pero es precisamente éste último el punto más débil de la obra.

Es una serie que conserva un concepto original respaldado por un excelente apartado visual, pero cuyo pobre argumento y mitología poco atractiva termina por decepcionar a más de uno. De nuevo transmite un fuerte mensaje de amistad y superación; pero aunque es posible identificarnos con algunas facetas del drama escolar, luego de verla la primera vez, quizás sea mejor idea aprovechar la opción que existe de desechar todo ese cansado slice of life para disfrutar únicamente las secuencias de acción.

Spoilers:

Black★Rock Shooter

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brs

Título Original: ブラック★ロックシューター (Burakku Rokku Shuutaa)
Género(s): Drama, Acción, Psicológico, Fantasía.
Director: Shinobu Yoshioka.
Estudio: Ordet.
Emisión: 24 Julio 2010.
Duración: 50 Minutos.
Extras: Anime (8 Episodios)

A finales de la década pasada comenzaron a circular en la red varios dibujos con un estilo muy interesante. Todos ellos mostraban a una misteriosa chica de cabello negro portando una peculiar flama azul sobre uno de sus ojos. Los decorados de dichas obras abarcaban desde sencillos patrones monocromáticos hasta elaborados paisajes de corte post-apocalíptico, a veces mostrado a otros personajes de rasgos similares. A los pocos meses, las imágenes se volvieron escasas hasta casi desaparecer.

Investigando un poco descubrí que el nombre de la chica era Black Rock Shooter, salida de una única ilustración obra del artista conceptual Ryohei Fuke (también conocido como huke). Su trabajo fue del agrado de una banda independiente con la que colaboró para lanzar un vídeo musical protagonizado por el personaje usando el ahora famoso software de síntesis de voz, Vocaloid. El vídeo pronto se volvió viral en su país de origen, generando multitud de fanarts.

En 2010 se lanza una animación basada en el vídeo, cuyo desarrollo fue monitoreado de cerca por los fans desde que fuera anunciada el año anterior; aunque el autor estaba en el proyecto desde el principio, resultaba curioso imaginar qué tipo de obra surgiría al adaptar tan escaso material original. Tenían nuevos personajes con un estilo visual muy atractivo y la posibilidad de crear un universo que les hiciera justicia. Pero el resultado final dista mucho de lo esperado; con tanto potencial ¿qué salió mal?

El OVA nos muestra la vida cotidiana de la alegre Mato Kuroi, una adolescente en su primer día de escuela, quien conoce a Yomi Takanashi, una chica nueva en el vecindario y ambas se vuelven mejores amigas. Sin embargo, la popularidad de la primera aumenta conforme trascurre el ciclo escolar. Luego de unos meses ambas son separadas al pasar a segundo año; Mato sigue haciendo nuevos amigos, mientras Yomi se siente desplazada y desarrolla un fuerte rencor hacia su amiga.

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De forma paralela, presenciamos el solitario viaje de Black Rock Shooter a través de un mundo muerto. Atraviesa diferentes parajes desolados con el objetivo de llegar hasta la guarida de su más reciente adversario, Dead Master. Ambas entidades comienzan un feroz combate que en cierta medida refleja los acontecimientos de la otra realidad. Gracias a sus esfuerzos, Dead Master es derrotada y la relación entre ambas amigas vuelve a la normalidad.

La calidad de animación es muy buena, ya sea durante el slice of life con apacibles protagonistas bien diseñados o las dinámicas escenas de acción sin diálogos ambientadas en multitud de intrigantes entornos detallados. El tema musical del personaje principal aparece en multitud de ocasiones para satisfacer a los entusiastas del Vocaloid, empleando distintos estilos. Los actores de voz y efectos sonoros son todos de primer nivel.

El OVA alterna entre largas porciones de dramática vida escolar y las fugaces apariciones del personaje titular. Se debe puntualizar que el argumento es aburrido; trasmite un mensaje muy fuerte de amistad y es evidente que los creadores se esforzaron lo mejor posible para dar un enfoque más original al material primigenio; pero en consecuencia, las secciones que en teoría son las más importantes terminan como una molestia para el espectador.

Las protagonistas hacen un buen trabajo y llegamos a identificarnos con ellas por momentos; a cambio, Black Rock Shooter aparece en pantalla durante menos de diez minutos en diminutas dosis, que parecen más bien una recompensa por soportar la otra parte de la historia. Al final, este trabajo resulta decepcionante para tratarse del debut de un personaje tan popular. El concepto, sin embargo, seguiría latente para dar nacimiento a una nueva versión extendida que vendría después.

Susurros del Corazón

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Título Original: 耳をすませば (Mimi wo sumaseba).
Género(s): Romance, Drama.
Director: Yushifumi Kondo.
Estudio: Ghibli.
Emisión: 1995.
Duración: 111 minutos.
Extras: Neko no Ongaeshi.

No es muy común en obras de Ghibli representar la vida cotidiana de la gran ciudad, por lo general estamos acostumbrados a ver mundos fantásticos donde la magia lo rige todo o pequeños y apacibles poblados donde la vida aún es calmada y pacífica. Sin embargo, Susurros del Corazón, película basada en la obra original de Aoi Hiiragi, nos sitúa en un ambiente completamente urbano, con una familia que vive en un pequeño departamento y toma el tren como principal medio de transporte, pero que a pesar de la urbanidad, aún puede sentirse ese toque rural y mágico que permea en todas la obras del estudio.

La calidad del filme es muy buena, como todo trabajo de Ghibli. Los personajes están muy bien diseñados y la calidad de animación es formidable. Los escenarios están perfectamente logrados y realmente te sitúan dentro de una ciudad, además, pese a que la película ya tiene sus años siguen luciendo muy actuales. La calidad musical, por su parte, es asombrosa, la canción principal logra transportarnos a lugares rurales algo antiguos sin salir de la ciudad y al mismo tiempo hace de la urbe un lugar más cálido y hogareño de lo que es realmente.

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La obra gira en torno a Shizuku Tsukishima, una adolescente fanática de los libros que pasa sus vacaciones en la biblioteca. Un día, descubre que un tal Seiji Amasawa ha leído los mismos libros que ella, lo que despierta su curiosidad por saber cómo es aquella persona. Durante sus vacaciones conoce a un chico por accidente que le cae mal quien para su mala suerte resulta ser el mismísimo Seiji. Antes de descubrir la identidad del chico Shizuku se topa con un extraño gato, al que sigue hasta una peculiar tienda de antigüedades, donde conoce al abuelo de Seiji y descubre que el chico, además de leer, es un fanático de la música y que lo que más desea en la vida es convertirse en un fabricante de violines. Las metas que Seiji se ha fijado le hacen reflexionar sobre su propia vida y lo que ella desea hacer de grande, así que inspirada por su nuevo amigo decide probar suerte en la escritura.

Además de la historia que describe los sueños y paciones de los personajes, tenemos una singular y divertida subtrama de romance. Yuko, la mejor amiga de Shizuku, está enamorada de un chico, pero este chico, a su vez, está enamorado de Shizuku, lamentablemente para él, ella no le corresponde. A su vez, Seiji revela que ha leído todos esos libros con la intención de que Shizuku se fijara en él, pues hace tiempo que está enamorado de ella. Shizuku empieza a cambiar los sentimientos de desprecio que tiene hacia Seiji y termina enamorándose de él, sobre todo por esa determinación que él tiene de saber qué es lo que desea hacer con su vida, cosa que ella no ha logrado descubrir.

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Al pasar de los minutos, la historia se transforma de una especie de Slice of Life urbano a una tierna y levemente dramática historia de amor. Seiji se va a Italia por dos meses para descubrir si tiene talento para fabricar violines, mientras que Shizuku se queda en casa escribiendo una historia de fantasía y amor protagonizada por el Barón Humbert von Gikkingen, una curiosa figura felina que es el mayor tesoro del abuelo de Seiji. Sin embargo, si ambos triunfan en sus propósitos tendrán que separarse de nuevo por mucho más tiempo.

La historia es realmente muy sencilla y tiene algunos errores que podemos pasar por alto. No obstante, hay varias cosas que podemos rescatar, la principal es esa etapa de descubrimiento de nuestras paciones y metas personales. En la historia Shiro Nishi, el abuelo de Seiji, le dice a Shizuku que ambos son como como diamante en bruto, que sus obras son aún burdas y ásperas, como una piedra, pero que con la práctica eventualmente lograrán convertir su arte en verdaderas piedras preciosas. A mí en lo personal me gustó mucho que algunos de los personajes tuvieran muy en claro lo que querían hacer con su vida mientras que otros no tuvieran ni idea, y sobre todo el hecho de que es la práctica, más que otra cosa, lo que te hará ser bueno en algo.

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La parte de la historia de amor me parece que flaquea en muchos puntos, pero es muy tenue, tierna e inocente y no necesita de grandes actos de amor que caigan en lo meloso, a pesar de que los tiene. También el hecho de que la historia de amor más enternecedora no sea la que toma lugar entre los dos personajes principales sino entre dos personajes secundarios me parece un gran acierto, pues finalmente nuestros protagonistas son aún unos niños y sus dramas románticos se limitan a divertidos triángulos amorosos que seguramente nos recordarán nuestra etapa de secundaria y aquellas primeras desventuras de cuando alguien nos gustaba.

Susurros del Corazón es una obvia historia de amor que en un principio no parece serlo, además de que se sale un poco de la línea tradicional de las obras de Ghibli, pero a pesar de ello es muy buena. Además, lo que más destaca de este filme, para mí, es que contiene mi canción favorita de todas las obras de Ghibli que he visto hasta el momento (Country Road en su versión cantada por Shizuku) y mi escena favorita de todas las obras de Ghibli que he visto hasta el momento, esa en la que Shizuku se pone a cantar mientras que Seiji toca el violín acompañado de su abuelo y un par de sus amigos.

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TIE Fighter

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Título Original: Star Wars: TIE Fighter
Género(s): Seinen, Acción, Mecha.
Director: Paul Johnson.
Estudio: N/A
Emisión: 24 Marzo 2015.
Duración: 7:27 Minutos.
Extras: –

La saga de Star Wars es una de las más influyentes en la historia de la ciencia ficción. Con una nueva trilogía en proceso, además de numerosos proyectos tie-in, su futuro está asegurado en los años venideros y posiblemente seguirá siendo motivo de inspiración para millones de personas. Su fandom es uno de los más variados; los seguidores se han encargado de rellenar los vacíos entre películas, creando nuevos personajes e historias.

No soy un gran seguidor de Star Wars, aunque he visto todas las películas varias veces, en gran medida debido a que el aspecto que más me llama la atención, los villanos, son de los más incompetentes que he encontrado jamás. Gracias a la llamada plot armor, sus protagonistas son prácticamente invencibles y pueden acabar con multitud de enemigos a pesar de la obvia ventaja que éstos tienen, ya sea por sus recursos o por su número.

En la trilogía original, el Imperio es el antagonista principal y a excepción de sus dos comandantes, Darth Vader y El Emperador, todas las demás fuerzas imperiales son un montón de carne de cañón para que el héroe en turno se  luzca. El Efecto Stormtrooper es bien conocido por todos los fans, ridiculizando a los temibles soldados quienes jamás podrán hacer que uno de sus disparos acierte a pesar de estar a escasos metros de su objetivo.

En las precuelas, los soldados imperiales son reemplazados por los hilarantes droides de la Confederación de Sistemas Independientes, que terminan como algo cómico a lo mucho y en ningún momento representan una amenaza a los héroes dentro del canon. Varios proyectos han tratado de devolver un poco de dignidad a estos villanos, en su mayoría videojuegos como Battlefront o cortometrajes hechos por fans en casa. La animación que ahora nos ocupa es uno de los mejores ejemplos.

TIE Fighter es un corto animado con poco más de siete minutos de duración creado por Paul Jonhson basado en el videojuego del mismo nombre lanzado en 1994, empleando un diseño muy parecido a ese anime mecha de los ochentas como Macross, Robotech o Gundam. El dibujo y animación es resultado del trabajo de un solo hombre durante cuatro años, con música de Zakir Rahman y efectos de sonido a cargo de Joseph Leyva.

El argumento aborda una de muchas batallas entre el Imperio y las fuerzas de la Rebelión. Una flota es descubierta por una sonda y pronto ambos bandos se enfrentan en el espacio profundo cerca de un campo de asteroides. El combate es equilibrado al inicio; pero pronto las fuerzas rebeldes son aplastadas por la superioridad imperial, todo narrado con impresionantes gráficos de una calidad que rivaliza con la de cualquier estudio profesional.

Seguimos a tres pilotos imperiales que utilizan los tres modelos diferentes de caza TIE para darnos un verdadero festín visual mientras destruyen a sus enemigos. La animación es muy dinámica, aunque tiene varios detalles en las facciones de los personajes y en el movimiento de los soldados cuando abordan las naves. La obra no tiene voces, todo es narrado por la genial banda sonora y los exquisitos efectos de sonido extraídos de fuentes oficiales.

El corto es una verdadera joya para todo fan de la animación en general y gana un poco de valor adicional por mostrar al fin la victoria del bando imperial; todo sin sables láser, Fuerza, trucos mágicos o política. Una gloriosa batalla espacial que nos recuerda un poco el porqué del título de la franquicia y seguramente servirá de inspiración para muchos artistas novatos que deseen superar la increíble calidad impuesta por este trabajo en un futuro.