Little Witch Academia: The Enchanted Parade

Título Original:リトルウィッチアカデミア 魔法仕掛けのパレード Ritoru Witchi Akademia: Mahō Shikake no Parēdo).
Género(s): Fantasía, Comedia.
Director: Yoh Yoshinari.
Estudio: Trigger.
Emisión: Julio 3, 2015.
Duración: 53 minutos.
Extras: Little Witch Academia.

La primera parte fue un pequeño experimento creado por un grupo de verdaderos profesionales. Una vez tuvo un poco de difusión, su éxito fue arrollador; luego de una emocionante campaña de crowdfunding igual de exitosa y dos años de arduo trabajo, Trigger entrega a su fans los frutos de este esfuerzo conjunto: The Enchanted Parade.

De nuevo seguimos a las jóvenes brujas Akko, Lotte y Sucy mientras continúan aprendiendo hechicería en la Luna Nova Academy. A pesar de haber salvado la escuela, la cosas no pintan bien para el trío, ya que siguen metiéndose en problemas debido a sus excéntricos conjuros. Por accidente crean un horrible monstruo en clase y como castigo ahora deben organizar el desfile del Festival de las Brujas, a  celebrarse en el pueblo a las afueras del instituto.

Sin embargo, los aldeanos conservan una imagen medieval de las brujas y año tras año el desfile se convierte en una cacería donde el verdadero incentivo es humillarlas por sus actos pasados. Akko no está de acuerdo con esta anticuada tradición, así que decide aprovechar la oportunidad para mostrar a la gente normal lo maravillosa que es la magia. Para ello, también deben hacer equipo con otras tres estudiantes problemáticas: Amanda, Constanze y Jasmineka. Esta es la última oportunidad para las seis. El desfile debe ser un éxito, o perderán el año.

Akko se pone de inmediato en el papel de líder y acapara todo el proyecto. Su actitud es un problema para el resto del grupo, pues se niega a aceptar otras opiniones, lo que culmina con la fractura del equipo. Sin sus amigas, continua por su cuenta con el plan. Usando la varita de Shiny Chariot consigue llevar la magia al pueblo y alistar todo para el desfile.

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Pero una banda de chicos locales desean tener otro festival para cazar brujas, por lo que sabotean el plan de Akko y roban la varita brillante. Mientras las brujas intentan recuperar su fuente de poder, un antiguo gigante despertado por el ajetreo ataca a los habitantes. Akko y su equipo, a quienes se unen Diana, Sucy y Lotte, luchan contra el monstruo, consiguen derrotarlo y hacer del desfile un éxito.

The Enchanted Parade es todo lo que podríamos haber esperado de la secuela de Little Witch Academia. El apartado técnico es impecable. Las expresiones de los personajes son exquisitas. La animación es tan rápida, fluida y limpia que nos deja maravillados de principio a fin, incluso invitando a apreciarla cuadro por cuadro para descubrir todos los pequeños detalles.

Las voces, banda sonora y efectos están a la altura. Los personajes reciben un poco más de desarrollo en todos los aspectos, y con ellos también se amplía este pequeño mundo. Quizás, el único punto negativo es que la primera parte nos dejó unos estándares que rozan la perfección, y al comparar ambos trabajos puede que esta segunda OVA no satisfaga las expectativas de los más exigentes.

Dejando a un lado el fanatismo y los análisis a profundidad extrema, el resultado final es asombroso. Little Witch Academia: The Enchanted Parade es la digna secuela a uno de los trabajos de animación más sobresalientes en los últimos tiempos y una excelente obra de animación por méritos propios.

Dragon Ball Z: La Resurrección de Freezer

Título Original: ドラゴンボールZ 復活の「F」 (Doragon Bōru Zetto: Fukkatsu no Efu)
Género(s): Shônen, Peleas, Sobrenatural, Ciencia Ficción, Henshin.
Director: Tadayoshi Yamamuro.
Estudio: Toei Animation.
Emisión: 18 de Abril de 2015
Duración: 93 minutos.
Extras:

Dragon Ball Z: La Resurrección de Freezer es la secuela directa de La Batalla de los Dioses, elevando el total de películas en la franquicia a diecinueve. Se estrenó el 18 de abril de 2015 en salas de cine japonesas y tras generar furor en los medios de habla hispana durante los meses siguientes, llegó a nuestro país doblada al español el 19 de Junio de este mismo año.

El éxito del largometraje anterior fue mayor al esperado. Se volvió obvio que el mundo ansiaba más Dragon Ball, por lo que el legendario Akira Toriyama anuncia el desarrollo de una nueva película en vez de otra saga completa como muchos esperaban; aunque eso también se arreglaría poco después.

Debido a la crítica negativa que generó el exceso de humor en su anterior producción, Toriyama dio al argumento un tono más serio, agregando un montón de referencias a las primeras sagas de Dragon Ball Z, revelando detalles poco a poco; con el tiempo el título salió a la luz. Mayor fue la sorpresa de muchos, mientras otros nos regocijamos aún más, pues de inmediato se volvió evidente a donde se dirigía esto. El título de la nueva película concluía con una sola letra: F.

El peor deseo de la historia

Mientras la Tierra disfruta de un periodo de paz luego de enfrentar la amenaza del mismísimo Dios de la Destrucción, los remanentes del otrora glorioso ejército galáctico de Freezer luchan por mantener cohesión entre sus filas. La cadena de mando ahora recae en unos pocos soldados fieles, con el maligno Sorbet a la cabeza.

Cansado de perder planeta tras planeta, decide que la única solución posible es utilizar sus últimos recursos para regresar a la vida al amo Freezer, aunque algunos de sus hombres se muestran escépticos. Sin poder hallar sobrevivientes del planeta Namek luego de años de búsqueda, sólo queda viajar a la Tierra para usar las esferas del dragón. En una misión encubierta, lleva consigo a Tagoma, su soldado más fiel y consiguen arrebatar las esferas a la banda de Pilaf.

Shenlong revive al tirano, pero su cuerpo vuelve tal y como Trunks del futuro lo dejo: cortado en decenas de pedazos. Acuerdan utilizar su más reciente tecnología de recuperación para reconstruir a su líder y parten a los confines del espacio, justo antes de que los defensores de la Tierra comiencen a sospechar.

Freezer se recupera con un único deseo en mente: matar a Gokú. Sus subordinados tratan de disuadirlo pues al pasar los años, los saiyajin se han vuelto inimaginablemente poderosos, llegando a derrotar a Majin Boo y Bills, Dios de la Destrucción. El villano se muestra sorprendido, pero asegura que tiene un plan; con unos meses de arduo entrenamiento podrá incrementar sus poderes y derrotarlos de una vez por todas, pues nunca antes ha necesitado esforzarse para ser más fuerte.

Luego de cuatro meses, invade la tierra auxiliado por lo que queda de su ejército. Ahí enfrenta a un reducido grupo de guerreros y demanda la presencia de Gokú. Los Guerreros Z derrotan a los hombres de Freezer, pero son fácilmente vencidos por el emperador del mal. Sin más opciones, convocan a Gokú y Vegeta, quienes se encontraban entrenando con Wiss en el planeta de Bills.

Después de tantos años, los legendarios rivales se enfrentan nuevamente, desatando un combate épico. Los poderes aumentados del villano dejan impresionado a más de uno, pero siguen siendo inferiores a los del saiyajin; aun así ambos se muestran confiados. Acuerdan dejar el calentamiento para mostrar sus verdaderos poderes; Gokú accede a su nueva forma de Dios Super Saiyajin y su rival exhibe su siguiente evolución, Golden Freezer.

En su forma dorada, Freezer es lo suficientemente poderoso como para inclinar la balanza a su favor por unos minutos, dejando sorprendidos a Gokú, Vegeta y al mismo Bills, quien visita la Tierra en esos momentos para saborear un delicioso postre junto a Wiss. El tirano se confía luego de dejar a su rival contra las cuerdas, pero su falta de experiencia usando sus nuevos poderes comienza a desatar efectos secundarios.

La fuerza de Freezer disminuye con el tiempo, detalle que el saiyajin aprovecha para voltear el flujo del combate. Frustrado al ver que su ansiada venganza se le escapa de las manos, declina la oferta de Gokú de volver a su plantea y pone en marcha su plan de emergencia. Mientras el guerrero se muestra condescendiente, se confía y Sorbet aprovecha para herirlo gravemente con un arma.

Con esta trampa estuvo a punto de ganar, de no ser por la intervención de Vegeta, quien también puede realizar la trasformación Dios Super Saiyajin. Vegeta vence a su antiguo jefe, cobrando venganza por la destrucción de su planeta natal. Pero antes de dar el golpe final, Freezer apuesta el todo o nada y destruye la Tierra en un instante, matando al príncipe junto al resto de los habitantes.

Sólo sobreviven los Guerreros Z que presenciaban el combate, junto a Gokú y Bulma, gracias a los poderes de Wiss. Bills sugiere darles otra oportunidad; usando una técnica especial de su maestro vuelven el tiempo tres minutos, circunstancia que Gokú aprovecha para acabar con su enemigo, enviándolo de vuelta al infierno.

Valoración

Desde el punto de vista técnico, este es el mejor trabajo en la franquicia hasta la fecha. Los gráficos y el aspecto sonoro son de primer nivel. Los personajes se ven limpios y dinámicos, incluso puede resultar muy difícil distinguir cuando a mitad de la batalla los peleadores son reemplazados por modelos en tres dimensiones para un par de escenas.

Mientras que para la mayoría el punto fuerte de la película es la nueva trasformación de los héroes, para mi es el regreso de mi personaje favorito de todo Dragon Ball. Toriyama se encargó de regresar a uno de los villanos más reconocidos del anime en toda su gloria; pero el detalle más importante es que además, en México casi todos los personajes conservan sus voces dobladas originales.

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Cada vez que se anuncia un nuevo proyecto de las series, los fans mexicanos demandan la participación de estos actores de doblaje consagrados. Gracias al apoyo de los seguidores, han conseguido ganar el reconocimiento que merecen. En el papel de Freezer está Gerardo Reyero, luego de más de 15 años de no interpretar al personaje, su trabajo sigue siendo magnífico y en lo personal considero que fue la mejor interpretación del filme.

El argumento es el punto negativo más grande. Al ser una producción dirigida al cine, muchos detalles se omiten y se da prioridad a otros acontecimientos. Quizás nos hubiera gustado abundar más en otros aspectos que los mostrados en esos 93 minutos. A diferencia de La Batalla de los Dioses, la historia es extremadamente predecible y es casi idéntica a las películas de los noventas. Freezer regresa, un puñado personajes secundarios le hacen frente sin éxito, hasta que llega Gokú y salva el día.

Dejando a un lado esa fórmula repetida hasta el cansancio, que sigue gustando a los fans, la película es fantástica. Las escenas de acción, las dosis de humor, las interacciones entre Gokú y Vegeta, así como el hecho de revivir a Freezer son sólo algunos de los abundantes momentos memorables. Las batallas vuelven a ser las verdaderas protagonistas justo como los detractores de la película anterior lo deseaban, dando como resultado la mejor película de Dragon Ball Z hasta el momento.

Top 5 Podcast

Hace aproximadamente cinco años que empecé a escuchar podcast y rápidamente se convirtió en mi medio sonoro favorito, no sólo porque puedes escucharlo sin la atadura de un horario como en la radio, también por lo divertidos que resultan algunos o por la información que te proporcionan otros. Gracias a un par de estos podcast he aprendido muchas cosas relacionadas con el cine, la Fantasía, la Ciencia Ficción y la cultura pop en general, así que hoy les traigo mis cinco podcast favoritos, un par de ellos ya no están en emisión pero aún pueden encontrar sus audios en iTunes por si les interesa escucharlos. Los primeros dos lugares son los que más me inspiraron para empezar mi propio podcast.

Número 5: Radio Mórbido (en emisión)

Radiomorbido

Si bien es un programa de radio, muchos de quienes escuchamos sus emisiones lo hacemos en la versión podcast del programa. Radio Mórbido se especializa en el Terror, el Horror y todo lo que sea tenebroso y sobrenatural. Algo que me encanta de este podcast, es el vasto conocimiento de los locutores sobre los temas que tratan y, sobre todo, la facilidad que tienen para tomar un tema mundano y abordarlo de la manera más sombría posible. Lo único que no me gusta del todo es que en cada emisión mencionan muchas obras pero no profundizan en ninguna de ellas, no obstante, eso nos da un gran referente para conocer, por ejemplo, películas mórbidas relacionadas con los ojos.

http://www.morbidofest.com/

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Número 4: El Podcast del Warpig (en emisión)

El-Warpig

Luego de que la estación de Radioactivo 98.5 saliera del aire, muchos locutores probaron suerte en el mundo de internet, uno de ellos fue ni más ni menos que el Warpig, quien da voz al Amo del Merol. El Podcast del Warpig ha tenido varias reencarnaciones, pero actualmente podemos escucharlo algunas veces por mes a través de Dixo. Lo que me gusta del Warping es su forma de abordar las cosas cotidianas, generalmente problemas, y platicarlos de una forma en la que fácilmente podemos identificarnos, divertirnos y reflexionar.

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Número 3: El Podcast de Olallo Rubio (descontinuado)

Olallo Rubio

En su tiempo fue el titán de titanes de los podcasters mexicanos, imponiendo escuela e inspirando el estilo de muchos de los podcaster que surgirían después. Con entrevistas, sketches, radionovelas y más, El Podcast de Olallo Rubio tenía muchísima variedad para ofrecer, sin olvidar a los numerosos personajes creados por Olallo, como el querido Betornillo.

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Número 2: Nerd2 Podcast (descontinuado)

Nerd2

Cine, cómic, animación, videojuegos, noticias raras y demás cosas frikis es lo que ofrecían el Búho y el Santo en su programa, además de algunas radionovelas muy bien elaboradas. Al ser de una generación que ahora compone lo que denominamos chavorrucos, vivieron en carne propia el surgimiento y desarrollo de la tecnología y el internet, además de la consolidación de la cultura friki. Los Nerd2 vinieron a cubrir el hueco dejado por Olallo cuando descontinuó su podcast y lo hicieron perfectamente. Los temas que abordaron a lo largo de sus emisiones fueron muy diversos, en un principio hablaban de temas frikis, posteriormente fueron cosas más generales sobre la cultura pop, después incursionaron en las radionovelas y en su etapa final (Nerd2 Circus y Nerd2 Circus Live) hicieron un programa de variedad en vivo que alternaba noticias con charlas sobre algún tema en específico o de moda.

http://nerd-2.blogspot.mx/

Podcast en iTunes

Número 1: La Biblioteca de Trantor (en emisión)

Trantor

Si quieren aprender sobre Ciencia Ficción y Fantasía este es el lugar al que deben acudir. Creado por Felix, La Biblioteca de Trantor se ha constituido como el máximo referente de la Ciencia Ficción en el mundo del podcasting en español a nivel internacional, tanto que el mismísimo Miquel Barceló hace mención del podcast en su más reciente versión de Ciencia Ficción. Nueva Guía de Lectura. La calidad del podcast en cuanto a edición puede quedarse corta si la comparamos con los cuatro programas anteriores, pero la calidad en contenido los sobrepasa por mucho. Para quienes gustan de podcast largos (por encima de las dos horas) que aborden a profundidad una obra de Ciencia Ficción en específico o deseen aprender sobre los géneros fantásticos, no hay mejor opción que esta.

http://labibliotecadetrantor.com/

Podcast en iTunes

Mushishi

Mushishi 1

Título Original: 蟲師 (Mushi-shi).
Género(s): Drama, Fantasía, Sobrenatural.
Director: Hiroshi Nagahama.
Estudio: Artland.
Emisión: 2005.
Duración: 26 Episodios.
Extras: Mushishi: La sombra que devora el sol, Mushishi: Next Passage.

Un poema hecho animación, es la frase que mejor describe a esta grandiosa serie basada en el manga homónimo de Yuki Urushibara. Mushishi es simplemente una de esas joyas animadas que uno está obligado a ver, pues la belleza que desprenden cada uno de sus elementos te hace viajar en el tiempo hacia un Japón Feudal lleno de misticismo, seres sobrenaturales que rozan la mágico y tradiciones que reflejan ese exótico folclor oriental que tanto nos atrae a los occidentales.

La calidad del anime es fabulosa en todos sentidos. La música llena de misterio el ambiente, pero también hace que las escenas sean dramáticas, emotivas o apacibles cuando la historia así lo requiere. El diseño de personajes en simple pero funcional, además de que otorga una personalidad única a cada uno de los múltiples personajes que aparecen a lo largo de los capítulos. La calidad de animación es muy buena, pero son los escenarios los que sobresalen por entre todas las cosas, las accidentadas montañas, los verdes bosques, el infinito mar, las rocosas islas, las playas, las zonas nevadas y las numerosas aldeas rurales que nos remiten al Japón Feudal dan a la serie una variedad geográfica que si bien luce un tanto similar debido a la cromática verde que se maneja en prácticamente todos los episodios, nos permite apreciar la diversidad cultural de ese Japón antiguo y místico, donde los mitos y las leyendas eran el medio por el cual se transmitía la historia y el conocimiento.

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La historia gira en torno a Ginko, un Mushishi viajero que se dedica a estudiar y resolver problemas ocasionados por mushis. Los mushis son unos seres etéreos que no pertenecen ni a las plantas ni a los animales, ellos deambulan en otras dimensiones pues están más cercanos a la esencia de la vida, por esa razón muy poca gente puede verlos. Sin embargo, en ocasiones estos mushis interactuar con las persona y les causan distintos problemas que sólo pueden ser resueltos por los Mushishi.

A lo largo de los capítulos veremos a Ginko tratar de resolver los problemas causados por los mushis, pero con diferentes resultados, pues no en todos los casos podrá dar un remedio eficaz para el problema. Asimismo, en cada episodio veremos nuevos personajes, nuevas locaciones y situaciones distintas que pueden ir desde lo trágico y dramático, hasta lo feliz y alegre, pasando por situaciones crudas e incluso violentas. Y si bien Ginko es el personaje principal, su función es la de servir como hilo de unión para las distintas historias, pues cada episodio es autoconclusivo y los personajes incidentales que aparezcan en él serán quienes den juego a las diversas situaciones. El ritmo puede ser pausado y tranquilo pero integra información en todo momento, por lo que hay que prestar atención para poder entender a detalle todo lo que pasa.

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Esa forma en que ocurren y se resuelven las cosas es algo a destacar en esta serie, pues si bien al final de cada episodio casi siempre se logra el cometido del personaje incidental del momento, el resultado no precisamente conllevará a un desenlace feliz para este.  Además, cada uno de esos personajes encierra una lección de vida, pues todos, de una u otra forma, tienen problemas, como pueden ser la depresión, la falta de dinero, el peso de una herencia familiar o las malas decisiones de su pasado. Esa crudeza propia de la vida real y la esencia sobrenatural hacen que la serie sea algo sombría por momentos, misterioso e incluso atemorizante, pero por muy lúgubre o nostálgica que se torne siempre tendrá algunos destellos de felicidad.

Los problemas causados por los mushis no siempre son la razón real del sufrimiento de las personas, la mayoría de las veces tiene que ver con la forma en que son tratadas por el resto de la sociedad. El miedo a lo desconocido es lo que hace que las personas crean que los fenómenos causados por los mushis son maldiciones y que las personas afectadas por ellos están malditas. Esa misma ignorancia hace que se alejen de aquellas personas que ven cosas que ellos no.

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En la cara opuesta de la moneda tenemos a los Mushishi, los expertos en mushis. Ellos usan el conocimiento para contrarrestar los efectos negativos que dejan estos seres, para ello hacen uso de la inferencia y la deducción, pero también de los conocimientos obtenidos por el estudio constante y las experiencias de sus colegas, con ellos logran dar una correcta explicación a los fenómenos que en apariencia no son de este mundo. Esa mezcla entre la ignorancia del pueblo y la sabiduría del Mushishi hacen sumamente rica y valiosa a esta serie.

El conocimiento que los Mushishi acumulan va quedando recopilado no sólo en la tradición oral, sino en bibliotecas secretas sacadas de la más compleja obra de fantasía épica, los remedios que fabrican para tratar a sus pacientes tienen una esencia muy artesanal y las experiencias pasadas de generación en generación dan una especie de trasfondo histórico-fantástico que por momentos te hace dudar sobre si esas tradiciones que ves en pantalla en realidad pertenecen a la cultura japonesa o son una invención propia de esta obra. Un perfecto ejemplo de cómo mezclar la fantasía con el folclor.

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Si bien cada capítulo gira en torno a los personajes del momento, el desarrollo general nos permite ir conociendo en segundo plano la historia personal de Ginko, la forma en cómo se convirtió en Mushishi y las diversas aventuras que ha tenido que enfrentar en sus constantes viajes. Esa figura del Mushishi errante nos recuerda al mago viajero que va de aldea en aldea, pero un poco más cercano a los médicos, botánicos y viajeros del siglo XIX que emprendían extensas expediciones hacia nuevos mundos, describiendo y dibujando los lugares, plantas y animales que encontraban. Ginko es sin duda un personaje muy bien logrado tanto por lo humano que puede llegar a ser, como por lo complejo y misterioso de su pasado. Algo que me llamó mucho la atención de Ginko es que su ropa es la única que está fuera del contexto temporal en que transcurre la obra, ya que mientras el resto de personajes visten ropa propia de la era feudal, Ginko lleva camisa y pantalones más propios de nuestro tiempo.

Los mushis son otro elemento fundamental y la riqueza en cuanto a la variedad de especies, poderes y habilidades que estos seres tienen es muy rica. Tenemos mushis que causan ceguera, otros que mejoran la vista, algunos devora el sonido, otros regresan a los muertos a la vida, algunos más hacer volar a las personas o vuelven sus sueños realidad, e incluso hay mushis que viajan por cavernas de otra dimensión permitiendo llevar mensajes de un lugar a otro. Los mushis pueden ser alternativamente buenos o malos, pero sin importar el mal o el bien que causen a las personas son seres vivos que se deben respetar.

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Mapas del mundo moderno y la cultura pop

Entre las ventajas de la Geoficción está el hecho de poder mapear prácticamente cualquier cosa que se nos ocurra y el joven Martin Vargic, oriundo de Eslovaquia, nos demuestra que el talento para ilustrar y las bondades de la Geografía pueden lograr cosas de un gran nivel artístico. Martin se ha dedicado a crear mapas de estilo antiguo pero con cosas de la cultura pop, como los géneros literarios, portales de internet o los estereotipos. Los diseños de sus mapas son impresionantes, tanto por el detalle como por la cantidad de información que contienen. Sus creaciones actualmente pueden encontrarse en su página oficial o en su libro Vargic’s Miscellany of Curious Maps: The Atlas of Everything You Never Knew You Needed to Know que salió a la venta el pasado septiembre.

Página: http://www.halcyonmaps.com/

Libro: The Altas of Everything

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Infografías del terror

Hace algunas semanas me encontré con estas dos imágenes que nos hablan sobre uno de los géneros más atractivos para el público cinéfilo, el Terror (u Horror, ya ven que en español los términos significan cosas distintas pero en inglés no). Pues bien, hoy les comparto las dos infografías para que conozcan un poco más sobre estos fabulosos géneros, que lamentablemente se han estancado en la repetición de fórmulas comprobadas y sustos, dejando de lado la provocación de verdadero miedo.

En la primera imagen tenemos una breve genealogía del terror, en la que podemos ver cómo ha evolucionado el género desde aquellos primeros filmes de los años 20. Desde el expresionismo alemán con Nosferatu, hasta las producciones de este siglo, pasando por la etapa de los grandes monstruos, los psicópatas de los años 60 y el violento Gore Serie B de los 70 y 80. En la segunda vemos la ubicación geográfica en donde toman lugar las historias que se desarrollan en los Estados Unidos.

Genealogía del Terror

Geografía del Terror

Monstruos Mexicanos

2015-10-26 09.52.26

Autora: Carmen Leñero.
Editorial: Alas y Raíces.
Año: 2012 (Tomo I), 2013 (Tomo II)

Más allá de El Coco y La Llorona existe un universo inmenso de monstruos que habitan a lo largo y ancho del territorio mexicano. Monstruos Mexicanos son dos libros que aglomeran entre sus páginas a los seres sobrenaturales más populares de la tradición prehispánica y el sincretismo de la época colonial. Los antiguos y olvidados dioses mesoamericanos dieron paso a mitos y estos a su vez, a una serie de antiquísimas creencias sobre demonios, monstruos y hechiceros que —a diferencia de los monstruos europeos— no sólo podían causar el mal, sino que además, como lo dicta la cosmovisión dual previa a la llegada de los españoles, mantenían cierto equilibrio entre humanos, dioses y naturaleza.

Los monstruos no existen porque sí, todos tienen alguna finalidad o tarea y eso es lo que Carmen Leñero nos demuestra en las páginas de sus dos libros, fabulosamente ilustrados por las manos de Claudio Romo y Marcos Castro. La obra no sólo rescata del olvido a las criaturas que atormentaron las noches de nuestros abuelos, también reivindica la historia de estas criaturas y nos deja ver brevemente que incluso los seres más tenebrosos eran percibidos de una forma distinta a los engendros venidos de Europa. Una excelente opción para acercar a los niños a los monstruos endémicos de nuestro territorio, los cuales no deben ser olvidados a causa de la invasión de monstruos extranjeros.

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Payasos Asesinos del Espacio Exterior

Killer Clowns 1

Título Original: Killer Clowns from Outer Space.
Género(s): Terror, Comedia, Ciencia Ficción.
Director: Stephen Chiodo.
Emisión: 1988.
Duración: 88 minutos.
Extras:

Hubo una época en la historia del cine en la que muchas películas llevaron por título la frase “from outer space” (del espacio exterior), películas que por lo general eran malas, exageradas y tan inverosímiles que le granjearon cierto estigma de mala calidad al cine de Ciencia Ficción. No obstante, con el paso de los años esas obras empezaron a ser vistas como precursoras de un género que surgió en la marginación tanto por parte de los productores cinematográficos como de los literatos, y eventualmente el público las convirtió en obras de culto.

Payasos Asesinos del Espacio Exterior es una de esas obras que apelan a lo raro, lo grotesco y raya en lo bizarre, pero que curiosamente es muy apreciada por los fans de este tipo de obras. La calidad ya quedó muy rebasada por los efectos actuales, pero a pesar de ello los efectos especiales para esa época eran bastante aceptables. El maquillaje, los disfraces, los escenarios y la parafernalia tenían ese toque carnavalesco y extraño que iba genial con la trama. La música es muy ochentera, circense y con esos soniditos que hacían referencia a algo mecánico (el típico bip bu bip).

Killer Clowns 2

La historia gira en torno a Mike Tobacco y su novia Debbie Stone, quienes ven caer una estrella fugaz en las cercanías. Decididos a buscar sus restos se internan en el bosque, pero lo que encuentran allí es una extraña carpa de circo. Mike decide entrar a investigar, pero una vez adentro la pareja descubre que no se trata de un circo, sino de una extraña nave espacial habitada por grotescas criaturas con forma de payaso que al parecer están capturando gente en capullos hechos con algodón de azúcar. Los payasos atacan a los chicos pero estos logran escapar.

Ya en el pueblo, Mike y Debbie piden ayuda a la policía, pero nadie cree su historia. Dave, un joven policía y ex pareja de Debbie toma una actitud agresiva hacia Mike al creer que quiere gastarle una broma. Mientras mantiene apresado a Mike en su auto, ambos observa cómo uno de estos payados ataca a un grupo de personas. Dave cree la historia de Mike y deciden alertar a todos, pero los payasos ya están por todo el pueblo capturando gente. Para su mala fortuna Debbie es capturada, por lo que Mike, Dave y los hermanos Terenzi viajan hasta un parque de diversiones para enfrentar a los payasos.

Killer Clowns 3

La historia puede sonar algo ridícula y en esencia lo es, pero no podemos esperar otra cosa cuando el tema central son payasos asesinos del espacio exterior. Además, tiene elementos muy bien logrados que mantienen la cohesión de la trama, por ejemplo, los payasos tienen armas que lanzan palomitas de maíz, extraños poderes que hacen con sombras, criaturas hechas de globos, un auto pequeñito en el que caben muchos payasos, los imprescindibles pastelazos y una nave que por dentro parece la típica casa de la risa de las ferias. Todos esos elementos payasescos mantienen la coherencia en algo que por naturaleza es extraño.

No obstante, a pesar de que los elementos circenses bien logrados, hay varios clichés. Tenemos, por ejemplo, el triángulo amoroso, la dupla de personajes estúpidos, el policía bueno y el policía malo, y el característico punto débil que no puede faltar en todo monstruo que se respete. A pesar de ello, la película no deja de ser entretenida, y de hecho tiene la capacidad que generar un remake ultra violento y plagado de gore, completamente opuesto a esta versión cómica que si bien tiene sus toques fuertes están matizados por el maquillaje y los globos. Para el 2016 se espera la secuela de este filme, pero parece que tendrá el mismo estilo, no obstante, yo espero ver algún día algo realmente siniestro con estos payasos, pues manejados de la forma correcta podrían dar mucho miedo.

Killer Clowns 4