Month: diciembre 2017

2017

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Normalmente tengo todas las entradas del blog que han sido escritas por mí guardadas en documentos de Word por año, llevan el nombre del blog más el año en curso, además de una numeración que delimita las etapas por las que ha transitado este pequeño espacio virtual. Las etapas 1.0, 2.0 y 3.0 pertenecen a los primeros años en Windows Live Space, la 4.0 marca el paso a WordPress, la 5.0 es cuando empecé a publicar contenido que ya no solo era animación japonesa, la 6.0 es por la llegada del Podcast y actualmente la 7.0 se refiere al manejo temático del blog, con el Podcast, las Pláticas de Ciencia Ficción y el contenido que programamos por anticipado en una aplicación que propuso Vossk y que desde Abril nos ha permitido marcar temas especiales para cada mes, además de llevar un control de las entradas que tenemos y sus posibles fechas de publicación. Esta nueva forma de organización ha funcionado tan bien que para principios de septiembre ya teníamos entradas suficientes para cubrir hasta el próximo mes de marzo.

El Podcast no ha logrado salir cada mes pero seguimos en ello y al menos cada dos meses trataremos de traer un nuevo episodio. Las Pláticas de Ciencia Ficción que disfrutaron este año fueron grabadas antes de agosto, así que seguirá en emisión mensual por el momento. Las entradas sobre reseñas o ensayos serán cada cinco días y el resto de aspectos del blog seguirá más o menos igual.

Este 2017 sin duda fue un buen año y, a diferencia de otros años, pudimos mantener una constancia a pesar del trabajo y las distintas obligaciones de la vida “adulta”, que como buenos frikis que somos nos negamos a aceptar en su totalidad, aunque no por ello descuidamos nuestras obligaciones (el dominio y el host del podcast no se pagan solos). En fin, como cada diciembre, agradezco a todos los fieles seguidores que desde hace años nos leen, a los nuevos que recién nos conocer y a todos aquellos amigos que colaboraron con este espacio, especialmente a Vossk quien lleva años aquí a mi querida amiga Fanny por integrarse a los Podcast. Nos vemos el próximo año con más animación, ciencia ficción o todas esas cosas frikis de la cultura pop que tanto nos encantan.

De Akatsuki a Karl Marx

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Pese a que como Arqueólogo soy Antropólogo y como Antropólogo soy Científico Social, no soy para nada un experto en cuestiones teóricas, de hecho desconozco a profundidad la mayoría de teorías y sólo en un par de ellas tengo nociones más amplias. Por lo mismo no voy a explicarles de que trata el Materialismo Histórico, o como quizás lo conozcan mejor, el Marxismo. Pero para que puedan entender un poco este ensayo no está de más dar una explicación sumamente resumida de lo que trata esta teoría.

Para el Materialismo Histórico existe un concepto llamado modos de producción, que son las formas mediante las cuales una sociedad produce los bienes materiales necesarios para su subsistencia (como el alimento, por ejemplo). Estos modos de producción integran los instrumentos de trabajo (herramientas), la técnica y la fuerza de trabajo (mano de obra) que finalmente terminan por modificar las relaciones entre los miembros de una sociedad, lo que podemos denominar como régimen económico-social.

El factor económico y todo lo que lo integra será llamado a partir de ahora la estructura. Por otra parte, dentro de una sociedad tenemos otros elementos como las leyes (lo jurídico), la política, la religión, la ideología y demás instituciones; este conjunto de elementos serán la superestructura. Para Marx, la superestructura estaba directamente determinada por la estructura, es decir, las condiciones económicas. Citando a Marx:

…en la producción social de su vida los hombres establecen determinadas relaciones necesarias e independientes de su voluntad, relaciones de producción que corresponden a una fase determinada de desarrollo de sus fuerzas productivas materiales. El conjunto de estas relaciones de producción forma la estructura económica de la sociedad, la base real sobre la que se levanta la superestructura jurídica y política y a la que corresponden determinadas formas de conciencia social. El modo de producción de la vida material condiciona el proceso de la vida social política y espiritual en general. No es la conciencia del hombre la que determina su ser sino, por el contrario, el ser social es lo que determina su conciencia.

Ahora bien. El plan de Akatsuki era el siguiente, según lo explica el propio Pain durante el capítulo 81: (1) el primer objetivo era hacer dinero, (2) con ese dinero crearían la primera organización de guerra por contrato, pero a diferencia de las Aldeas Shinobi no se dedicarían a hacer misiones a cambio de un pago, y (3) eventualmente se harán con el monopolio de la guerra, cobrando grandes sumas de dinero, lo cual podrán hacer gracias a que ellos tendrán el control de los mecanismos de producción (las bestias con cola). Al tener el control de la estructura, Akatsuki tendrá el control del mundo.

Aquí lo importante es notar que las Aldeas Ninja son la base de la economía de las naciones y por ende necesitan de una determinada cantidad de guerra para que el dinero fluya. La economía basada en la guerra es el modo de producción (la estructura) y la superestructura se determina en torno a la necesidad de guerras y shinobis, lo cual puede observarse en las relaciones sociales. Por eso tenemos una escuela donde los niños aprenden a ser ninjas y no ingenieros, por eso el máximo líder de la aldea ninja es un líder militar y no el señor feudal, por eso se inculca un férreo sentimiento de valor y lealtad a los shinobis para que sean capaces de dar la vida por su aldea. Todos esos elementos sociales, desde la perspectiva marxista, son determinados por la necesidad de mantener un perpetuo estado de conflicto a fin de que la principal fuente de ingresos económicos (las guerras) siempre esté presente.

Pláticas de Ciencia Ficción 6: Teoría del Centro-Periferia

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En otras ocasiones he hablado ya de la Geoficción y de cómo las ciudades son un reflejo de determinadas características sociales. En el programa de hoy hablo sobre una teoría, aunque en realidad está en el rango de hipótesis, a la que llamo Centro-Periferia, la cual puede usarse para explicar la dinámica del patrón de asentamiento de una ciudad de Ciencia Ficción y su directa relación con la estratificación socioeconómica.

En resume la hipótesis dice lo siguiente:

El estatus socioeconómico de un grupo social estará directamente relacionado con su ubicación en el espacio. A clases sociales opuesta corresponderá una ubicación geográfica de características contrarias.

El ejemplo principal es el que da nombre a la propuesta, Centro-Periferia. Está primer variante dice que al centro de una ciudad estarán los ricos y poderosos mientras que en las afueras vivirán las gentes con menos recursos. Obviamente donde vive la clase dominante hay un mayor acceso a recursos, lo que no ocurre en la periferia de la urbe.

Además de la variable principal están otras tres variantes: Arriba-Abajo, Enfrente-Atrás y Adentro-Afuera. Siempre en una de ellas vivirán las clases privilegiadas y por consiguiente en la otra estarán las clases más desprotegidas. Está propuesta se puede usar para explicar la relaciones sociales, económicas y de poder entre los diferentes grupos sociales en una obra de Ciencia Ficción, principalmente Ciencia Ficción Social y Cyberpunk. Y también nos permite inferir la calidad de vida, las oportunidades, el nivel educativo y el acceso diferencial a los recursos.

La hipótesis toma en parte los postulados arqueológicos que explican el patrón de asentamientos de algunas ciudades prehispánicas de Mesoamérica, en donde existía una ciudad hegemónica donde se centralizaba el poder y diversas ciudades satélites que tributaban mano de obra, recursos y diversas materias primas. También retoma algunos argumentos de la Economía y la Geografía Social usada por el geógrafo francés Alain Musset para sus estudios de Geoficción.

Rakka: Volumen 1

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Título Original: Rakka.
Género(s): Ciencia Ficción Social.
Director: Neill Blomkamp.
Emisión: 2017.
Duración: 21 minutos.
Extras: –

Antes del estreno de Alien Covenant circuló por internet una propuesta sobre una versión de Alien 5 protagonizada nuevamente por Sigourney Weaver, el hombre detrás de esa idea era Niell Blomkamp, mejor conocido por películas como Sector 9 (2009) o Elysium (2013), entre otros filmes más que le han dado al género de la Ciencia Ficción una renovación que hacía tiempo no se veía.

Niell Blomkamp se ha convertido en uno de mis directores preferidos, y se ha ganado mi preferencia en muy poco tiempo, tengo que admitirlo. Luego de ver un par de sus filmes me di cuenta de que, al menos para mí, es el mejor director abocado a la Ciencia Ficción en este momento, y sin duda alguna es el mejor director de obras de Ciencia Ficción Social de la historia. Y sí, con esa tranquilidad puedo decirlo. Sus obras abordan temáticas sociales de formas que nunca antes nadie había usado, sin olvidar lo crudas, directas y apegadas a los problemas sociales de la actualidad que están.

La propuesta de Blomkamp no fue apoyada y perdimos la oportunidad de ver la que pudo haber sido la mejor obra del universo Alien desde Aliens (1986). Honestamente creo que fue lo mejor, ya que ahora tenemos la oportunidad de disfrutar de la que sin duda será la mejor película sobre extraterrestres en lo que va del siglo, y estoy completamente seguro de que tiene el potencial de convertirse en el nuevo gran clásico de la Ciencia Ficción con extraterrestres. Así como Alien vino a revolucionar el Terror Espacial, Rakka llegó a darle un toque social muy necesario y alejado de los dramas heroicos sobreexplotados. Rakka es verdaderamente una maravilla que posiciona a su director en un lugar todavía más alto de lo que las anteriores obras habían logrado.

La historia transcurre en el estado de Texas en 2020, luego de que una raza alienígena (reptilianos al parecer) invadiera la tierra. Los extraterrestres rápidamente diezmaron a la humanidad y esclavizaron a los sobrevivientes obligándolos a construir extrañas estructuras que terraforman al planeta emitiendo metano a la atmósfera con el fin de hacerla más adecuada para los invasores. Algunos humanos son usados para crueles y despiadados experimentos en los que implantan extraños aditamentos en sus cuerpos, pero un pequeño grupo de rebeldes aún se mantienen en pie de lucha tratando de cambiar el destino de la humanidad.

El corto es sencillamente maravilloso, el diseño de personajes es increíble al igual que las actuaciones y la presencia de una actriz consagrada como Sigourney Weaver no hace más que garantizar la calidad del filme. Los elementos de la tecnología extraterrestre que juega con lo biorgánico y el cyberware tienen el sello del director pero no copian nada de lo antes visto. El contexto postapocalíptico, los poderes psíquicos de las criaturas y la forma de contrarrestarlos permiten jugar con el Scrappunk, lo que a mí personalmente me gustó mucho. Aunque el mejor elemento es el énfasis en la situación tan desesperada que viven los humanos, al grado de ser capaces de inmolarse con tal de dañar al enemigo, incluso a pesar de que todo parece ser una guerra perdida. ¿Qué nos motiva a seguir luchando aun cuando sabemos que es casi imposible ganar?

Para mí Niell Blomkamp es el rey de la Ciencia Ficción Social, y a pesar de mantenerse en una cierta zona de confort, pues en todas sus obras siempre recurre a la crítica social, el cyberware y los extraterrestres, logra reinventarse en cada obra y regalarnos historias originales de una calidad cada vez mayor. El sudafricano director aún es muy joven, por lo que yo creo que todavía estamos a varios años de ver su máximo potencial. Honestamente espero que siga creciendo e innovando y no se estanque en sus viejas glorias una vez consagrado como le ha pasado a muchos de los grandes de la cinematografía de ficción.

Himôto! Umaru-chan

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Título Original: 干物妹!うまるちゃん (Himouto! Umaru-chan).
Género(s): Comedia, Slice of Life.
Director: Masahiko Ohta.
Estudio: Doga Kobo.
Emisión: Julio – Septiembre 2016.
Duración: 12 episodios.
Extras: 2 OVA.

Basado en el  manga homónimo de Sankau Head, Himouto! Umaru-chan es una simple y algo genérica serie de comedia ligera que en un principio no resulta del todo atractiva, pero que al pasar de los capítulos resulta algo entretenida siempre y cuando te hayas logrado identificar con alguno de los personajes. Es cómica sí, pero se queda muy corta y puede resultar un poco difícil de seguir en los primeros capítulos.

La calidad es buena, los personajes cae en estereotipos pero los radicales cambios de personalidad y diseño de la protagonista son interesantes. La música no está mal pero no es para nada sobresaliente y los escenarios son aceptables pese a limitarse, en la mayoría de las escenas, al departamentos de los personajes principales.

La historia gira en torno a Umaru Doma una chica de preparatoria aparentemente perfecta, tiene las mejores calificaciones, es hermosa, buena en los deportes y sumamente amable, sin embargo, fuera de la mirada pública es una despreocupada vaga que pasa las tarde viendo anime, leyendo manga o jugando videojuegos, mientas se atasca de comida chatarra. Es prácticamente incapaz de hacer algo por sí misma y siempre termina manipulando a Taihei, su hermano mayor, para que haga todo por ella.

La premisa resulta sin duda interesante, y ese cambio en el estilo de dibujo ayuda a diferencia a la Umaru perfecta de la Umaru otaku, yo incluso quedé con la duda de si es un cambio en el estilo de dibujo o en realidad se transforma. Lamentablemente la serie sustenta toda su comedia en ese drástico cambio de personalidad, lo cual no es suficiente para hacerla divertida y en algunos momentos resulta algo tediosa, sobre todo en los primeros episodios cuando vemos como Umaru abusa de su pobre hermano con sus berrinches a fin de obtener lo que ella quiere. Llega un punto en que Umaru es tan manipuladora que cae mal.

Afortunadamente poco a poco se empiezan a mostrar detalles de la personalidad de todos los personajes que hace las cosas un poco más profundas. Por una parte, vemos que Umaru es un genio en la escuela, pues obtiene buenas calificaciones sin estudiar, no obstante, lo interesante es que a ella le resultan totalmente indiferentes todos sus logros escolares, lo único que quiere es llegar a su casa para ver el capítulo de estreno del anime de temporada. Ese aspecto de obtener buenos resultados en algo que en realidad no te importa fue lo que medianamente me hizo identificarme con ella.

Si analizamos un poco su personalidad podemos darnos cuenta de que raya en ser hikikomori, pues pasa la mayor parte de su tiempo en casa y no le gusta salir. Para ella el internet es la única ventana que necesita y le interesa del mundo exterior, el cual no le es tan entretenido como la ficción que tanto consume. Ahora bien, parte de que sea así tiene que ver con el hecho de pasar mucho tiempo sola, a pesar de ser tan popular y admirada en la escuela; digamos que de forma muy sutil la serie refleja la soledad del estudiante y el salaryman japonés. Aunque esto analizándola demasiado, pues la serie es muy plana y tan sólo da pequeños chispazos que podrían dejar entrever un trasfondo nostálgico.

El resto de personajes es más o menos similar, tienen algún tipo de conflicto en su personalidad que medianamente empiezan a superar al final de la serie. El problema es que ningún personaje crece realmente, todos se quedan igual y eso es algo frustrante, incluso haber optado por el cliché de “Umaru entiende todo lo que su hermano hacer por ella y deja de ser tan fastidiosa” hubiese resultado un mejor final que la forma en que termina, ya que todos los personaje siguen en el mismo lugar donde comenzaron.

Así como Otaku no Video fue un fiel reflejo del otaku de los años 80 y 90 o Genshiken, de la primera década de este siglo, Himouto! Umaru-chan es fiel reflejo del hiperconsumismo friki de esta década. Algo que sí es bastante gracioso son todas esas referencias a las series de anime más populares, sobre todo la parodia a SELEE de Evangelion o el homenaje a Susurros de Corazón. Y si bien la serie tiene sus momentos cómicos, no es para todo público, te puede gustar si eres muy friki aunque no es una serie que yo recomendaría a alguien que quiera una comedia ligera pero no sea tan clavado en el anime.

Arrival

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Título Original: Arrival.
Género(s): Ciencia Ficción, Drama.
Director: Denis Villenueve.
Emisión: 2016.
Duración: 116 minutos.
Extras: –

Basada en la novela Story of Your Life de Ted Chiang, La Llegada es un de las más espectaculares películas de Ciencia Ficción en la historia del cine, y no porque presente efectos especiales espectaculares, sino por contar una historia compleja, dramática y llena de elementos científicos que la convierten en una verdadera obra de arte que raya en la Ciencia Ficción Dura, cosa que en medios audiovisuales es muy, muy difícil lograr.

La calidad técnica es espectacular, el uso de pantalla verde es mínimo y  la mayoría de los escenarios, sobre todo la nave extraterrestre, son reales, lo que mantendrá su nivel de calidad por muchos años. La estética es simple y hasta cierto punto minimalista, pero dada la gran calidad argumental del guion no necesita de naves rebuscadas ni escenarios exagerados. Su simpleza termina por ser una de sus mejores virtudes. La actuación es sublime y el hecho de que el papel principal lo tenga una mujer nos demuestra que las féminas siempre han ocupado los papeles más importantes en la obras de este género. La música es muy buena y el diseño de la nave y los extraterrestres resulta inmejorable y totalmente original.

La historia gira en torno a Louise Banks (Amy Adams), una lingüista que trabajó para el ejército traduciendo mensajes enemigos. Un día empiezan a aparecer unas entrañas y alargadas naves construidas con lo que parece ser un tipo de piedra por todo el planeta. Las doce naves extraterrestres permanecen levitando sin hacer nada durante algún tiempo. El desconcierto provocado por la llegada de los visitantes genera caos en todo el mundo, los ejércitos y gobiernos intentan mantener controlada a la población mientras buscan averiguan a qué vinieron los alienígenas.

Ya que Louise es reconocida por ser la mejor traductora del ejército, es reclutada para entrar a la nave y tratar de entablar comunicación con los heptápodos, dos seres con siete extremidades que tripulan la nave. Cada 18 horas una compuerta se abre y permite la entrada a los terrícolas. Luego de muchas sesiones, Louise logra averiguar que los heptápodos tiene un lenguaje escrito que termina por descifrar, pero sus traducciones la llevan a una palabra recurrente que genera alarma entre las fuerzas armadas de todo el mundo: arma.

Louise descubre que al aprender el lenguaje de los visitantes empieza a percibir el tiempo de forma diferente y tiene visiones del futuro. El arma no era un elemento de destrucción, sino la habilidad de comprender y percibir el tiempo de formas que nunca hubiéramos imaginado, el lenguaje que nos heredaron los heptápodos era esa arma, con la cual tendríamos que ayudarlos en un futuro lejano. No obstante, para que los humanos podamos comprender todos los secretos de su lengua debemos trabajar juntos como especie y compartir la información que cada una de las doce naves dejó en la tierra, como rompecabezas. Louise logra que el ejército colabore con sus homólogos en otros países y las naves desaparecen sin dejar rastro.

Es un poco obvio el mensaje de unidad como humanos para evitar una guerra con los heptápodos y sobre todo para compartir la información fragmentada que cada nave dejó tras de sí. Pero se hace una brutal critica el miedo innato que los humanos tenemos a lo desconocido; cuando las naves llegaron el primer pensamiento fue el de atacarlas antes de que nos invadan. Cuando no comprendemos algo solemos tenerle miedo, pero para comprender a una raza extraterrestre primero tenemos que poder comunicarnos con ella, allí es donde toma vital importancia el lenguaje.

Hemos visto que las diferentes historias de ciencia ficción retoman un elemento específico como eje de su historia, pero que este elemento sea el lenguaje y la ciencia que guía a la historia sea la Lingüística resulta algo tan novedoso que de hecho es difícil imaginar que una obra pudiera ser tan magistral basada únicamente en un proceso de traducción. La Lingüística, como disciplina antropológica, requiere de un trabajo de campo que nos permita no sólo aprender palabras y significados, sino acércanos a la forma de ver el mundo que tienen  otras culturas, en este caso una civilización que no es de este planeta.

La manera en que los realizadores construyeron la escritura de los heptápodos en verdad refleja su visión del mundo y su percepción del tiempo, pero sobre todo vincula al lenguaje con la relatividad. Esa escritura semasiográfica de forma circula donde el principio y el fin comparte un mismo punto me pareció sencillamente maravillosa. Si le metemos cuestiones lingüísticas a una obra de ciencia ficción la haremos muy compleja, si le metemos cuestiones de viajes temporales la cosa se complica aún más, pero si convinimos ambas tendremos una brutal obra maestra de Ciencia Ficción Hard.

La idea fundamental del filme es que la lengua que hablas determina en gran parte tu forma de pensar y entender el mundo. Cuando Louise aprende el idioma de los heptápodos empieza a percibir el mundo y el tiempo de forma muy distinta. Louise puede ver fragmentos de su futuro y eso le permite saber el trágico destino que le espera a su hija. Y aquí es donde surge la verdadera esencia del filme, pues más que una obra de ciencia ficción sobre extraterrestres es un drama que nos pregunta si aun sabiendo lo que nos espera en el camino estaremos dispuestos a recorrerlo y apostar todo a pesar de saber que terminaremos por perderlo. El drama de trasfondo y esos flash-backs que en realidad no lo son, resultan ser la verdadera historia.

Hay un cierto grupo de obras de Ciencia Ficción que tienen historias muy dramáticas como trasfondo, Interstellar o Another Earth, son ejemplos de eso que el propio productor y guionista de este filme denomina como Ciencia Ficción Intelectual. Y es que este tipo de obras hacen una apuesta inicial antes incluso de ser terminadas, apuestan a que su público es un público inteligente y consumirá su historia a pesar de ser densa y compleja tanto en un sentido científico como en uno emocional. Aquí no se trata de tener grandes efectos, sino historias complejas que te obligan a pensar por ti mismo cuál fue el mensaje o la crítica social. Todos estos aspectos hacen de Arrival una formidable obra que no se pueden perder y de la que hay mucha tela de donde cortar.

Star Wars: Clone Wars

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Título Original: Star Wars: Clone Wars
Género(s): Sobrenatural, Peleas, Fantasía, Comedia, Drama.
Director: Genndy Tartakovsky.
Estudio: Cartoon Network Studios y Lucasfilm Ltd.
Emisión: 7 de noviembre de 2003 – 25 de marzo de 2005
Duración: 3 Temporadas repartidas en dos volúmenes, 25 episodios en total.
Extras: TIE Fighter.

Star Wars vuelve a estar presente en la mente del colectivo, con una nueva trilogía que muchos creímos imposible, películas complementarias como la aclamada Rogue One y por supuesto, la avalancha inevitable de mercancía. El material original atraviesa tres etapas: la trilogía clásica, las terribles precuelas y la nueva serie de películas desarrolladas por Disney, cada una adaptada al contexto de su propia época. En mi caso, me tocó presenciar el surgimiento y declive de las precuelas.

Al igual que mi editor, no soy gran fan de Star Wars y sólo unos pocos personajes me mantienen interesado en este gigantesco universo que ha cautivado a millones durante demasiadas generaciones. De entre las películas, las únicas que no me parecen totalmente aburridas son El Imprerio Contrataca, La Venganza de los Sith y Rogue One. Recuerdo que hubo una gran campaña mediática para promocionar la última de las precuelas, pero al final la película no pudo satisfacer las expectativas de los seguidores.

Afortunadamente no todo fue un desperdicio, pues de entre todo este hype apareció uno de los mejores trabajos en el universo de Star Wars, Las Guerras Clon. Se trata de una mini-serie animada producida por Cartoon Network Studios en asociación con Lucasfilm y dirigida por Genndy Tartakovsky, uno de los creadores más prolíficos de la compañía. Su objetivo principal era conectar El Ataque de los Clones con La Venganza de los Sith y de paso generar interés en la tercer película.

El primer volumen se compone de 20 episodios de 3 minutos de duración aproximadamente. Recuerdo que solían aparecer repentinamente entre bloques de la programación habitual de Cartoon Network para dejarte con la boca abierta. Cinco episodios de más de diez minutos de longitud componen el volumen final y dan cierre a la historia, que efectivamente nos deja justo al inicio de La Venganza de los Sith. La serie tiene gran énfasis en la acción, sin dejar a un lado el argumento.

Los primeros episodios nos relatan diferentes batallas que tienen lugar a lo largo y ancho de la galaxia conforme avanza la guerra. Al final del primer volumen comienzan a resaltar dos historias en particular que tienen su respectivo desenlace en la segunda parte. La calidad en la animación es fascinante, extremadamente dinámica y perfecta para las desenfrenadas secuencias de acción, aunque resulta evidente el uso de modelos tridimensionales en varias secuencias.

Si bien el estilo de dibujo puede parecer fuera de lugar en un principio, basta con ver un par de episodios para quedar atrapado en esta pequeña muestra de las legendarias Guerras Clónicas. El apartado técnico (efectos, sonido, voces) es magnífico. Un punto que se ha mencionado mucho entre los fans en el que estoy completamente de acuerdo es que esta animación supera a cualquiera de las precuelas, incluso introdujo personajes que más adelante fueron retomados en otros trabajos.

La serie tiene un ritmo particular que le otorga su propia identidad. Los episodios tienen un enfoque distinto, pero siempre están presentes dos características que encantan. Muchas de las increíbles secuencias de acción carecen de música, dejando que los movimientos de los personajes acaparen toda nuestra atención. También suele haber una breve pausa antes de que ocurra alguna reacción que desate otra serie de escenas emocionantes.

Star Wars: Clone Wars es una de mis obras favoritas dentro de este universo y aunque ya no forma parte de la línea argumental oficial es un trabajo de animación de primer nivel que se puede disfrutar sin problemas. Ganadora de múltiples premios, Clone Wars mejoró mucho a los personajes, actualizo el estilo visual y rindió un digno homenaje a la creación de George Lucas, pero también demostró que la franquicia puede llegar muy alto de la mano de un equipo creativo independiente.