Drama

En la cuerda Floja

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Título Original: The Walk.
Género(s): Drama, Biopic.
Director: Robert Zemeckis.
Emisión: 2015.
Duración: 123 minutos.
Extras: –

A diferencia de lo que pasará en la siguiente reseña (sí, escribí la siguiente reseña antes que esta y que la anterior, pero las publiqué en el orden en que vi las películas) mientras cambiaba de canal vi lo que parecía ser el inicio de una película que me pareció ya había visto, aunque la parte que vi era quizás el final de dicha película, pero ambas eran sobre un tipo caminando en la cuerda floja y no creo que haya muchas con la misma temática así que concluí se trataba de la misma, ya que recordaba a ese sujeto cruzando entre dos edificios con su cuerda en un asombroso acto de equilibrismo.

Esa breve escena que recordaba haber visto no me interesó en aquella ocasión así que eso me predispuso a no querer ver esta, así que seguí cambiando de canal pero de tanto en tanto regresaba a ver un poco de esta ya que no había nada bueno. Al final terminé dejándole en ese canal y me maravilló cómo una historia sobre un equilibrista tratando de hacer actos cada vez más arriesgados podría ser tan envolvente y hasta épica, con un grado de emoción y acción que no esperaría ver de un acto circense ambientado en los años 70.

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La historia se basa en la historia real de Philippe Petit, un equilibrista francés que en efecto realizó las hazañas mostradas en el filme, así que podría decirse que es una especie de Biopic. Philippe nos es mostrado desde sus inicios en el arte circense cuando aprende los secretos del equilibrismo por parte de Papa Rudy, luego realiza sus actos en la calle donde conoce a Annie, quien se convierte en su primer cómplice luego de que le cuenta su sueño que caminar entre las Torres Gemelas en Nueva York, más tarde conoce a un fotógrafo Jean-Louis quien se anexa a su equipo.

Para prepararse para su hazaña decide empezar con actos más pequeños, al tiempo que otro miembro se integra a su equipo. Philippe viaja a Nueva York donde recluta a más personas y realiza una vigilancia a fondo de las torres, que aún se encontraban en construcción en ese entonces, para buscar la forma de montar su acto, ingresar el equipo necesario y cumplir su sueño. Así por varios minutos vemos al protagonista a sus amigos hacer los planes más metódicos para prepáralo todo, calcular cómo pasaran los cables entre las torres, cómo llegaran al piso superior, entre otras cosas.

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Todo el plan está tan bien diseñado y se presenta de una forma tan emocionante que pareciera que estamos viendo una película de acción sobre espionaje, un robo o detectives, ya que cada posible factor es pensando antes de dar el golpe. Y lo más emocionante viene al momento de llevarlo a cabo, ya que ocurren eventualidades que le aportan más emoción y hacen que quedes enganchado a la pantalla viendo si su plan resultará y Philippe logrará realizar su acto o si algo saldrá mal y no podrá hacerlo o peor aún, el equipo fallara y caerá al vacío hacia una muerte segura.

En verdad que por momentos la película pareciera algo al estilo misión imposible, pues más que el acto en sí, es la elaboración de cómo lograr llevarlo a cabo lo que más se disfruta, y el hecho de estar ambientada décadas atrás le da un toque aún más particular. La película me gustó más de lo que hubiese esperado dados los recuerdos que tenía, es entretenida y tiene una emoción particular que se genera cuando tratas se hacer algo de forma secreta y con el tiempo en tu contra, donde además un error en todo el procedimiento podría tener consecuencias fatales. Sin olvidar que la recreación de los años 70, las actuaciones y la música están a muy buen nivel.

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Boulevard

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Boulevard 1

Título Original: Boulevard.
Género(s): Drama.
Director: Dito Montiel.
Emisión: 2014.
Duración: 88 minutos.
Extras:

Soy de esos típicos que tienen la manía de andar cambiando de canal a cada rato, o lo era cuando veía televisión y mis horas frente a la pantalla no habían sido absorbidas en su totalidad por los servicios de Streaming y YouTube. Pero durante los últimos días de diciembre pasé un tiempo frente a la televisión de paga y, mientras cambiaba de canal buscando algo que me interesara, llegué a una película ya empezada donde salía Robin Williams, actor cuyas películas generalmente me agradan y que a raíz de su suicido me ha parecido más interesante.

La historia mostraba a Nolan, un hombre monótono a quien Robin logra dotarlo de una personalidad en la que se hace evidente la frustración en la que vive. Nolan trabaja en un banco desde hace muchos años y no parece tener metas en la vida, incluso su matrimonio parece ser una fachada pues en el fondo ni él ni su esposa parecer estar gozando de una vida plena, aunque la relación entre ambos parece ser muy respetuosa y frente a sus amigos parecen tener un matrimonio estable.

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Las cosas cambian cuando Nolan sale a dar un paseo y termina en un calle que no conoce, donde jóvenes ofrecen sus servicios sexuales. Leo, uno de esos chicos, se acerca al auto de Nolan y se sube con él para ir a un hotel. Sin embargo, pasan el tiempo por el que Nolan ha pagado platicando, sin tener relaciones, pues si bien a nuestro protagonista parece gustarle aquel jovencito lo que en realidad necesita es expresar sus emociones y tener a alguien con quien platicar sin que deba fingir ser alguien que no es, como lo ha estado haciendo toda su vida, pues a pesar de querer a su mujer, ella no satisface sus verdaderas necesidades emocionales.

Aquí es donde la actuación de Williams se hace majestuosa, pues logra hacernos notar que Nolan sufre en lo profundo de su ser por sus necesidades emocionales, ya que si bien la historia nos muestra a un hombre maduro afrontar sus preferencias sexuales y aceptar su homosexualidad no es la parte física lo que desea satisfacer, ya que nunca él y Leo nunca intiman, de hecho Nolan adopta a Leo y empieza a cuidar de él, dándole dinero para pagarla a un tipo que lo amenaza y consiguiéndole un trabajo para que deje la prostitución.

Boulevard 3

Esa relación entre ambos sí es equiparase a la del sugar dady en su versión heterosexual, ya que es el hombre que conoce a una sexoservidora, se enamora de ella y quiere tener una relación y sacarla de trabajar, le da regalos o la lleva a cenar. Aquí se ve un poco eso, más allá del sexo la necesidad de Nolan de expresar esos sentimiento por otro hombre eran lo que en verdad necesitaba, al final como en toda relación con alguien a quien se le paga por sexo, las cosas salen mal entre ambos, pero eso le permite al protagonista crecer, aceptar su realidad y por fin vivir la vida que le corresponde, sin ocultarse tras una fachada que lo hace infeliz y le han generado esa desdicha y frustración que Robin Willian interpreta de forma excelente, pues ese hombre extraño y retraído podría reflejar que tal vez Robin en el fondo ya vivía infeliz.

La película retrata la salida de un hombre homosexual ya entrado en su madurez, un hombre deprimido por lo mismo y que es destacable por el impecable trabajo de Williams, fuera de eso la historia está bien, me recordó un poco al filme mexicano Cuatro Lunas, sobre todo a la última historia donde un hombre mayor, casado y con hijos, se enamora de un joven que igualmente ejerce la prostitución. Pero más allá de la homosexualidad, personalmente considero que parte de esa frustración y depresión en el personaje se debía a su incapacidad de expresar sus sentimientos de la manera que él necesitaba y eso es un detalle a destacar en esta historia.

Robin Williams

El filme fue el último trabajo que hizo William para la pantalla grande, de hecho cuando terminó y vi la fecha me resultó más significativa su interpretación sabiendo que se entrenó el mismo año de su muerte. Aunque el propio guionista ha dicho que fuera del personaje no era evidente una actitud depresiva por parte del difunto actor, no obstante, es algo que —como espectadores— no podemos evitar relacionar. Y si bien Robin Willian es conocido como un actor de comedia, creo que sus mejores interpretaciones han sido en obras dramáticas.

Si bien la película no es la gran obra del cine con temática LGBT+ a mí me pareció inesperado ver a Williams interpretando a un homosexual, ya que lo hemos visto hacer de todo, a un niño en Jack (1996) o al raro acosador Seymour Parrish en Retratos de una Obsesión (2002), que de hecho la rareza de Nolan me recordó a este último, pero verlo interpretar a alguien gay fue lo que me atrajo más y me hizo seguir viendo la película, pues ver lo camaleónicos que pueden ser algunos actores para este tipo de interpretaciones es parte de esa magia del cine que te logra atrapar, lo mismo me pasó con Tom Hanks en Philadelphia (1993). Una película con una historia buena a secas pero una excelente actuación.

Boulevard 6

Afer The Rain

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After the Rain1

Título Original: 恋は雨上がりのように(Koi wa ameagari no you ni)
Género(s): Drama, Romance, Slice of Life, Chick-Flick.
Director: Ayumu Watanabe.
Estudio: Wit Studios.
Emisión: 2018.
Duración: 12 episodios.
Extras: –

Revisando el catálogo de anime en Prime Video descubrí esta pequeña joya. Cuando me enteré hace años de que se adaptaría la historia del manga de Jun Mayuzuki y leí la sinopsis de la historia me interesó de inmediato, pues no es muy común que se aborden relaciones románticas ente chicas de 17 años y hombres de 45, así que con esa simple premisa la anoté en mi lista de “animes que espero ver algún día”, y cuando la encontré en el mentado servicio de streaming no dude en verla de inmediato.

La serie me dejó un muy agradable sabor de boca y de hecho me gustó tanto que se ganó un lugar en mi top 10 de anime favoritos, pues si bien en una historia de romance con toques de chick-flick y con formato Slice of Life, nos muestra personajes muy agradables que viven un momento difícil en sus vidas y con un pasado cuyo peso les hace sentirse perdidos, pero el vago romance que se perfila entre ambos es suficiente para darles un aliciente para salir adelante. Siendo honesto pensaba que la historia explotaría más el morbo de la diferencia de edad, pero de hecho es una historia muy tierna y limpia, que aboga a los sentimientos puros e inexpertos de la protagonista, pero que logra dar un vuelco para mostrarnos también la vida y problemas del su contraparte masculina.

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La historia gira en torno a Akira Tachibana, una chica de 17 que formaba parte del equipo de atletismo en su preparatoria, el cual tuvo que abandonar cuando sufrió una lesión en el tendón de Aquiles que la incapacito para correr. Sintiéndose desanimada por dejar el equipo y sobre todo porque era la mejor y tenía el record más rápido entre sus compañeras, decide refugiarse en el trabajo y se incorpora como mesera en un pequeño restaurante familiar a cargo del señor Masami Kôndo, un hombre de 45 años divorciado y con un hijo.

Tachibana termina por enamorarse del señor Kôndo y termina por declararle sus sentimientos. Su jefe al tomar en cuenta que es mucho menor no le da entrada pero acepta tener una cita con ella, lo cual desencadena una amistad entre ambos y su mutua compañía y apoyo les ayuda a salir adelante, Tachiba adquiere la fuerza para afrontar su lesión y el señor Kôndo recupera el coraje y la motivación para retomar su sueño, ser escritor. Así, sin elementos sexuales ni eróticos vemos cómo el amor tierno e inocente se convierte en el apoyo vital de ambos personajes y eso para mí fue lo más hermoso de la serie.

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Se pueden discutir varias cosas sobre el anime, de hecho da para hacerlo a pesar de que en apariencia no es tan profundo, pero eso lo dejo para otra ocasión pues la serie me gustó tanto que sin duda pienso hablar de ella de nuevo aquí en el blog y quizás en algún momento también en el podcast. Pero una de la cosas que sí puedo mencionar es que si bien la protagonista es una menor de edad la serie logra un mejor enchanche con un público mayor, entres 25 y 35 años, pues ya con esa edad es posible empatizar con ambos personajes, con la idílica atracción de Tachibana por su jefe causada en parte como mecanismo para sobrellevar su depresión producto de su lesión y con la desesperanza y perdida de esos deseos de juventud del señor Kôndo, quien llegó a una edad en la que decidió simplemente olvidar sus sueños y vivir el día a día en la monotonía de la rutina y el trabajo.

Una de las cosas que más me gustaron fue justo que si bien Tachibana siente algo muy intensó por su jefe al grado de que es ella quien da el paso de declararle sus sentimiento lo hace de una forma torpe y espera que ser correspondida de una forma en delata su inmadurez, algo que todos hemos pasado, pues cuando jóvenes creemos que las relaciones románticas deben ser de cierta forma y cuando crecemos nos damos cuenta de que no, además de que las necesidades afectivas cambian con la edad, por eso me gustó la serie, porque esa sola presencia y cercanía de ambos personajes es suficiente para cambiarlos, sin apelar a nada romántico ni sexual, aunque no deja de haber ciertas menciones muy discretas al respecto.

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También es importante mencionar cómo al principio todo se enfoca en Tachibana, pero luego se da el tiempo suficiente para que también conozcamos al señor Kôndo y entender cómo es su vida, por qué acabó como gerente en lugar de perseguir su sueño y cómo el paso de los años y la perdida de la juventud puede empezar a pesar tanto que te hacen entrar en una espira depresiva. Y aunque la serie no es deprimente para nada, ninguno de los dos personajes está realmente feliz y es esa búsqueda de la felicidad lo que se aborda en la historia, que como buen Slice of life nos muestra una etapa difícil en ambos protagonista, quienes empiezan a cambiar gracias el encuentro entre ambos.

Cambe mencionar que la animación me gustó mucho, el diseño de personajes cae en lo genérico del anime actual pero le va muy bien, los escenario cumplen y ese juego de representar las emociones con el clima lluvioso le da un toque adecuado de sentimentalismo medio simbólico que resulta agradable, además de que las escenas de lluvia y cielos con nubes personalmente me suelen gustar. Y hablando de los aspectos técnicos, la música es maravillosa, hace mucho tiempo que no me gustaba tanto un ending y aunque el opening no se queda atrás, es Ref:rain de Aimer como canción de cierre la que más me gustó, tanto que no he podido dejar de escucharla desde que empecerá ver la serie, incluso me ayudó a superar la adicción a One Last Kiss de Utada Hikaru. Sin duda una historia grandiosa que recomiendo a todos a quienes les gusten los animes de romance ligero con un leve trasfondo triste y una poco convencional relación entre una chica de 17 años y un hombre de 45.

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El juego del Calamar

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El Juego del Calamar 1

Título Original: 오징어 게임 (Ojingeo Geim).
Género(s): Drama, Suspenso.
Creador: Hwang Dong-hyuk.
Emisión: 2021.
Duración: 9 episodios.
Extras: –

Tuve que ver dos veces la serie antes de escribir sobre ella, y no fue tanto porque fuese difícil de entender o en extremo profunda, a pesar de que aborda temas socioeconómicos muy particulares de los cuales podemos hablar largo y tendido, sino por lo genial que es, lo mucho que se disfruta y la excelente forma de generar esa atmósfera entre aterradora y emocionante, porque si bien partir de la idea de jugar juegos mortales a cambio de una fortuna es algo que ya de entrada te atrapa, el suspenso de poder morir antes el menor error logra darle un toque aterrador aún a pesar de la cromática circense que muestra.

Y si bien el tema no es algo nuevo, pues ya en obras famosas como Los Juegos del Hambre vemos a personas competir por la gloria eterna en enfrentamientos a muerte o en la un poco menos conocida obra japonesa Kami-sama no Iu Tôri donde un grupo de escolares se ve obligados a jugar juegos infantiles con resultados letales, la peculiaridad de El Juego del Calamar es hacer un excelente manejo de un tema ya visto y darle un giro lo suficientemente diferente para sentirse original, sin olvidar el aspecto de que mezcla juegos inocentes con violencia extrema, muy adecuados toque de Gore y un trasfondo socioeconómico muy denso que refleja parte de la realidad surcoreana en torno a los problemas económicos y el endeudamiento.

El Juego del Calamar 3

La historia sigue a Seong Gi-hu, a quien conoceremos mejor como el jugador 456, un chofer fracasado que vive con su madre luego de divorciarse y cuya adicción a las apuestas lo ha llevado a la bancarrota. Con las deudas hasta el cuello y su propia seguridad física en manos de sus acreedores, es invitado a participar en una competencia donde jugará algunos juegos infantiles, si pierde será eliminado, si gana podrá llevarse una fortuna tan grande que no volverá a tener problemas económicas en toda la vida. Seong no se interesa en los juegos hasta que la diabetes de su madre se agrava y decide participar pues con el dinero podrá pagarle su tratamiento.

Seong es llevado por un hombre ataviado con un misterioso traje rosa, es sedado y trasportado hasta una isla donde él y otras 455 personas son obligadas a jugar juegos de su infancia. Lo que no saber y pronto descubrirán con horror, es que aquellos que pierdan o no signan las reglas del juego serán asesinaos a sangre fría. Por cada muerto el premio acumulado crece, así que sí desean salir de allí como millonarios deberán salir con vida y vencer al resto. Sin embargo, jugar sólo es más difícil y pronto los grupos se empiezan a formar.

El Juego del Calamar 10

Junto a nuestro protagonista están Oh Il-nam, el jugador número 1, es más anciano de todo y que tras ser diagnosticado con un tumor cerebral decide jugar su suerte en aquel juego, Cho Snag-woo, el jugador 218, amigo de la infancia de Seong, un hombre muy listo pero arruinado por malversación de fondos, el inmigrante pakistaní Abdul Ali, jugador 199, un hombre honesto, noble y físicamente muy fuerte, y finalmente la desertora norcoreana Kang Soe-byeok, jugadora 67, quien quiere el dinero para sacar a su familia de Corea del Norte y darles una mejor vida.

Justo conforman un equipo muy balanceado, pues tienen liderazgo, inteligencia, experiencia y fuerza, habilidades que les servirán en mayor o menos manera en los diferentes juegos. Los juegos, por su parte, son cosas que los niños surcoreanos solían jugar en el pasado, así que no son para nada difíciles ni complicados, pero dado que no todos pueden ganar, cada nuevo juego es un enfrentamiento a muerte, donde deberán jugar sólo o en equipo. Aunque el peligro de morir no sólo está en la arena de juego, sino en el propio dormitorio, pues Jang Deok-su, jugador 101, y su grupo de mafiosos, saber que mientras más personas maten en los dormitorios, más posibilidades de ganar tendrán en los juegos, así que la estancia en aquel lugar se transforma en una lucha por sobrevivir en todo momento.

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Además de los juegos, cuyo peculiar morbo ya es de por si atractivo, pues esa combinación de inocencia infantil con las brutales y sangrientas muertes que tienen algunos le da un toque que te engancha de inmediato a la pantalla, tenemos un doble trasfondo en la historia. Por una parte, el intento de un policía por infiltrarse en aquella isla y descubrir quién está detrás de esos juegos siniestros y, más importantes aún, dónde está su hermano, quien recibiera una invitación para participar. La parte del policía infiltrado es emocionante y permite ir debelando cosas sobre el ameno de los juegos, como la jerarquía de quienes trabajan allí, el tiempo que llevan haciendo eso, las personas que financian todo e incluso lo que pasa con los muertos, aunque termina un poco abruptamente y deja una sanción de que Hwang Jun-ho, el policía infiltrado, tenía algo más pada dar.

El otro trasfondo está el quienes financian los juegos, los llamados VIP, personas extremadamente adineradas que pagan por ver los juegos e incluso por asistir y presenciarlos en vivo. Millonarios sin escrúpulos cuyo poder les permite jugar con la vida de las personas como si aportarán con cualquier cosa. Y de aquí es donde podemos empezar de desentrañar parte de las críticas sociales que hace la serie. Por ejemplo, es especula con el tráfico de órganos que recuperan de los muertos, se habla de esas necesidades perversas que los millonarios buscan satisfacer y que surgen justamente debido a que como sus fortunas pueden darles todo, cada vez requieres de satisfacer nuevos y enfermizos fetiches para no sentirse aburridos. Tenemos obviamente la lucha por sobrevivir por parte de los jugadores y el tema de la empatía, donde a veces tendrás que matar a tus allegados para sobrevivir tú y otras ayudarlos para sobrevivir ambos.

El Juego del Calamar 9

No quiero extenderme en esta parte de los temas que la obra aborda, pues me encantaría hacerlo en un podcast a futuro donde podemos hablar abiertamente con spoilers, pero una de las cosas que me hiso pensar este juego fue ¿a dónde y qué hace con todas esas personas que desaparecen y luego encuentran muertos en países como México? En realmente el feminicidio un acto de matar por el simplemente hecho de hacerlo o hay alguna otra utilidad que le den a esas víctimas. Tráfico de órganos, explotación sexual, canibalismo, entre muchas otras perversiones son las que series como esta no invitan a reflexionar, pues si hay alguien deseoso de hacer algo y con el poder para pagarlo, seguro habrá alguien dispuesto a satisfacer sus más retorcidas fantasías.

El tema de la crítica a los problemas económicos de los surcoreanos creo es que es súper obvia, el endeudamiento obviamente obliga a las personas a hacer cosas que no desearían, a vender sus cuerpos, su tiempo o su dignidad a cambio de unas monedas. Eso es justamente de lo que los millonarios se aprovechan al darles, aparentemente, la oportunidad de decidir cambiar su vida, pero en realidad los están usando para su propio beneficio como carne que es útil en tanto satisface las necesidades de sus jefes, pero descartable cuando deje de ser útil, tal cual hace el capitalismo con la clase trabajadora. Sin duda una serie grandiosa, pues además de los temas ya mencionados tiene una excelente calidad en cuanto a su producción, geniales escenarios, grandes actuaciones y una muy buena banda sonora, sin duda una de las mejores series del año que no se deberían perder.

El Juego del Calamar 12

Okja

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Okja 1

Título Original: Okja.
Género(s): Ciencia Ficción / Biopunk, Drama.
Director: Bong Joon-ho.
Emisión: 2017.
Duración: 121 minutos.
Extras: –

Sin darme cuenta he visto más películas de Bong Joon-ho de lo que me imaginaba, desde la galardonada Parásitos, The Host, hasta Snowpiercer, esta última siendo la primera obra en la que trabajó con Tilda Swinton, quien a mi parecer se lleva las palmas en Okja con su doblemente impresionante actuación, habilidades que la han convertido en una actriz recurrente para varios directores, como Wes Anderson.

Cuando me enteré del filme llamó un poco mi atención pero no lo suficiente para verla, así que dejé pasar varios años hasta que leyendo a detalle vi que el directo era el galardonado surcoreano, la ya mencionada Tilda y Paul Dano, a quien conozco por su interpretación de Dwayne en mi película favorita, Little Miss Sunshine. Fue por la presencia de estos tres personajes que me decidí inmediatamente a verla. Ya después al encontrar a otros actores que reconozco como Jake Gyllenhaal y Steven Yeun me quedé más enganchado.

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La historia gira en torno a Okja, un supercerdo de la compañía Mirando, quien dio 26 cerdos a ganaderos alrededor del mundo para que fuesen criados mediante métodos tradicionales, al pasar 10 años se hará una competencia para premiar al mejor. Okja vivía en las montañas en corea y era al parecer el mejor ejemplar de todos, así que al pasar el tiempo pactado el cerdo fue recogido por la compañía y llevado a Nueva York para la premiación. Sin embargo, Mija, la nieta del granadero encargado de Okja, se ha encariñado tanto con ella que la ve como parte de su familia y no permitirá que se la lleven.

Mientras Mija trata de recuperar a Ojka, la compañía Mirando se enfrenta a un grupo de ambientalistas que secuestrar al animal para usarlo como espía y revelar los terribles secretos de la compañía, pues aquel supercerdo publicitado por Lucy Mirando (líder de la compañía) como la solución al hambre en el mundo, es en realidad un producto de la ingeniería genética que mediante crueles experimentos con animales ha llegado a su brillante producto final.

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Lucy generó todo un plan para que los consumidores pensaran que la carne que vendían provenía de animales criados naturalmente, pero en realidad era producidos en laboratorio y mantenidos en crueles condiciones para su explotación, igual que cualquier otro animales producido de manera intensiva en los rastros del mundo. El Frente de Liberación Animal quería poner fin a los abominables planes de Mirando y por eso intentó secuestrar al animal, haciendo que Mija quedara inmiscuida en todo el asunto.

La película tiene muchísimas aristas que abordar, una de ellas es la parte de la manipulación genética de la que sería imposible hablar por sí sola, pues no sólo fue el crear al animal, sino la forma en que esto se relaciona con la cría de animales para consumo humano, el trato que sufren en las granjas, la perspectiva de las personas por no querer comer algo artificial pero al mismo tiempo exigir respeto por los animales, el terrible impacto que este tipo de industrias generan en el medio ambiente y los propios derechos de los animales, sin olvidar el debate de cómo tratar algo no natural creado por los humanos para esos finales, pues aunque sea artificial el animal siente y sufre.

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Por otro lado tenemos la parte de la empresa, que es donde Tilda destaca por sobre el resto de personajes, pues interpreta a dos hermanas, una (Lucy) que quiere mostrar un lado bueno, amable y naturalmente responsable de la compañía aunque eso implica costos y riegos, y la otra (Nancy) que es una empresaria salvaje y sanguinaria totalmente racional a quien sólo los negocios importan. Sin olvidar toda la campaña publicitaria para colocar el producto en el gusto de la gente y mantener oculto lo que hay detrás. Usar como rostro de la compañía a doctor Johnny Wilcox, un veterinario amante de los animales, para generar esa confianza en el consumidor, pero que detrás de cámaras no es más que un show, me pareció una excelente crítica y muy atinada. Incluso todo lo que la compañía hace para tratar bien a Mija y usar el incidente con Ojka como más publicidad de los buenos que son.

La película es un excelente Biopunk pues tiene todos los elementos que el género requiere y los maneja de una forma excelente, una corporación superpoderosa con un trasfondo oscuro, animales modificados genéticamente que desatan un debate ético, grupos a favor y grupos en contra. Incluso el diseño del animal logra un excelente resultado, pues le dota de un grado de expresividad muy bueno que logran transmitir la emociones de Okja y hacer que se vea muy realista, afable y congenie con el espectador, incrementando ese sentimiento de culpa por la crueldad que reciben al ser animales criados para comer.

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Esta cuestión desata un debate importante que seguro gustará a quienes han decidido no comer carne, y tienen razón, pues no podemos generar tanto sufrimiento en los animales sólo por un beneficio económico. Digo, yo en lo personal nunca dejaría de comer carne (salvo por cuestiones médicas) y estoy en contra de quienes quieran imponer el ser veganos apelando a la culpa, la evolución nos hizo omnívoros, lo que hay que evitar es generar sufrimiento en los animales, cosa que la industria actual no hace ni dejará de hacer, pues tratar bien a los animales es más costoso. Y por otra parte, Mirando tiene razón, si a las personas no les aterrara comer carne sintética ya no necesitaríamos criar animales, comeríamos tejidos cultivados sin un cerebro, que no sienten ni sufren por estar en una jaula, pero diles a las personas que están comiendo carne artificial creada en un laboratorio y se volverán locos.

La película es muy buena en cuando a todo lo que permite profundizar de su historia, sus efectos también son geniales y aunque sabemos de la artificialidad de Okja sus gráficos por computadora se ve bien, incluso a mí, que detesto el CGI y prefiero los efectos prácticos con maquetas, me agradó visualmente e incluso esas escenas de acción (un poco demasiado cómicas para mi gusto) se ven genial. Una excelente recomendación para quien guste del género o desee ver algo con mensaje en pro del respeto a los animales y aunque el final se siente algo apresurado en general todo el desarrollo del filme es muy bueno.

Okja 4

Puella Magi Madoka Magica

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Madoka 1

Título Original: 魔法少女まどか☆マギカ (Puella Magi Madoka Magica):
Género(s): Mahô Shôjo, Ciencia Ficción, Drama.
Director: Akiyu Shinbo.
Estudio: Shaft.
Emisión: 2011.
Duración: 12 episodios.
Extras: –

Hay dos series de anime a las que les debo una deuda histórica por no haberlas visto antes, una de ellas es Madoka, serie que me han recomendado hasta el hartazgo desde 2013 aproximadamente y que por fin me decidí a verla y sin duda me arrepiento de no haberlo hecho antes, pues si bien me pareció grandiosa en muchos de sus aspectos, creo firmemente que si la hubiese visto hace ocho años me habría resultado todavía más asombrosa, ya que sin duda rompió con el estereotipo del género al cual aparentemente pertenece.

La calidad me maravilló tanto en lo visual como en lo sonoro. El diseño de personajes está bien, cayendo en el formato ya consolidado para la década pasada pero que funciona. Los escenarios urbanos por momentos son muy digitales y generan esa artificialidad que no me gusta, pero los laberintos donde viven las brujas y el diseño de estas con esos cambios en el estilo de animación y los surreales que resultaron me fascinaron, sin duda una excelente y muy original forma de representar a las brujas. Y no se diga la banda sonora que le va perfecto y destaca sobre todo en esas escenas en las que debe generar un ambiente lúgubre y oscuro.

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La historia sigue a Madoka, una chica de preparatoria sin ninguna habilidad especial que un día se encuentra con una criatura parecida a un gato que está siendo atacado por la chica nueva que acaba de transferirse, quien al parecer posee alguna clase de poderes mágicos. Madoka y su amiga Sayaka evitan que Homura siga atacando al gato cuyo nombre es Kyubey.  La pequeña criatura les explica que puede concederles cualquier deseo a cambio de firmar un contrato con él y convertirse así en niñas mágicas que cazan brujas.

Homura es al parecer una niña mágica, pero no es como las demás. Para tratar de convencer a Madoka y Sayaka de unirse a Kyubey les presenta a Mami, otra niña mágica ya veterana, quien las lleva a cazar brujas para que se hagan una idea de lo que tendrán que hacer si le piden un deseo al gato. Mami les explica que las brujas se alimentan del sufrimiento y la depresión de los humanos, causan los suicidios y desastres naturales y su deber como niñas mágicas es matarlas.

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Hasta allí la serie es en apariencia un anime de chicas mágicas como cualquier otro, donde niñas adquieren poderes y se transforman en escenas luminosas donde visten trajes de colores, pero rápidamente notamos que detrás de todo siempre hay una aura sombría, de miedo, misterio y sufrimiento que cada vez se hace más evidente. Las niñas mágicas no llevan una vida bonita con los típicos conflictos de adolescentes, sino que se ven sometidas a un gran sufrimiento que las aleja cada vez más de su humanidad.

La serie se torna por completo oscura y los trajes de colores son ensombrecidos por muerte y desesperación. El peligro es mayor de lo que se esperaban al combatir brujas y los intereses de otras chicas mágicas se hacen evidentes, además de que a lo largo de los capítulos la historia va dando giros argumentales que la hacen cada vez más oscura hasta revelar la verdad detrás del origen de las chichas mágicas y de las intenciones reales de Kyubey.

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Desde el inicio la música ya nos pone en advertencia sobre algo misterio que no alcanzamos a comprender y con forme se van develando los secretos de qué es ser una niña mágica realmente es que notamos que la fantasía de las niñas con poderes mágicos es una mera portada de algo mucho más oscuro, profundo y complejo, que da paso a cuestiones sobre las leyes universales de entropía y revela el verdadero género de la serie, la Ciencia Ficción, en donde la magia es sustituida por viajes en el tiempo y tecnología extraterrestre.

Hay muchísimos aspectos en los que podemos profundizar en la serie, pero so lo haré en otra ocasión, pues ya de entrada hablar de suicido le da un toque oscuro desde el inicio y rompe por completo lo que uno podría esperar de una serie Mahô Shôjo, que en realidad no es de ese género. A Madoka le pasa como a Evangelion, que no es Mecha pero se ha catalogado, consolidado y grabado en la mentes de los espectadores como una serie sobre robots gigantes, los mismo con Madoka, se ve como una serie de niñas mágicas pero está lejos de realmente serlo y en eso, y la forma en que devela su trasfondo de formas que el espectador no logra advertir, es que radica su grandeza.

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Y al igual que Madoka tiene su paralelismo con Evangelion en cuanto al género (y al final), creo que también los tiene con Suzumiya Haruhi no Yûutsu en cuanto a quién termina siendo el personaje principal, ya que si bien ambas series llevan el nombre de un personajes, en realidad el protagonista es otro (Kyon en el caso de Haruhi). Y esa forma de darle la vuelta a la trama y en un capítulo cambiar tanto las cosas e irlas haciendo más oscura con forme avanza es formidable y no por nada Madoka se ganó un lugar importante entre las series de culto de la década pasada a pesar de contar con una sola temporada, aunque tal vez por eso es tan afamada, porque le bastó una temporada para maravillarnos y demostrar que se pueden hacer otros tipo de Mahô Shôjo sin caer en el estereotipo.

Sin duda una serie maravillosa que recomiendo encarecidamente, aunque sin son muy fans del anime dudo que no la haya visto ya. El desarrollo de los personajes es muy bueno, los giros argumentales te atrapan y no son obvios, la trama oscura y cada vez más dramática va subiendo de tono de forma muy bien pensada, enfocándose en temas como la desesperación y la soledad, y la manera en que rompe con el género y termina mostrándonos algo distinto es fabulosa. Y si le lo preguntaban, la otra serie a la que le tengo una deuda histórica es Gurren Lagann.

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Palabras que burbujean como un refresco

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Palabras que burbujean como un refresco 0

Título Original: サイダーのように言葉が湧き上がる (Cider no Yô ni Kotoba ga Wakiagura)
Género(s): Slice of Life, Romance, Comedia, Drama.
Director: Kyôhei Ishiguro.
Estudio: Sublimation y Singnal.MD.
Emisión: 2021.
Duración: 87 minutos.
Extras: –

Hace algunos meses me topé con el tráiler de una película de anime cuya estética y cromática me resultaron muy particulares y atractivos, con un estilo colorido y una historia que se antoja a Slice of life donde veremos simplemente una etapa en la vida del protagonista, con ese tono dramático y que no puedo evitar me recuerde a las obras de Makoto Shinkai, aunque con colores mucho más alegres. Como muchas películas estrenadas en Japón supuse que lograría verla en algunos años cuando llegara por este lado del mundo, pero para mi suerte navegando por Netflix me topé con la sorpresa de que esa película, cuyo título particularmente largo (que recuerdo incluía la palabra soda) se encontraba disponible, así que no perdí más al tiempo y me decidí a verla.

Este tipo de películas pertenecer a un grupo de animaciones que no sé cómo describir, pero que suelen contar historias de entre romance y drama aderezados con comedia, un poco al estilo de las obras de Shinkai (aunque más felices) y que también me hacen pensar en el estilo de los animes hecho por Studio Colorido, aunque Soda Pop (usemos parte del título en inglés para abreviar) se destaca del resto por su color, pues la cromática de su animación es sumamente intensa, con colores súper vivos y chillantes que se clavan en la pupila, pero que a pesar de todo le dan un toque muy particular y generan una estética que personalmente me gusta mucho.

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Además de la peculiar paleta de colores muy al estilo de una obra infantil, tenemos un diseño de animación y escenarios que me recuerda un poco a las primeras obras de Mamoru Hosoda (sobre todo la primera película de Digimon), con trazos simples pero con mucho detalle en cuanto a la cantidad de elementos que conforman los escenarios. Esa combinación de colores chillantes, trazos simples y gran cantidad de detalles me fascinaron y me hicieron recordar el estilo del falso opening de The Ricochet Splendid.

Técnicamente la obra es maravillosa, pues además al gran apartado visual y diseño de personajes tenemos que agregar la hermosa banda sonora que acompaña la historia y que de hecho forma parte integra de la trama, pues parte de la odisea de nuestros personajes tiene que ver con una canción. Sin duda alguna el filme se disfruta mucho tanto visual como auditivamente, siendo quizás la historia como tal lo menos fuerte pues es buena y bien diseñada para un público adolescente pero recurre a muchos clichés que nos hacen esperar cosas obvias, aunque bueno, tampoco es tan grave.

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La historia gira en torno a Cherry, un joven muy tímido que suele vivir retraído del mundo, aislándose en sus audífonos para no interactuar con la gente. Su principal medio de expresión son los haikus, los tradicionales poemas japoneses que gustan de escribir y publicar en las redes sociales, aunque solo sus amigos y mamá lo siguen. Cherry trabaja supliendo el puesto de su mamá en un centro de ancianos donde los adultos mayores reciben cuidados y realizan diversas actividades. Allí conoce al señor Fujiyama, un anciano que al parecer ya sufre algo de demencia pero que también gusta de los poemas y es amante de la música, pues posee una tienda de discos de vinilo y siempre está cargando el empaque de uno de ellos que no logra encontrar.

Mientras realiza su trabajo sufre un accidente e intercambia por error su teléfono con Smile, una chica que es una popular influencer con muchos seguidores pero que actualmente sufre de inseguridad debido a que no le gustan sus dientes de conejo, por lo que oculta su rostro tras un cubrebocas. Smile y Cherry inician una amistad luego de conocerse al regresarse sus respectivos celulares, ella empieza a trabajar en el centro de ancianos y él empieza a convivir más con las personas dejando de aislarse tras sus audífonos gracias a la seguridad que le daba Smile.

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Ambos chicos deciden ayudar al señor Fujiyama a encontrar su disco perdido luego de que enfermara ya que su sueño era poder escuchar aquella canción una vez más para no olvidarla, en su camino descubren la importancia que aquel álbum tenía para el anciano, al tiempo que se dan cuenta de sus sentimiento el uno por el otro y logran aceptarlos. El final es de esperar así como el problema que los protagonistas enfrentan durante la búsqueda del disco, todo muy de manual y predecible, aunque disfrutable.

La parte de la poesía de la un toque de distinción al mostrar los haikus de Cherry, personalmente nunca he entendido ese estilo de poesía pero la combinación de aquellas palabras, sus significados y el juego que le dan en conjunción con los escenarios dan como resultado algo hermoso. El romance entre los protagonistas es súper predecible y plagado de clichés, pero no deja de ser lindo y muy adecuado para una audiencia de preparatoria o más jóvenes. El diseño de la personalidad fue lo que más me gustó, en especial Smile cuya personalidad y diseño físico me gustaron mucho.

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Además del romance, la música, el obvio mensaje de amor y aceptación de aquello que puede no gustarnos sobre nosotros mismos, tenemos algunas alusiones interesantes que pueden pasar desapercibidas. Uno de los amigos de Cherry, Bieber (o Castor como lo tradujeron el Netflix) es de origen hispano, pues menciona que su papá sólo habla español y que él no sabe leer ni escribir japonés, por eso se la pasa grafiteando los haikus de Cherry para practicar. Y hablando de traducciones, me encantó que a Toughtboy, otro amigo de Cherry, le subtitularan como “El duro”. Y ni hablar de la interacción en redes sociales que fue el primer vehículo de comunicación entre los protagonista y que a partir de likes y follows empezaron a relacionarse, muy de zoomers para mi gusto pero eso sólo demuestra que yo como millennial cada vez estoy más viejo.

Tampoco quiero dejar pasar esa aparente referencia (que yo digo que sí es) al mundo de las redes sociales, digo, ya Smile y sus hermanas era famosas de internet, pero además aparece una idol que es una calca del diseño de Himemori Luna de Hololive. Digo, si ya de por sí se hace mucha referencia a los streamers e influencers no sería raro, tomando en cuenta que Usada Pekora ya tuvo un “cameo” en el anime How Not to Summon a Demond Lord y que otras chichas ya están participando en animes de manera directa. De cualquier forma, el anime me gustó mucho, la música y la parte visual son maravillosas, el diseño de personajes me encantó y si bien la historia no fue tan original todo en conjunto resulta muy agradable.

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El Castillo en el Cielo

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El Castillo en el Cielo 1

Título Original: 天空の城ラピュタ (Tenkû no Shiro Laputa)
Género(s): Fantasía, Drama.
Director: Hayao Miyazaki.
Estudio: Studio Ghibli.
Emisión: 1986.
Duración: 126 minutos.
Extras: –

A pesar de que antes de este filme ya se había estrenado Nausicaä del valle del Viento, propiamente la primera obra de Studio Ghibli es El Castillo en el Cielo y a pesar de que ya han pasado tanto años aún al día de hoy se sigue viendo muy bien y conserva una calidad en cuanto a la animación formidable. Aun comparándola con las obras más actuales, en donde ya observamos un estilo levemente distinto, no ha perdido nada de calidad y ha logrado envejecer muy bien.

La historia tiene todo aquello que sentó las bases del afamado estilo Ghibli, con escenarios hermosos que mezclan la naturaleza con la fantasía, personajes muy bien diseñados y que visualmente nos recuerdan mucho a Nausicaä y que eran la constante en aquellas primeras obras, musical maravillosa y cuya canción principal es uno de los principales temas que saltan a la mente cuando hablamos del estudio, sin olvidar el diseño en la personalidad de los personajes, en específico el fuerte papel que las mujeres siempre han jugado en las animaciones de Miyazaki.

El Castillo en el Cielo 11

La historia gira en torno a Sheeta, una niña que ha sido secuestrada por un grupo de hombres, quienes la transportan en una nave voladora hacia algún lugar. Durante el viaje, son atacados por piratas, quienes entran a la nave a robar tesoros, siendo una piedra propiedad de la niña el que más les interesa, pues al parecer esa piedra te permite flotar. Sheeta cae de la nave durante el ataque y llega a una aldea de mineros, donde es encontrada por Pazu, un niño que trabaja como ayudante en las minas.

Pazu ayuda a Sheeta y le da refugio, pero a la mañana siguiente los pirata, pertenecientes al clan Dola, llegan a la aldea en busca de aquella misteriosa piedra con poderes, así que Pazu y otros mineros ayudan a la niña a escapar, pero son perseguidos ahora también por los militares y aquellos hombres que tenían secuestrada originalmente a Sheeta. Tratando de perder a sus perseguidores, caen en lo más profundo de una mina, donde se encuentran con Pomme, a un anciano que les habla del cristal volucite, una piedra brillante con propiedades que hacen flotar las cosas, mineral del que está hecho el dije de Sheeta y que según el viejo sólo los habitantes de Laputa, un castillo volador, sabían fabricar.

El Castillo en el Cielo 7

Sheeta es finalmente atrapada por los militares y sus intenciones se revelan, tal parece que ellos buscan Laputa pues consideran que un castillo volador con tanto poder es una amenaza a la seguridad, así que planean usar a la niña y su piedra para encontrar aquel mítico lugar. Sheete recuerda entonces cuando su abuela le enseñó algunos hechizos, uno de los cuales activa la piedra para que señale hacia la ubicación del castillo. Pazu, desesperado por salvar a Sheeta se alía con los Piratas para salvar a la niña, iniciando así una aventura que los guiará hasta Laputa, descubriendo los secretos de ese misterioso lugar y la relación que la niña tenía con aquel castillo.

Sin duda la obra es sumamente hermosa, no por nada logró captar la atención del público en el entonces joven estudio y le aseguró una excelente reputación en cuanto a su calidad para contar historias y para animar bellísimas escenas, sin olvidar la capacidad para crear mundos de fantasía. Uno de los primeros elementos que han sido una constante en las obras de Miyazaki son las naves voladoras, que ya habíamos visto en Nausicaä y que volvemos a ver aquí, con diseños que nos recuerda tanto a insectos como a gigantes buques acorazados.

El Castillo en el Cielo 5

El factor de las naves y parte de la dinámica social en la aldea de los mineros (el propio Pazu como huérfano trabajando) tiene aún una esencia muy de la posguerra, algo que también es característico de las primeras obras del estudio. La conjunción de la minería, algo que uno no esperaría ver en una película cuyo título remite a volar, con aquellas fantásticas maquinas voladores igual resulta muy interesante y genera una estética Steampunk que incluso nos permitiría considerar al filme como parte de este género (género por estética).

Otro elemento particular propio de esas primeras obras es el diseño de personajes y sus formas de interacción. Esas proporciones algo graciosas y esas peleas cómicas nos recuerdan al estilo de las viejas obras animadas de Disney, sobre todo en los personajes más robustos. Pero lo que sí es diferente y muy distintivo es sin duda el papel de la mujer como personaje fuerte y decidido que puede cargar con el peso del protagónico y hacer un papel heroico, algo que ya se había dejado claro en Nausicaä pero que se viene a confirmar aquí y que se convertiría, para bien, en el sello distintivo del estudio.

El Castillo en el Cielo 4

Hablando de mujeres, es obvio que Sheeta tiene el papel protagónico, pero quien se lleva las palmas y destaca en la pantalla por el excelente diseño de su personaje es la vieja Dola, la líder y madre de los piratas, quien es la encargada de generar la estrategia, hacer los planes, guiar y dar órdenes, pero sin dejar de ser una persona de buen corazón, a pesar de dedicarse a robar. Sin duda es un personaje maravilloso y me parece que ha sido infravalorado pues es sin duda una de las mujeres mejor construidas de entre todas las féminas poderosas que Ghibli nos ha regalado.

La construcción de ese mundo fantástico donde la ciencia y la fantasía se combinan también es otro elemento que me encantó, sobre todo el diseño y trasfondo de Laputa, perteneciente a una antigua civilización ya extinta, donde la magia da poder a maquinas con tecnología nunca antes vistas, como el propio castillo o esos robots que custodian el lugar. Esa fanta-ciencia me hizo irremediablemente recordar obras como Atlantis: El Imperio perdido, un clásico olvidado de Disney, y El Viaje a Agartha de Makoto Shinkai.

El Castillo en el Cielo 19

Esa capacidad para crear mundo fantástico es sin duda una de las características que pusieron a Ghibli en el mapa a nivel internacional y considero que para haber sido la segunda obra desarrollada por ese grupo de personas, la primera bajo el nombre de Ghibli, es sencillamente gloriosa. Aún hoy, a más de 30 años de su estreno, se siguen viendo bien, la animación conserva su calidad, la música compite con cualquier banda sonora actual y, sobre todo, logra transportarnos a un mundo de fantasía donde la magia y lo antiguo convive con una tecnología moderna a base de vapor como muy pocas obras logran hacerlo.

Sin duda una de las obras más emblemáticas de Miyazaki, un cásico obligado para todos los fan del estudio y no sólo por ser oficialmente su primera película, sino por la increíble calidad que a pesar de ello ya nos mostraba. Las obras más antiguas del estudio tienen su encanto particular y esta destaca por ello, incluso si no son seguidores de Ghibli está película les va a gusta, pues además de los aspectos que ya mencioné tiene la particularidad de ser una obra llena de acción y aventura constantes.

El Castillo en el Cielo 3

Amor y Monstruos

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Amor y Monstruos 1

Título Original: Love and Monsters.
Género(s): Ciencia Ficción, Drama, Comedia, Romance.
Director: Michael Matthews.
Emisión: 2021.
Duración: 109 minutos.
Extras: –

Me había comentado que esta película era bastante buena y eso me generó curiosidad por verla, pese a que cuando se entrenó por Netflix no me llamó del todo la atención. Y tal parece que es el efecto que generó en la mayoría, ya que a primera vista parece una película postapocalíptica más para pasar el rato sin nada de profundidad e interés, pero tiene algunos detalles que en verdad la hace buena, o al menos mejor que una simple película palomera.

La historia gira en torno a Joel Dawson, un chico de 24 años que vive con otros sobrevivientes en un bunker bajo tierra luego de que siete años antes un meteorito amenazara con destruir la Tierra. Para detenerlo, los humanos usaron armas con substancias que sí bien acabaron con la amenaza espacial llovieron posteriormente a la superficie afectando a todos los animales de sangre fría y haciéndolos mutar en abominables monstruos letales. El 95% de la población mundial murió a causa de insectos y animales gigantes; el 5% restante vive oculto bajo tierra.

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Joel, a diferencia de sus compañeros no aporta nada al grupo para sobrevivir, es bueno cocinando y con la tecnología, pero esas habilidades no le sirven para enfrentar monstruos y mucho menos para salir a peligroso exterior a explorar. Sin embargo, al ser el único en el refugio sin pareja la frustración se apodera de él y decide abandonar su bunker para caminar más de 100 kilómetros hasta la costa donde vive su novia. A pesar de las negativas de sus compañeros nuestro protagonista sale a la superficie y se aventura en un mundo letal donde cada cosas viviente intentará matarlo.

Ya en el exterior se enfrenta a los peligrosos animales con el resultado esperado, pues sus nulas habilidades le hacen víctima del primer animal que encuentra. Para su fortuna, un perro llega a rescatarlo y desde entonces se hace su amigo. En canino le ayuda alertándole de algunos peligros mientras viajan juntos hacia la costa. Más tarde se encuentra con otros dos supervivientes, una pequeña pero sagaz niña y un hombre rudo que parece haber nacido para sobrevivir en lo agreste. Ambos le enseña las cosas más importantes para sobrevivir a cada peligro, y Joel no anota todo en su libreta junto a las ilustraciones de los monstruos que van encontrando, junto a datos importante para hacerles frente. Eventualmente Joel llega con Aimee, su novia, pero otro peligro más que cruza en su camino, esta vez en forma de humanos.

Amor y Monstruos 4

La película es bastante buena y entretenida, tiene sus dosis de emoción y sentimentalismo muy bien distribuidas y en ningún momento abusa de nada. La idea del chico torpe sobreviviendo a los peligros de un mundo hostil no es nueva pero da pauta a lo verdaderamente importante que es la metáfora del viaje. En este caso el viaje y no el destino es lo verdaderamente importante, los amigos que Joel conoce en su travesía y los conocimientos y experiencias que adquiere y le permiten sobrevivir a los monstruos. Y si bien sí es muy de fórmula esto del viaje que cambia al héroe y lo hace ser quien es, está muy bien hecho.

La parte de ficción y acción con los animales gigantes es buena, una temática que se antoja agradable para un apocalipsis donde los extraterrestres, los virus y zombis son lo que domina el mercado. Personalmente me gustó la idea de los insectos letales porque juego con varias fobias comunes entre las personas. Aunque sí tiene varios puntos débiles con respecto a esto pero son perdonables y tampoco vamos a exigís algo súper realista para detonar un fin del mundo.

Amor y Monstruos 6

La parte sentimental es otra que está muy bien trabajada. En un principio parece que todo tendrá tintes sexuales y luego pareciera que caeremos en lo meloso y cursi, pero ninguna de esas cosas pasa afortunadamente. La parte del amor que Joel siente por Aimee no domina la historia y se adereza bien con el sentimiento de hermandad entre él y sus compañeros del bunker, sin olvidar la parte emotiva que Minnow y Clyde (lo supervivientes que lo ayudan) agregan durante el viaje. Pero sin duda en anclaje emocional más fuerte de todos lo tenemos con Boy, el perro que protege y acompaña a Joel y quien, al igual que nuestro protagonista, se ha quedado solo en un mundo hostil luego de que, al parecer, su dueña desapareciera.

La relación entre Joel y Boy me recordó a la película Un chico y su perro (1975) y si bien tiene sus momentos emotivos está lejos de ser dramática y desgarradora, de hecho todo es demasiado ligero y eso permite que la película se vea fácil y sea excelente para pasar la tarde pero sin olvidar que tiene un leve toque de profundidad que la hacen más interesante. Las actuaciones están bien, sobre todo las de Dylan O’Brien (Joel) y Michael Rooker (Clyde) quien parece haber nacido para interpretar el papel del tipo rudo sobreviviente aunque aquí lo vemos mucho más cándido que otros de sus trabajos previos. Los efectos son buenos aunque por momentos muy digitales para mi gusto pero en general es una película postapocalíptica muy recomendable.

Amor y Monstruos 5

El Agente Topo

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El Agente Topo 1

Título Original: El Agente Topo.
Género(s): Docuficción, Drama.
Director: Maite Alberdi.
Emisión: 2020.
Duración: 90 minutos.
Extras: –

Hace algunas semanas (algunos meses para cuando se publique esto) escuché una reseña sobre esta película chilena en la que se decía que el filme era muy bueno, así que cuando apareció en Netflix me dio curiosidad verla, sobre todo por abordar una temática muy poco frecuente en el cine, los adultos mayores.

El filme es una Docuficción, es decir, un documental en el cual se muestran elementos reales pero al cual se le añade algún elemento ficticio. En este caso la realidad es la vida cotidiana de los ancianos en el asilo mientras que la ficción es el trabajo de detective del protagonista. No debemos confundirlo con un Mockumentary, que es un trabajo completamente ficticio con el formato de un documental.

El Agente Topo 2

La historia gira en torno a Sergio, un señor de 83 años que es contratado por un detective privado para trabajar como espía en un asilo de anciano, pues su contratante desea averiguar si su madre, quien está ingresada en ese lugar, está recibiendo un buen cuidado o existe algún tipo de maltrato y descuido por parte de sus cuidadores. Romulo Aitken explica a Sergio en qué consiste su labor y le enseña a usar algunos dispositivos para su trabajo, como un celular y algunas cámaras ocultas para obtener evidencia.

Sergio es ingresado en el asilo como un huésped más para no levantar sospechas e inicia su labor, grabando todo lo que ve y reportando cada noche a su jefe. Su principal objetivo es la madre de la mujer contratante, pero a través de sus ojos vemos la vida del resto de ancianos que viven en aquel hogar, su rutina, miedos, soledad y problemas de salud. Algunos de ellos son completamente autosuficientes, otros ya no se pueden mover y algunos más sufren demencia, olvidando a sus familiares e incluso en dónde están.

El Agente Topo 6

La realidad de la vejez es algo que debería ser más retratado en el cine y la televisión, pero no de esa forma cándida y rosa como suele hacerse, sino como lo hace este filme, donde vemos la cruda realidad de envejecer y empezar a perder la capacidad para valerse por uno mismo o peor aún, empezar a perder la conexión con la realidad y las memorias que nos hacen ser quienes somos. La película es vendida como una historia enternecedora, pero yo la encontré más como una historia cruda y nostálgica, sobre todo por esos ancianos que van perdiendo la memoria. Quizás eso se debe a que poco más de una semana antes de ver este filme me topé con Everywhere at the End of Time que es un experimento sonoro que recrea el avance del estado de demencia.

Pero además de la demencia y los inevitables problemas de salud, el mayor problema de nuestros adultos mayores es la soledad. De jóvenes podemos decir que no queremos tener hijos y jactarnos de querer y poder disfrutar de la soledad, pero pasados los ochenta años, esa ansiada soledad de juventud seguro que les empezará a pesar hasta aquel que más renegaba de una compañía. Soledad, monotonía y la falta de un objetivo que les haga a los ancianos sentirse útiles es lo que termina por matarlos.

El Agente Topo 4

Hace algunos años leí el libro Ikigaia de Héctor García (del blog Kirai un Geek en Japón) y en él explica que una de las razones del porque en países como Japón la gente supera los cien años de edad es porque se mantiene activa, ocupada y, de cierta forma, sigue siendo indispensable y útil para la sociedad, ya sea trabajando en el campo o haciendo alguna artesanía los viejos en Japón tienen algo que hacer, una ocupación y una rutina de trabajo que los mantiene con la vitalidad que se pierde cuando simplemente nos sentamos a esperar la muerte. Y quizás ahora con la pandemia todos podemos comprender esa frustración debilitante del no tener nada que hacer.

La película es lenta pero entretenida, con toques de comedia y drama muy bien equilibrados, no pretende ni hacer una denuncia sobre el estado de los ancianos ni de sus problemas, pero sí visibilizar a una sociedad donde la juventud está sobrevalorada, que nuestros viejos siguen siendo parte importante de nuestra estructura social. La forma en que muestran la parte de realidad también es muy buena y un ejercicio muy interesante y que seguramente resultó complejo de hacer en el formato que la directora eligió porque nos obliga a cuestionarnos qué partes son realidad y cuáles son actuación. Una excelente obra que le da la visibilidad que merecen nuestros abuelos.

El Agente Topo 3